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Exposiciones

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Exposiciones | Guggenheim Bilbao Museoa

3ª planta

Audioguía

Tercera planta

Esta presentación de la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao muestra una selección de obras que singularizan momentos clave de la historia del arte posterior a la Segunda Guerra Mundial. En un gesto ambicioso por amplificar la resonancia entre arte y arquitectura, esta instalación de algunas de las piezas más sobresalientes de estos fondos permite, en la medida de lo posible, revelar la condición original del edificio eliminando las particiones interiores añadidas a lo largo del tiempo y celebrar los espacios diáfanos y llenos de luz del tercer piso del Museo.
La exposición se inspira tanto en el acervo de obras singulares de artistas como en movimientos de la historia del arte bien ilustrados en la Colección. Así, la muestra pone de relieve autores que trabajaron a la vanguardia de su tiempo y cuyas contribuciones en su ámbito fueron realmente determinantes. Cada sala ofrece la oportunidad de contemplar la producción de un único artista o de varios que exploran preocupaciones compartidas desde diferentes perspectivas.
Algunas galerías de esta planta presentan instalaciones de ubicación específica o piezas únicas de carácter experiencial, como los espacios dedicados a Cristina Iglesias, Sol LeWitt, y El Anatsui. La obra de este último, Mar creciente, es una escultura contemporánea de gran relevancia en la carrera del artista africano y constituye la última adquisición de la Colección. Otras salas acogen montajes temáticos sobre el desarrollo del arte abstracto que surgió tras la Segunda Guerra Mundial, así como aproximaciones entre el arte abstracto y lo espiritual, o abordan posteriores lenguajes artísticos que se desarrollaron entre 1960 y 1980, como el Pop y la presencia de lo popular en la creación contemporánea. Además, se incluye documentación histórica sobre estas corrientes artísticas y los autores que contribuyeron a ellas
Salas: tercera planta 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller

Si las paredes hablaran…

El Anatsui

Jenny Holzer

Jeff Koons

Sol Lewitt

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao

Esta presentación de la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao muestra una selección de obras que singularizan momentos clave de la historia del

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Secciones/Intersecciones  

Charla inaugural

Sala 103

 Sala 105

2ª planta

BBK Secciones/Intersecciones

19 de octubre, 2022 – 5 de febrero, 2023

Yayoi Kusama

19 de octubre, 2022 – 26 de febrero, 2023

Desplegando narrativas

En 2022 el Museo Guggenheim Bilbao celebra su 25º Aniversario a través de una ambiciosa muestra de su Colección Propia que se despliega en todas sus salas.
La exposición toma la forma de un gran tríptico expositivo, compuesto por tres aproximaciones temáticas que dialogan entre ellas, permitiendo redescubrir las obras que han definido históricamente tanto el interior como el exterior del Museo. Así, cada planta del edificio ofrece una presentación de la Colección: Secciones/Intersecciones. Desplegando narrativas, en la segunda planta; y Marcando la historia, en la tercera, constituyen los ejes temáticos de este tríptico expositivo, que permite tener por primera vez una visión panorámica del acervo que el Museo ha ido adquiriendo desde su fundación hasta nuestros días. Asimismo, en el contexto del 25º Aniversario, la sala 103 alberga una instalación excepcional de Yayoi Kusama.
Comisarios: Lekha Hileman Waitoller, Manuel Cirauqui, Geaninne Gutiérrez-Guimarães, Lucía Agirre, Maite Borjabad
El Anatsui 
Mar creciente (Rising Sea), 2019 
Aluminio y alambre de cobre 
800 x 1400 cm 
Guggenheim Bilbao Museoa

Si los materiales hablaran…

Mona Hatoum

Jannis Kounellis

Asier Mendizabal

Yoko Ono

Joseph Beuys

Christian Boltanski

Francesco Clemente

Abigail Lazkoz

En el Museo

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición Secciones / Intersecciones. 25 años de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

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Visita Virtual

Secciones / Intersecciones. 25 años de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao

En 2022 el Museo Guggenheim Bilbao celebra su 25º Aniversario a través de una ambiciosa muestra de su Colección Propia que se despliega en todas sus

Secciones / Intersecciones. 25 años de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao | Guggenheim Bilbao Museoa

