pasadas

Exposiciones

Consulta toda la información necesaria sobre las exposiciones actuales y exposiciones futuras del Museo Guggenheim Bilbao.

Exposiciones | Guggenheim Bilbao Museoa

Artes de la tierra

Charla inaugural

Audioguía

Plano audioguía

Iberdrola

Sala 205

Sala 206

Sala 207

Sala 209

Salas 201 y 203

Sala 202

La exposición Artes de la Tierra propone una relectura de las transformaciones que las prácticas artísticas han experimentado en las últimas décadas sobre el trasfondo de una crisis medioambiental cada vez más evidente e inabarcable. Dibujando una cartografía multidisciplinar y diversa, la muestra ofrece un inventario posible de herramientas, prototipos e hipótesis. Estos se presentan no de manera “prescriptiva”, dictaminando lo que debería ser hecho, pensado o sentido, sino más bien documental, recogiendo señales del viraje que, en los últimos 60 años al menos, ha afectado a la producción estética tanto en lo relativo a los materiales como a la conciencia sobre los mismos. Atestiguan esta transformación un buen número de obras históricas, reconstruidas parcial o totalmente, recreadas o reactivadas, así como piezas contemporáneas que, lejos de querer durar por siempre, abren camino a una economía circular del arte. Su existencia está supeditada, así, al mantenimiento de los ecosistemas en los que se originan y a los que volverán.
Artistas de varias generaciones del pasado reciente y pertenecientes a muy diferentes culturas se han preguntado cómo trabajar con la tierra cuando más necesita cuidados y reparaciones; cómo apreciar y retribuir sus dones; cómo aprender de lo que nos brinda, cuando parece despojada de su riqueza original. El potencial constructivo del suelo y las sustancias que lo componen nos lleva mucho más allá de las formulaciones clásicas de la escultura, la arquitectura, el diseño o el paisajismo. El suelo, en un sentido concreto, cercano y dinámico, es el escenario de incesantes comunicaciones e intercambios, de solidaridad esencial entre especies constantemente trascendidas por el bien del conjunto. A las obras de arte, proyectos, documentos y objetos del saber ancestral se une, en Artes de la Tierra, una museografía que hace uso de nuevos materiales de origen local, compostables o reciclados, y un enfoque innovador de la logística expositiva, que reafirma y expande el compromiso con la sostenibilidad del Museo Guggenheim Bilbao.
Salas: 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Comisario: Manuel Cirauqui
 
Giuseppe Penone 
Uña y hojas de laurel (Unghia e foglie di alloro), 1989 
Vidrio y hojas de laurel 
Cortesía del artista y Marian Goodman Gallery 
Foto: Alex Yudzon

Sustrato del arte

Emblemas de la diversidad

Prácticas ancestrales

Obras que retornan al ecosistema

Curando el ecosistema

Obras vivas y renovables

Vídeo de la Exposición

En el museo

Artes de la Tierra

La exposición Artes de la Tierra propone una relectura de las transformaciones que las prácticas artísticas han experimentado en las últimas décadas sobre

Artes de la Tierra | Guggenheim Bilbao Museoa

Mark Leckey

Mark Leckey. Y la ciudad se alzaba en todo su esplendor es la segunda exposición del programa del Museo Guggenheim Bilbao in situ, que invita a artistas a crear obras expresamente para la sala 208 en interacción con la arquitectura del espacio. Planteando una intersección entre cultura popular, tecnología y memoria colectiva, Mark Leckey (Birkenhead, Reino Unido, 1964) recontextualiza imágenes históricas para generar un diálogo entre pasado y presente. Su trabajo supone una reflexión sobre la nostalgia y la clase social, e indaga en la manera en que los medios y la tecnología definen nuestro sentido de identidad y pertenencia.
Leckey creció en las inmediaciones de Liverpool a finales de la década de 1970 y durante los años ochenta, y se hizo adulto en medio del declive de los núcleos industriales de Inglaterra y de las fragmentaciones sociales que trajo consigo. Las fábricas cerraban, las comunidades se dividían y la cultura de masas que la televisión y la publicidad contribuían a difundir se configuró como un nuevo tipo de paisaje. En ese clima convulso y mediatizado nace la fascinación del artista por la forma en que imágenes, sonidos y tecnologías conforman una imaginación y un sentido de pertenencia compartidos.
Para esta exposición, Leckey se inspira en la pintura de Sassetta Ciudad junto al mar (1424), uno de los primeros paisajes del arte occidental en el que un entorno urbano se convierte en el tema principal. La obra muestra, en un espacio geométricamente complejo pero aplanado, una localidad medieval fortificada que se erige en una colina. Según Leckey, “la ciudad trasciende las leyes de la física; es una ciudad del pasado y del futuro”. Su interpretación parte de la imagen bidimensional para llegar a la forma escultórica, habitando el umbral entre la realidad material y el ámbito de lo inmaterial, lo real y lo imaginario.
La escultura forma parte en la instalación de un relato imaginado cuyo tempo está definido por un bucle de seis minutos de luz y sonido compuesto por el artista. La banda sonora ambiental —construida a partir de la superposición de fragmentos de audio encontrado, música y ciertas voces— se desarrolla como una corriente a la deriva, en la que de repente irrumpen palabras y melodías. Su progresión se refleja en un ciclo cambiante de luz que va desde el amanecer hasta el crepúsculo. En el punto medio, se produce un intenso efecto estroboscópico que coincide con el crescendo de la banda sonora e inunda brevemente la sala con un resplandor casi cegador. Proyectada directamente sobre la escultura, la iluminación anima sus superficies y convierte un objeto sólido en una aparición parpadeante. Juntos, estos elementos inmateriales —el sonido y la luz— estructuran el arco narrativo y la atmósfera de la obra, envolviendo al público en un espacio temporal densamente cargado que oscila entre la revelación y el esfumado.
La instalación visualiza cómo el espacio físico, el sonido y la luz confluyen con fuerzas intangibles —sistemas digitales, inteligencia artificial, experiencia trascendente— evocando la transformación y la inestabilidad. A través de la fusión de elementos materiales e inmateriales, Leckey crea un lugar donde lo visible y lo invisible chocan en un encuentro que es a la vez inmediato, extraño y trascendente.
Salas: 204, 208 
Comisaria: Lekha Hileman
Mark Leckey 
Vista de la instalación Y la ciudad se alzaba en todo su esplendor (And the City Stood in its Brightness, 2025) en el Museo Guggenheim Bilbao

El proceso tras in situ: Mark Leckey

Compromiso con la música

En el museo 

in situ: Mark Leckey. Y la ciudad se alzaba en todo su esplendor

Mark Leckey. Y la ciudad se alzaba en todo su esplendor es la segunda exposición del programa del Museo Guggenheim Bilbao in situ, que invita a artistas a

in situ: Mark Leckey. Y la ciudad se alzaba en todo su esplendor | Guggenheim Bilbao Museoa

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao

Sala 305. Abstracción y espacio

Sala 306. Gesto y acción

Sala 307. Arte y lenguaje

Sala 304. El Anatsui

Sala 301. Yayoi Kusama

Sala 302. Arte y conflicto

Sala 303. Ecos del Arte Pop

Con esta nueva exposición, el Museo Guggenheim Bilbao presenta la ampliación de sus fondos gracias a sus recientes adquisiciones, a las donaciones de la D.Daskalopoulos Collection y la Fundación Al Held, así como al depósito a largo plazo de medio centenar de piezas de la Colección Inge Rodenstock. Estas incorporaciones fortalecen la representación de movimientos y figuras fundamentales del arte de la segunda mitad del siglo XX, como Jean-Michel Basquiat, Yves Klein, Jeff Koons, Antoni Tàpies, Cy Twombly o Andy Warhol, y amplían las líneas narrativas de la Colección mediante la introducción de distintos estilos y nombres, como Hanne Darboven, Al Held, Damien Hirst, Martin Kippenberger o Robert Ryman, entre otros. Así, este conjunto de obras supone una aportación extraordinaria para la institución, que permite poner de relieve singulares vínculos entre artistas, movimientos y épocas.
A excepción de las salas 301 y 304, dedicadas a un único artista —Yayoi Kusama y El Anatsui, respectivamente—, todos los espacios se conciben como presentaciones corales independientes que propician una multiplicidad de lecturas y diálogos inéditos entre las piezas de la Colección. Esta estrategia refuerza el compromiso del Museo con la creación de un relato dinámico y plural que refleje la riqueza y complejidad del arte contemporáneo, y contribuya a la investigación y difusión de la historia del arte desde los años cincuenta hasta hoy.
Esta exposición se ha concebido respetando el diseño original del edificio planteado por Frank Gehry, de modo que la configuración arquitectónica sea parte activa y fundamental de la experiencia artística.
Comisaria: Marta Blàvia
Andy Warhol 
Ciento cincuenta Marilyns multicolores (One Hundred and Fifty Multicolored Marilyns), 1979 
Acrílico y serigrafía sobre lienzo 
201 x 1,055 x 6 cm 
Guggenheim Bilbao Museoa

Colecciones en diálogo

Coleccionismo privado

Colección Guggenheim Bilbao

Coleccionismo corporativo

<div class="content Content_content__Ox13L VirtualVisit_virtualVisitContentContent__NRWfr">Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra. </div>

Empezar ahora

Visita Virtual

Con esta nueva exposición, el Museo Guggenheim Bilbao presenta la ampliación de sus fondos gracias a sus recientes adquisiciones, a las donaciones de la