Joan Miró (Barcelona, 1893–Palma de Mallorca, 1983) está considerado como uno de los más grandes artistas del siglo XX. Su obra es admirada por sus radicales innovaciones formales, desarrolladas en el contexto de las primeras vanguardias, principalmente del Dadaísmo y del Surrealismo. Miró se interesó también por cuestiones espirituales, fascinado por la mística, las visiones y los sueños. Asimismo, su trabajo permite lecturas políticas, considerando su simpatía por el nacionalismo catalán y su oposición a la dictadura franquista. Cuarenta años después de su muerte, su arte no ha perdido su seductora condición enigmática.
La realidad absoluta explora un periodo fundamental de su trayectoria: el que va de 1920 —fecha de su primer viaje a París— a 1945, caracterizado por su constante ebullición de ideas, que van del realismo mágico inicial a un vocabulario personal de signos constelados o flotantes sobre fondos ambiguos. En esta evolución se hace evidente la atracción que el arte prehistórico —incluidas pinturas rupestres, petroglifos y estatuillas— ejerció en Miró, quien propugnaba volver a los albores del arte con la intención de recuperar su sentido espiritual originario.
Miró realiza una permanente transformación de la experiencia vivida en arte. Todas las marcas que pintaba en sus obras se correspondían con algo concreto, anclándose en una realidad profunda que formaba parte de la realidad misma.
Sala: 105 
Comisario: Enrique Juncosa
Joan Miró 
Pintura (El sol) [Peinture (Le Soleil)], 1927 
Óleo sobre lienzo 
38,3 x 46,2 cm 
Cortesía The David &amp; Ezra Nahmad Collection 
© Sucesió Miró

Joan Miró. La realidad absoluta. París, 1920–1945

Joan Miró (Barcelona, 1893–Palma de Mallorca, 1983) está considerado como uno de los más grandes artistas del siglo XX. Su obra es admirada por sus

Joan Miró. La realidad absoluta. París, 1920–1945 | Guggenheim Bilbao Museoa

Fundación BBVA

El Museo Guggenheim Bilbao presenta, en colaboración con el Musée d’Art Moderne de Paris, una gran retrospectiva del artista austríaco Oskar Kokoschka.
Su obra se despliega a lo largo de todo el siglo XX, comenzando en Viena en el período anterior a la Primera Guerra Mundial. Inspirándose en la vibrante atmósfera de la ciudad, las primeras obras maestras de Kokoschka son radicales en cuanto a motivos y experimentación con el color.
El artista va alejándose cada vez más del estilo plano y decorativo del Art Nouveau vienés, adoptando líneas nítidas y angulosas que otorgan a los cuerpos extraordinarias cualidades. Este nuevo estilo ejerció una gran influencia en algunos de sus colegas, como Egon Schiele, pero también generó estupor en el público de Viena. A partir de 1908, y gracias a Adolf Loos, uno de sus primeros mecenas, el joven artista recibe numerosos encargos para realizar retratos. El siguiente periodo está marcado por su relación corta pero intensa con Alma Mahler, su participación en la Primera Guerra Mundial y su traslado a Dresde en 1916. En las pinturas de este momento destacan los colores penetrantes aplicados con rapidez y yuxtapuestos con maestría para realzar su intensidad. Durante los años siguientes, Kokoschka pasa largo tiempo viajando gracias a su galerista Paul Cassirer, y crea una serie de magníficos paisajes que captan la atmósfera de cada uno de los lugares que visitó.
En 1934 Oskar Kokoschka huye a Praga debido a la inestabilidad que se vive en su país natal. Las pinturas de este periodo muestran a personas en paisajes bucólicos, y por tanto, parecen una vía de escape de la realidad. Kokoschka lleva más lejos este enfoque alegórico en Inglaterra, donde se refugia tras la anexión de Austria por parte del Nacional Socialismo. En el exilio se intensifica el compromiso político del artista, quien había sido calificado de “degenerado” por los nazis.
Tras la guerra, Kokoschka se traslada a Suiza, junto con su esposa Olda, y se convierte en uno de los más vehementes defensores de una Europa unida. En las obras de sus últimos años, Kokoschka regresa a la radical franqueza de sus primeros momentos como enfant terrible de la escena artística vienesa. Pese a que este período creativo ha pasado con frecuencia desapercibido, inspiró de hecho a toda una generación de artistas ávidos de redescubrir el poder de la pintura.
Salas: 205, 206, 207 y 209 
Comisarios: Dieter Buchhart y Anna Karina Hofbauer 
Sedes: Musée d’Art Moderne de Paris, Museo Guggenheim Bilbao
Oskar Kokoschka 
El pintor II (El pintor y su modelo II) 
[Der Maler II (Der Maler und Modell II)], 1923 
Óleo sobre lienzo, montado sobre madera 
85,5 × 130,5 cm 
Saint Louis Art Museum, Legado de Morton D. May, 1983

Oskar Kokoschka. Un rebelde de Viena

El Museo Guggenheim Bilbao presenta, en colaboración con el Musée d’Art Moderne de Paris, una gran retrospectiva del artista austríaco Oskar Kokoschka. Su

Oskar Kokoschka. Un rebelde de Viena | Guggenheim Bilbao Museoa

La artista y escritora británica Lynette Yiadom-Boakye es reconocida por sus retratos de personajes atemporales captados en momentos cotidianos de felicidad, camaradería y soledad. Sus exuberantes óleos sobre lienzo o lino rústico, en los que emplea una pincelada suelta, representan personajes ficticios sobre fondos teatrales.
Sus figuras nacen de la combinación de elementos que proceden de distintas fuentes, como recortes de periódicos y dibujos. En ocasiones, junto a ellas aparecen también animales —entre ellos, búhos, zorros o perros— como si fueran mascotas, aunque algunos tengan una naturaleza salvaje. Las obras de Yiadom-Boakye invitan a una contemplación sosegada, a adentrarse en las historias visuales que ha imaginado la artista. Sus poéticos títulos llaman a la reflexión, reforzando la idea de que no son solo pinturas: son ficciones, que dejan un papel importante a la propia interpretación de quien las mira.
La música es una de las fuerzas creativas que nutren el trabajo de Yiadom-Boakye. Por ello, el público tendrá acceso a una lista de composiciones seleccionadas por ella misma especialmente para la ocasión, proporcionando un contexto más amplio sobre las fuentes de inspiración de la artista. La muestra consta de pinturas y dibujos a carboncillo realizados entre 2020 y 2023 que se exhiben en esta ocasión por primera vez. Acompaña la exposición un catálogo ilustrado, que incluye textos de la propia Yiadom-Boakye, el escritor y cineasta Kodwo Eshun y la comisaria del Museo Lekha Hileman Waitoller.
Yiadom-Boakye nació en 1977 en Londres, donde actualmente reside y trabaja, tras haber estudiado en el Central Saint Martins College of Art and Design, el Falmouth College of Arts y las Royal Academy Schools. En los últimos años, han dedicado exposiciones monográficas a su obra prestigiosas instituciones, como la Serpentine Gallery, Londres (2015); la Haus der Kunst, Múnich (2015); la Kunsthalle Basel, Suiza (2016); el New Museum of Contemporary Art, Nueva York (2017); la Tate Britain, Londres (2020/2022); el MUDAM, Luxemburgo (2020); la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf (2021); y el Moderna Museet, Estocolmo (2021). Yiadom-Boakye ha sido galardonada con el Future Generation Art Prize del Pinchuk Art Centre, Kiev, en 2012; y con el 57º Carnegie Prize de Carnegie International, Pittsburgh, en 2018.
Salas: 201, 202, 203, 204, 208 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller
Lynette Yiadom-Boakye 
Divine Repose, 2021 
Óleo sobre lino 
90 x 85 x 3,6 cm 
Cortesía del artista, Corvi-Mora, Londres, y Jack Shainman Gallery, Nueva York

Lynette Yiadom-Boakye

La artista y escritora británica Lynette Yiadom-Boakye es reconocida por sus retratos de personajes atemporales captados en momentos cotidianos de