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao | Guggenheim Bilbao Museoa

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomía del espacio

Maria Helena y Arpad

La anatomía del espacio

Jaque mate: bailarines, jugadores de ajedrez, jugadores de cartas

La Segunda Guerra Mundial desde Río de Janeiro

El regreso a París

Ciudades reales e imaginadas

Exteriores e interiores

Tonos de blanco

Maria Helena Vieira da Silva nace el 13 de junio de 1908 en el seno de una familia acomodada. Al fallecer su padre cuando ella tiene solamente 2 años, su madre la criará con la ayuda de su entorno familiar. Vieira da Silva crece en un ambiente donde se aprecia el arte y el teatro, desarrollando un gusto por la música que dejará en ella una impronta duradera. Estudia pintura y dibujo en la Academia de Bellas Artes de Lisboa y en 1928 se traslada a París para continuar su formación en la Académie de la Grande-Chaumière, donde conocerá a su futuro marido, el pintor húngaro Arpad Szenes. Ambos residen en París hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, que los lleva a refugiarse en Río de Janeiro; siete años después, regresan a París. Ya a finales de la década de 1950, las complejas abstracciones de Vieira da Silva le otorgan fama y reconocimiento. La artista seguirá pintando hasta bien entrados los años ochenta. Habiendo recibido numerosas distinciones, entre ellas su nombramiento como Commandeure de l’ordre des Arts et des Lettres por parte del Gobierno francés en 1960, la artista fallece en París el 6 de marzo de 1992.
Esta exposición recorre la producción de Vieira da Silva comprendida entre las décadas de 1930 y 1980 centrándose en su interés por el paisaje arquitectónico y en el papel que desempeña la memoria en su obra. Fundamentan la muestra una selección de pinturas clave que revelan el despliegue constante e iterativo de formas abstractas e ilusiones ópticas en su trayectoria. Otro aspecto clave que aquí se aborda es la relación entre abstracción y figuración en su trabajo, tal y como se manifiesta en sus espacios arquitectónicos, donde se desdibuja la distinción entre paisaje urbano real e imaginado. Las creaciones de la artista incorporan diversos estilos e influencias, como la geometría decorativa de los azulejos hispanoárabes, los manteles de cuadros que aparecen en las pinturas de Pierre Bonnard o la abstracción propia del Cubismo y del Futurismo. Su personal vocabulario está compuesto de tableros de ajedrez, entramados de líneas entrecruzadas, perspectivas esquivas y espacios que se desvanecen, lo que sugiere, como ella misma afirmó, que “una pintura nunca está terminada”.
La obra de Vieira da Silva ha estado históricamente muy ligada tanto al legado de Peggy Guggenheim como al de Solomon R. Guggenheim. Fue una de las 31 artistas que Peggy Guggenheim incluyó en su exposición 31 Women, celebrada en 1943 en su museo/galería Art of This Century; y Hilla Rebay fue una de sus primeras valedoras, adquiriendo en 1937 el cuadro Composición (1936) para la Colección Fundacional de Solomon R. Guggenheim.
Vieira da Silva habló pocas veces de su trabajo. Al respecto, decía: “Los pintores podemos sonar estúpidos cuando hablamos. Sabemos muchas cosas, pero hablamos a través de nuestras pinturas”. Sin embargo, en una ocasión se vio obligada a explicar su método; esbozó entonces una certera síntesis: “En general, no me gustan las obras que hacen alarde de su dificultad. Prefiero esas otras obras refinadas que nos permiten presentir, adivinar desde lejos, la complejidad de las cosas del mundo”.
Sala: 105 
Comisaria: Flavia Frigeri 
Sedes: Peggy Guggenheim Collection, Venecia; Museo Guggenheim Bilbao
 
Maria Helena Vieira da Silva (1908 – 1992) 
Figura de ballet (Figure de ballet), 1948 
Óleo y grafito sobre lienzo, 27 × 46 cm 
Cortesía de la Galerie Jeanne Bucher Jaeger, París - Lisboa 
N.º de inventario: CR587

Maria Helena Vieira da Silva

El estudio de la artista

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de Maria Helena Vieira da Silva. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

EMPEZAR AHORA 

Maria Helena Vieira da Silva nace el 13 de junio de 1908 en el seno de una familia acomodada. Al fallecer su padre cuando ella tiene solamente 2 años, su

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomía del espacio | Guggenheim Bilbao Museoa