Lynette Yiadom-Boakye | Guggenheim Bilbao Museoa

Iberdrola

Exposición retrospectiva de la artista y escritora japonesa Yayoi Kusama (Matsumoto, Nagano, 1929), una voz singular que la historia del arte ha recuperado y situado en el lugar relevante que le corresponde, convertida en un icono cultural global. Durante las últimas siete décadas, Kusama ha perseguido con firmeza su visión vanguardista, perfeccionando una estética personal singular y una filosofía central de vida. Su trabajo nos cautiva con sus espacios ilimitados y sus reflexiones sobre los ciclos naturales de regeneración.
Yayoi Kusama narra la historia de la vida y obra de esta artista, poniendo en primer plano su anhelo de interconexión y las profundas preguntas sobre la existencia que impulsan sus exploraciones creativas. La mayor retrospectiva de la artista celebrada en la última década en el Estado, con cerca de 200 obras —pinturas, dibujos, esculturas, instalaciones y material de archivo que documentan sus happenings y performances—, esta exposición examina el trabajo de Kusama desde los primeros dibujos que realizó cuando era adolescente, durante la Segunda Guerra Mundial, hasta sus obras de arte inmersivas más recientes. Organizada cronológica y temáticamente, la muestra recorre los principales temas de esta autora: Infinito, Acumulación, Conectividad radical, Naturaleza cósmica, Muerte y Energía de la Vida, una visión en profundidad del universo obsesivo de Yayoi Kusama, una creadora que lleva décadas intentando agitar nuestro universo con su obra para “curar a toda la humanidad”.
Salas: 103 y 105 
Comisarias: Doryun Chong, Mika Yoshitake y Lucía Agirre 
Sedes: M+, Hong Kong y Museo Guggenheim Bilbao
Yayoi Kusama 
Auto obliteración (Self Obliteration), 1966–1974 
Pintura en maniquíes, mesa, sillas, pelucas, bolso, tazas, platos, 
jarra, cenicero, plantas de plástico, flores de plástico y frutas de plástico 
Dimensiones variables 
M+, Hong Kong 
© YAYOI KUSAMA

Yayoi Kusama: desde 1945 hasta ahora

Exposición retrospectiva de la artista y escritora japonesa Yayoi Kusama (Matsumoto, Nagano, 1929), una voz singular que la historia del arte ha

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Pablo Picasso trabajó la escultura prácticamente desde los inicios de su dilatada trayectoria artística, porque para el artista malagueño la escultura no tenía un rango secundario en su producción: se trataba de una forma de expresión equiparable a la pintura, el dibujo, el grabado o la cerámica, ya que no hay artes mayores o menores, sino lenguajes y materiales diversos para expresar diferentes aspectos de su creación. El cuerpo, objetivo último de la representación e instrumento principal de Picasso a lo largo de su carrera, es el pilar fundamental de esta exposición.
La selección de esculturas en Picasso. Materia y cuerpo abarcará la casi infinita pluralidad de estilos que el artista utilizó para representar las formas del cuerpo humano, deconstruyéndolo a través de diversos formatos y géneros, para volver a componerlo en una nueva materia, y para ello se sirvió indistintamente de todos aquellos medios posibles u objetos a su alcance, integrándolos así en un todo escultórico inédito hasta entonces. Julio González situaba la mirada escultórica de Picasso en la génesis de toda su obra “He observado muchas veces que no hay forma que le deje indiferente. Él mira todo, en todo momento, porque todas las formas representan para él algo; y ve todo como escultor […]. En mi opinión, el lado misterioso, el centro neurálgico, si se le puede llamar así, de la obra de Picasso están en la ‘Escultura’ que tanto ha hecho hablar de su obra, que tanta gloria le ha dado”.
Salas: segunda planta 
Comisarias: Carmen Giménez y Lucía Agirre 
Sedes: Museo Picasso Málaga, Museo Guggenheim Bilbao
Pablo Picasso 
Figura: proyecto para un monumento a Guillaume Apollinaire 
(Figure : projet pour un monument à Guillaume Apollinaire), 1928 
Alambre de hierro y chapa 
59,5 x 13 x 32 cm 
Musée national Picasso-Paris, donación de Pablo Picasso, 1979, 
nº. inv.: MP265 
Fotografía: © RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) / Adrien Didierjean 
© Succesión Pablo Picasso

Picasso escultor. Materia y cuerpo

Pablo Picasso trabajó la escultura prácticamente desde los inicios de su dilatada trayectoria artística, porque para el artista malagueño la escultura no