Conferencia inaugural: Sky Hopinka

Sky Hopinka

Sky Hopinka explora la cultura, la historia y las creencias tradicionales indígenas a través de temas como la identidad, la memoria, el lenguaje y el mito. Perteneciente a la nación Ho-Chunk de Wisconsin y descendiente de la Banda Pechanga, del pueblo de los luiseños del sur de California, Hopinka nació y creció en Ferndale, Washington (EE. UU.). El Pacífico noroccidental ocupa un lugar destacado en la obra artística de Hopinka, especialmente cuando profundiza en la investigación de conceptos como la patria, la identidad personal y el paisaje. Sus películas proponen una reflexión sobre las complejidades de la vida indígena contemporánea, al fusionar el cine no narrativo, la poesía y las imágenes abstractas con un enfoque etnopoético, una reacción contra la mirada etnográfica que durante mucho tiempo ha cosificado las culturas indígenas en el formato audiovisual.
El cine etnopoético analiza temas de identidad cultural, desplazamiento y experiencia cotidiana mediante una combinación de técnicas fílmicas documentales y experimentales, resaltando así los aspectos artísticos y performativos de la expresión cultural. Resulta clave en el trabajo de Hopinka un profundo compromiso con el relato desde su perspectiva indígena, una narrativa largo tiempo relegada en el canon occidental. Como explica el artista: “Mi deseo de hacer películas respondía en parte a la necesidad de contar historias indígenas que fueran propias de mi comunidad y de mi identidad”.
En Desmayos (2018), Hopinka explora la historia de la creación de la Xąwįska o planta de pipa de indio, también conocida como "flor fantasma" o "planta cadáver". El pueblo Ho-Chunk ha utilizado tradicionalmente esta planta medicinal para reanimar a quienes se desmayaban; también es emblemática de la identidad, el conocimiento y las culturas indígenas. Además, su simbolismo se puede relacionar con los ciclos de la vida y la muerte, y con el mundo espiritual. A pesar de su amplia investigación, Hopinka no logró encontrar un mito relativo a esta planta que determinara sus orígenes, por lo que él mismo ideó uno, contribuyendo así a la práctica de creación y preservación de mitos de su propia cultura indígena.
Este cortometraje de tres canales comienza con un poema manuscrito que va surcando escenas de un colorido paisaje en expansión, acompañadas de evocadora música. El poema, que también se encuentra rotulado, habla directamente a la Xąwįska, que más adelante aparece personificada como una figura envuelta en una capa y nos lleva a recorrer el mundo de los espíritus en diferentes estados de conciencia. En la obra, filmada en Washington, Colorado, Wisconsin, Oregón y Nuevo México, Hopinka genera una narrativa de ensoñación al combinar música, poesía, sonido, color e imágenes en una experiencia inmersiva única, específicamente adaptada en esta ocasión para el Museo Guggenheim Bilbao.
<img loading="lazy" class="alignnone wp-image-534378 size-full" src="http://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/12/FS-HR-07.jpg" alt="Sky hopinka" width="1920" height="1082" srcset="https://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/12/FS-HR-07.jpg 1920w, https://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/12/FS-HR-07-300x169.jpg 300w, https://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/12/FS-HR-07-1024x577.jpg 1024w, https://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/12/FS-HR-07-768x433.jpg 768w, https://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/12/FS-HR-07-1536x866.jpg 1536w" sizes="(max-width: 1920px) 100vw, 1920px" />
Poema Desmayos (2018)
Xąwįska, Planta Fantasma, te has desmayado otra vez. 
Arranqué una flor de tu hombro 
y la aplasté entre mis dedos 
hasta que se convirtió en un amasijo gris claro. 
Le prendí fuego y soplé el humo en tu cara. 
Mientras esperaba a que te despertaras, pensé en las veces en que tu 
risa me despertaba de soñar despierto. 
¿Qué son esos verdiazules, esos naranjas, esos rosados? 
¿Ese torbellino de humo que te ruega que te eleves? 
Siempre he querido hacer estas preguntas. 
Cuando por fin ascendiste, soplaste el humo hacia tus manos 
y hablaste de mi madre.
Xąwįska, llevas sentada fuera demasiado tiempo. 
La noche está cayendo y los espíritus pueden vernos. 
Es hora de irse a casa. 
Me habías dicho: “Cuando veas los robles rojos, sigue la orilla del agua. 
Más adelante, verás que el río se bifurca: 
allí hallarás una hermosa parcela. 
Cualquier cosa brillante que lleves en las manos, quítatela; 
también si llevas algo colgado al cuello o en el resto de tu cuerpo, 
y nada hasta la orilla más cercana".
Xąwįska, te has desmayado otra vez. 
He intentado revivirte como yo aprendí. 
Pero no hay manera de que despiertes. Ahí sigues, inmóvil. 
Tú me enseñaste a cantar las canciones de nuestros hermanos 
para que nuestros parientes nos reconocieran. 
“¡Nuestras voces se oirán tan alto que llegarán al cielo!” 
Eso es lo que me dijiste. Eso es lo que recuerdo.
Xąwįska, has caído otra vez. Arranco flores de tu hombro, 
de tu brazo, de tu pierna. 
Las machaco y hago una pasta y le prendo fuego. 
Xąwįska, qué callada estás. 
Estoy junto a ti y respiro una bocanada llena de tu humo. 
Exhalo sobre ti. 
Ardes y te vuelves ceniza y te derrumbas. 
Me quedo solo otra vez. 
Pienso en aquel lugar del que una vez me hablaste, 
en la bifurcación del río, con los robles, 
mientras el cielo se vuelve rojo. 
Me he quedado aquí hasta ahora. 
Llevo aquí mucho tiempo. 
Ahora, yo mismo vagaré bordeando la orilla del lago.
Sala: 103 
Comisaria: Geaninne Gutiérrez-Guimarães
 
Sky Hopinka 
Desmayos (Fainting Spells), 2018 
Video de tres canales en color, con sonido, 9 min, 45 s 
A.P. 1/2, edición de 3 
Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, adquirido con fondos aportados por el Photography Council 
© Sky Hopinka

Biografía Sky Hopinka

Sky Hopinka, Desmayos

Sky Hopinka explora la cultura, la historia y las creencias tradicionales indígenas a través de temas como la identidad, la memoria, el lenguaje y el

Sky Hopinka, Desmayos | Guggenheim Bilbao Museoa

Ruth Asawa (Norwalk, California, 1926–San Francisco, California, 2013) fue una de las artistas más dotadas y prolíficas que surgieron en EE. UU. tras la Segunda Guerra Mundial. Criada en una granja del sur de California, en 1942 la adolescente Asawa y su familia fueron detenidos en campos de internamiento japoneses-estadounidenses. En 1946 Asawa pudo matricularse en la escuela experimental Black Mountain College cerca de Asheville (Carolina del Norte), donde la atmósfera intensa y creativa del centro y el estímulo de sus profesores, como Josef Albers, la impulsaron a explorar las posibilidades de materiales ordinarios, como sellos, hojas de árboles, papel e incluso, más tarde, alambre.
Entre sus primeras innovaciones se encuentran esculturas colgantes realizadas con alambre en bucle, de formas orgánicas, sensuales y transparentes, que exploran nociones como la repetición, la forma, la sombra y el espacio. En 1949 Asawa se trasladó a San Francisco y más tarde amplió su producción de obras tridimensionales a través de complejas piezas de alambre atado que sugieren estructuras orgánicas como flores, raíces, árboles o sistemas nerviosos, así como obras creadas en bronce galvanizado y fundido, pinturas, grabados y dibujos. A finales de la década de 1960, Asawa era muy conocida en la zona de la bahía de San Francisco por sus encargos de arte público, su defensa de la educación artística y su liderazgo en relación a los derechos civiles. Si bien la apreciación del trabajo de Asawa ha crecido exponencialmente en las últimas décadas, esta retrospectiva es la primera gran exposición en un museo en incluir todos los aspectos de la exquisita, variada e innovadora producción de esta autora.
Ruth Asawa: Retrospectiva es una exposición organizada por el San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA) y el Museum of Modern Art, Nueva York (MoMA). Esta presentación ha sido realizada en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao.
La exposición ha sido comisariada por Janet Bishop, Curator Jefe ‘Thomas Weisel Family’, SFMOMA, y Cara Manes, Curator Asociada, Departamento de Pintura y Escultura, MoMA, con la colaboración de Geaninne Gutiérrez-Guimarães, Curator, Museo Guggenheim Bilbao.
Itinerancia internacional con la colaboración de The Henry Luce Foundation
Salas: 103, 105 
Comisarias: Janet Bishop, Cara Manes con Geaninne Gutiérrez-Guimarães 
Sedes: San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco; Museum of Modern Art, Nueva York; Museo Guggenheim Bilbao; Fondation Beyeler, Riehen/Basilea
Ruth Asawa 
La artista Ruth Asawa creando esculturas de alambre, California, EE. UU., noviembre de 1954 
Obra: © 2026 Ruth Asawa Lanier, Inc. Cortesía David Zwirner 
Imagen: Nat Farbman/The LIFE Picture Collection/Shutterstock 
© Ruth Asawa, Bilbao 2026

Ruth Asawa: Retrospectiva

Ruth Asawa (Norwalk, California, 1926–San Francisco, California, 2013) fue una de las artistas más dotadas y prolíficas que surgieron en EE. UU. tras la