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La obra de Marine Hugonnier (París, 1969), artista y cineasta francesa afincada en Londres, busca constantemente alterar nuestros resortes de interpretación del mundo. Para ello utiliza de manera fluida estrategias documentales y de ficción, aprovechando las ambigüedades intrínsecas a cada registro.
En sus producciones de la última década, la observación directa de procesos sociales encuentra su contrapunto en experimentos fílmicos en que el dispositivo tradicional de captación de imágenes —con la película, la lente y la cámara como elementos irreductibles— se confronta con fenómenos y agentes naturales, y busca en ellos los límites de la representación. En su obra reciente Meadow Report (2021), la artista se sitúa a una hora crepuscular frente al estanque de los jardines de Giverny, donde Claude Monet creó un jardín artificial de plantas exóticas y pintó sus célebres nenúfares en las últimas décadas de su vida, mientras sufría una progresiva pérdida de visión. Hugonnier aborda estos dos temas fundamentales—la manipulación de la naturaleza, por un lado, y nuestra dependencia de la tecnología para observarla por otro— a través de un registro contemplativo y silencioso del paisaje. Su búsqueda de una percepción directa le lleva, en cierto momento de la película, a retirar la lente de la cámara provocando un intenso fundido azul de todos los detalles, un colapso cromático. El título de la pieza juega con el significado literal de la palabra “meadow” (“prado”) y la referencia al Meadows Report, también conocido como The Limits to Growth (1972), uno de los primeros documentos en que se predijo la crisis climática actual como resultado de un uso incontrolado de los recursos del planeta. Esta pieza central de Hugonnier vendrá acompañada por otros filmes y fotografías que, tanto en la galería 103 como en un programa de proyecciones en el Auditorio del Museo, darán cuenta de la práctica reciente de esta artista y su singular concepción de la praxis fílmica.
Sala: 103 
Comisario: Manuel Cirauqui
Marine Hugonnier 
Meadow Report, 2021 
Film 35mm, color, sonido 
Courtesy the artist 
© Marine Hugonnier

Marine Hugonnier: Documentos de campo / Field Reports

La obra de Marine Hugonnier (París, 1969), artista y cineasta francesa afincada en Londres, busca constantemente alterar nuestros resortes de

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En el otoño de 2023, el Museo Guggenheim Bilbao presentará una exposición retrospectiva dedicada a la obra de la artista germano-venezolana Gego (Gertrud Goldschmidt, Hamburgo, 1912–Caracas, 1994).
Este recorrido cronológico trazará la evolución del singular enfoque de la abstracción de esta autora a través de sus formas orgánicas, estructuras lineales e investigaciones sistemáticas en torno al espacio. Entre las obras incluidas en la muestra habrá esculturas, dibujos, grabados, libros de artista y textiles desde comienzos de la década de 1950 hasta el inicio de los años noventa. Gego es una de las artistas más significativas de la segunda mitad del siglo XX en Latinoamérica. Con formación en arquitectura e ingeniería cursada en Alemania en 1939 huyó de la persecución nazi y emigró a Venezuela, donde inició su carrera artística. La exposición evidenciará las importantes aportaciones formales y conceptuales de Gego al arte moderno y contemporáneo, poniendo de relieve su interacción con movimientos artísticos transnacionales, tales como la Abstracción Geométrica, el Arte Cinético, el Minimalismo y el Posminimalismo.
El Museo agradece el enorme apoyo y la estrecha colaboración de la Fundación Gego y de sus directores, Tomás Gunz y Barbara Gunz, así como de su personal y su Junta Directiva, que generosamente han permitido el acceso irrestricto a la colección y los archivos de la Fundación.
Esta exposición forma parte de un recorrido más amplio presentado en el Museo Jumex, Ciudad de México; Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York; y Museo Guggenheim Bilbao.
Comisaria: Geaninne Gutiérrez-Guimarães
Gego en montaje de Reticulárea, Museo de Bellas Artes, Caracas, 1969 
Foto: Juan Santana 
© Fundación Gego

Gego: Midiendo el infinito

En el otoño de 2023, el Museo Guggenheim Bilbao presentará una exposición retrospectiva dedicada a la obra de la artista germano-venezolana Gego (Gertrud

Gego: Midiendo el infinito | Guggenheim Bilbao Museoa

13€ Adultos - 6.5€ Jubilados - 6.5€ Estudiantes

15€ Adultos - 7.5€ Jubilados - 7.5€ Estudiantes

La iniciativa TopARTE del Museo Guggenheim Bilbao se reafirma en su compromiso con las entidades y agentes culturales de nuestro entorno más próximo. El resultado de esta fructífera colaboración es un variado programa multidisciplinar rico en contenidos y formatos, y destinado a todos los públicos.
Así, en el marco de esta iniciativa se presentan en el Museo actividades que abarcan disciplinas tan diversas como la arquitectura, el cine, la danza, el diseño, la gastronomía, la música, la performance o el teatro.

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Exposiciones

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao

24.01.2023 - 31.12.2023

Secciones / Intersecciones. 25 años de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao

08.09.2022 - 26.02.2023

Exposiciones

futuras

Joan Miró. La realidad absoluta. París, 1920–1945

Oskar Kokoschka. Un rebelde de Viena

Lynette Yiadom-Boakye

Yayoi Kusama: desde 1945 hasta ahora

Picasso escultor. Materia y cuerpo

Marine Hugonnier: Documentos de campo / Field Reports

Gego: Midiendo el infinito

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