Ruth Asawa: Retrospectiva | Guggenheim Bilbao Museoa

Igshaan Adams (Ciudad del Cabo, 1982) es un artista multidisciplinar cuya práctica entrelaza lo personal y lo político a través de los materiales, el gesto y la forma. Inspirándose en su infancia en Bonteheuwel —una comunidad moldeada por las divisiones del apartheid—, Adams transforma materiales humildes como la cuerda, las cuentas y el alambre en complejas composiciones que exploran el entrelazamiento de raza, religión, sexualidad y memoria. Su práctica a menudo toma como punto de partida los suelos de linóleo estampado de los interiores domésticos, traduciendo esas geometrías familiares en abstracciones que condensan tanto la intimidad como el desarraigo.
Recientemente, Adams ha ampliado su investigación para abarcar, en mayor medida, el ámbito del movimiento. Su colaboración con Garage Dance Ensemble en O’okiep, en la provincia sudafricana del Cabo del Norte —lugar de origen de su familia materna—, ha abierto un nuevo diálogo entre el tejido y la danza. A través de talleres con bailarines, Adams ideó un proceso en el que los cuerpos se desplazan sobre lienzos colocados sobre linóleos pintados, creando “huellas de danza” que registran gestos colectivos de liberación y conexión. Estas huellas, superpuestas a lo largo de sucesivas actuaciones, funcionan como partituras visuales del encuentro: rastros de intentos por “desprender las improntas psíquicas acumuladas y sedimentadas”, según las describe el propio artista.
Las obras presentadas en el Museo Guggenheim Bilbao proceden de las performances realizadas en Atenas en 2024, cuyas monotipias se han transformado en una serie de tapices tejidos a gran escala, suspendidos en el espacio para permitir al espectador desplazarse a su alrededor y entre ellos. Algunos cuelgan de ganchos que curvan el tejido hacia fuera, revelando ambas caras del tapiz; otros se acompañan de pequeñas “nubes” tejidas, como si fragmentos de color y movimiento se hubieran desprendido y flotaran en el aire. A un tiempo lúdica y solemne, la instalación de Adams da forma a fuerzas invisibles —la memoria, el ritmo, la empatía— y propone el acto de tejer como una práctica corporal y comunitaria de reparación.
Salas: 204, 208 
Comisaria: Lekha Hileman
Igshaan Adams 
Entre líneas de cuadrícula (Within Grid Lines), 2025 
Hilo de algodón; cuerda de poliéster trenzado y polipropileno; 
cuentas de metal, piedra, cristal, madera y plástico; 
tela de algodón y seda; lana de angora; puntilla de algodón; 
lazo de seda; cadena de plata; y alambre de cola de tigre 
495 x 587 cm 
Cortesía del artista, Thomas Dane Gallery y blank projects 
© Igshaan Adams

in situ: Igshaan Adams. Levantando el polvo: El archivo del cuerpo

Igshaan Adams (Ciudad del Cabo, 1982) es un artista multidisciplinar cuya práctica entrelaza lo personal y lo político a través de los materiales, el

in situ: Igshaan Adams. Levantando el polvo: El archivo del cuerpo | Guggenheim Bilbao Museoa

Fundación BBVA

La exposición Jasper Johns: Night Driver constituye un recorrido completo de la trayectoria de este artista estadounidense ampliamente reconocido como una de las figuras más relevantes del arte de posguerra. Con aproximadamente un centenar de obras procedentes de colecciones públicas y privadas de todo el mundo, el punto de partida de esta retrospectiva serán sus icónicas pinturas de banderas, dianas, letras, números y mapas de los años cincuenta, que supusieron la definitiva ruptura con el Expresionismo Abstracto. En la década de 1960, Johns pasó de la impersonalidad de sus primeras obras a otras piezas en las que se manifestaba un nuevo estado de ánimo, con emociones contenidas pero intensas, que reflejaban una sensación de melancolía y turbulencia interior. A finales de esa década, Johns ya era para muchos un autor fundamental en la aparición y desarrollo del Arte Pop, el Minimalismo y el Arte Conceptual, tres movimientos de naturaleza analítica y autorreflexiva, como también lo es la obra de Johns.
La exposición continúa con obras realizadas durante las décadas de 1970 y 1980, que incluyen imágenes abstractas construidas con tramas de trazos entrecruzados; piezas repletas de referencias y citas visuales a otros artistas de distintas épocas; la serie sobre las cuatro estaciones; así como el grupo de creaciones en las que representa el rostro de una mujer con ojos, nariz y labios gravitando hacia el borde de un campo rectangular. La exposición concluye con una selección de creaciones realizadas en las décadas de 1990 y 2000, en las que el artista revisita algunos de sus célebres temas, al tiempo que explora nuevas ideas, como en la serie Catenaria (Catenary).
Jasper Johns: Night Driver, en definitiva, recorre siete décadas de la larga y fructífera carrera de un creador que no solo renovó la escena artística estadounidense de los años cincuenta, sesenta y setenta, sino que fue fuente de inspiración para sus coetáneos y para nuevas generaciones de artistas más jóvenes de tendencias estéticas muy diferentes.
Salas: 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Comisario: Enrique Juncosa
Jasper Johns 
De 0 a 9 (0 through 9), 1961 
Óleo sobre lienzo 
1372 × 1048 mm 
Tate. Donación de los Amigos de la Tate Gallery, 1961 
T00454 
© Jasper Johns, VEGAP, Bilbao, 2025

Jasper Johns: Night Driver

La exposición Jasper Johns: Night Driver constituye un recorrido completo de la trayectoria de este artista estadounidense ampliamente reconocido como una

Jasper Johns: Night Driver | Guggenheim Bilbao Museoa

Pipilotti Rist (Grabs, Suiza, 1962), una de las videoartistas más reconocidas de las últimas tres décadas, comenzó a despuntar en los años ochenta al integrar la estética del videoclip en el arte audiovisual, junto con otras influencias, como la cultura popular, la tecnología y el videoarte feminista histórico, desarrollando desde muy pronto un estilo propio de gran carga sensorial y emocional.
La exposición presentará la videoinstalación Ever is Over All (1997), una doble proyección en la que se puede ver a una mujer sonriente con un vestido azul claro que se dedica a romper los cristales de los coches aparcados mientras pasea por la acera. Dicha secuencia se superpone, hasta fusionarse, a otras imágenes de carácter onírico en las que aparecen distintas flores tropicales. El vídeo, acompañado de una sugestiva banda sonora compuesta por el artista Anders Guggisberg y ralentizado a un ritmo pausado, facilita una atmósfera poética que sumerge al espectador en una suerte de realismo mágico en el que una flor se transforma en un arma destructiva, dando lugar a un gesto catártico y esperanzador.
Sala: 103 
Comisario: Mikel Onandia
Pipilotti Rist 
Ever Is Over All, 1997 
Instalación de audio y vídeo (captura de vídeo) 
Cortesía de la artista, Hauser &amp; Wirth y Luhring Augustine 
© Pipilotti Rist, VEGAP, Bilbao 2025

Ever is Over All. Pipilotti Rist

Pipilotti Rist (Grabs, Suiza, 1962), una de las videoartistas más reconocidas de las últimas tres décadas, comenzó a despuntar en los años ochenta al

Ever is Over All. Pipilotti Rist | Guggenheim Bilbao Museoa

Occident

El artista, cineasta y guionista Steve McQueen (b. 1969), con base en Londres y Ámsterdam, explora temas personales y colectivos a través de las imágenes en movimiento. Reconocido por su capacidad para destilar emociones complejas en narrativas precisas y minimalistas, McQueen ha declarado que desea “poner al público en una situación en la que todos se vuelvan intensamente conscientes de sí mismos, de su respiración”. Las condiciones físicas de la visión —la escala de proyección, el sonido, la luz y la relación entre el espectador y el espacio— son tan fundamentales en su obra como el propio entorno, confiriendo a su práctica una cualidad claramente escultórica.
Salas: 105 
Comisaria: Lekha Hileman
Steve McQueen 
Bajo (Bass), 2024 
Luces LED y sonido 
Encargo de Laurenz Foundation, Schaulager Basel y Dia Art Foundation 
15 de junio–16 de noviembre, 2025, Schaulager® Münchenstein/Basilea (vista de la instalación) 
Cortesía del artista 
Imagen: Pati Grabowicz, © Steve McQueen

Steve McQueen

El artista, cineasta y guionista Steve McQueen (b. 1969), con base en Londres y Ámsterdam, explora temas personales y colectivos a través de las imágenes

Steve McQueen | Guggenheim Bilbao Museoa

A lo largo de más de treinta años, Dan Flavin (Nueva York, 1933–1996) ideó una nueva forma de arte radical que eludía los límites impuestos por el marco, el pedestal y otras convenciones expositivas. Su adopción de la lámpara fluorescente sin adornos como objeto estético lo alineó con una generación de artistas cuyo uso de materiales industriales, énfasis en las formas elementales y relaciones no jerárquicas entre sus componentes se convirtieron en las características más destacadas del Minimalismo.
En 1963, Flavin empezó a hacer obras de arte con simples fluorescentes comerciales. “La luz eléctrica”, dijo, es “un instrumento más”. Fue una ruptura importante con las convenciones, que definiría la forma de trabajar del artista durante el resto de su vida. Aunque sujeto a la limitación de colores y a las longitudes estándar de las fluorescentes, Flavin pronto desarrolló un vocabulario arquitectónicamente dinámico de “esquinas”, “monumentos”, “barreras” y “pasillos”. Con su uso de un escueto material industrial ampliamente disponible, su atención a las circunstancias del espectador y su énfasis en las formas elementales, Flavin fue rápidamente considerado una figura fundamental dentro del Minimalismo. Como una de las muestras bienales procedentes de los importantes fondos del Solomon R. Guggenheim Museum, Dan Flavin presentará relevantes obras creadas por el artista entre los años sesenta y ochenta, con especial atención a sus primeros trabajos.
Salas: 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Comisaria: Lauren Hinkson
Dan Flavin 
Verdes cruzando verdes (dedicada a Piet Mondrian, a quien le faltaba el verde 
[greens crossing greens (to Piet Mondrian who lacked green)], 1966 
Tubos fluorescentes de luz verde 
Dos secciones: primera sección: 122 cm alt. x 610 cm anch.; segunda sección: 61 cm alt. x 670 cm anch. 
Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, Panza Collection, 1991. 91.3705 
© Stephen Flavin, VEGAP, Bilbao, 2025

Dan Flavin

A lo largo de más de treinta años, Dan Flavin (Nueva York, 1933–1996) ideó una nueva forma de arte radical que eludía los límites impuestos por el marco,

Dan Flavin | Guggenheim Bilbao Museoa

Zadie Xa (Vancouver, 1983) es una artista de origen coreano-canadiense que trabaja en Londres cuya práctica multidisciplinar explora temas como la identidad, el folclore y la transmisión de la herencia cultural de la diáspora a través de la narración de historias, la performance y la instalación inmersiva. Partiendo de la mitología coreana, el ritual chamanístico, la ciencia ficción y sus propias vivencias, Xa construye entornos multisensoriales en los que embaucadores y personajes híbridos perturban el relato histórico imperante. Sus recientes exposiciones individuales, celebradas en sedes como la Whitechapel Gallery de Londres, Space K en Seúl o Thaddaeus Ropac en París, destacan el interés de la artista por la comunicación entre especies, los símbolos de protección y transformación, y la importancia espiritual del territorio y el lugar. A través de la pintura, el textil, la escultura, el sonido y la performance, Xa fusiona la construcción de mundos fantásticos con la indagación política y metafísica.
La obra de Xa ha estado presente en grandes instituciones internacionales, como el MoMA PS1, el Palais de Tokyo, la Haus der Kunst o la Bienal de Venecia, donde participó en el programa de performances de 2019. Algunas colaboraciones notables con el artista Benito Mayor Vallejo han ampliado aún más su investigación en torno al disfraz, la mascarada y el arquetipo del embaucador. En 2025 Xa fue finalista del Premio Turner, uno de los galardones más prestigiosos de arte contemporáneo en el Reino Unido, por su instalación colaborativa Moonlit Confessions Across Deep Sea Echoes: Your Ancestors Are Whales, and Earth Remembers Everything, presentada en la 16ª Bienal de Sharjah. A través de formas afectivas y de múltiples capas, Xa construye un espacio donde convergen el conocimiento ancestral, la ficción especulativa y la recuperación cultural.
Salas: 204, 208 
Comisaria: Lekha Hileman
Zadie Xa 
Escorpio 2021 (Scorpion 2021), 29 de octubre, 2021 
Zadie Xa y Benito Mayor Vallejo. Comisariada por Priyesh Mistry 
The National Gallery, Londres 
Con el apoyo del Canada Council for the Arts 
Imagen: Andrew Bruce

in situ: Zadie Xa

Zadie Xa (Vancouver, 1983) es una artista de origen coreano-canadiense que trabaja en Londres cuya práctica multidisciplinar explora temas como la

in situ: Zadie Xa | Guggenheim Bilbao Museoa

15€ Adultos - 7.5€ Jubilados - 7.5€ Estudiantes

La iniciativa TopARTE del Museo Guggenheim Bilbao se reafirma en su compromiso con las entidades y agentes culturales de nuestro entorno más próximo. El resultado de esta fructífera colaboración es un variado programa multidisciplinar rico en contenidos y formatos, y destinado a todos los públicos.
Así, en el marco de esta iniciativa se presentan en el Museo actividades que abarcan disciplinas tan diversas como la arquitectura, el cine, la danza, el diseño, la gastronomía, la música, la performance o el teatro.

El Museo

Organización y Gobernanza

Plan estratégico

Contratación

Código ético y programa de cumplimiento

Sostenibilidad y Responsabilidad Social

Transparencia

Carta de Servicios

Acerca del Museo

Charlas

En familia

En escena

Cursos y talleres

Art & Music

Online

Visitas

Amigos

Educadores

Wellbeing

Actividades

Colaboraciones y ventajas actuales

Colaboraciones y ventajas pasadas

Amigos del Museo

Miembros Corporativos Actuales

Beneficios

Eventos corporativos

Imagen del Museo

Patrocinio de proyectos

Apoyo empresarial

Mundo escolar

Programas Públicos

Aprende online

Programas Sociales

Mediación

Recursos

Aprende

Notas de prensa

Imágenes

Contacto

Área de prensa

Horarios y tarifas

El edificio

El exterior

El interior

La construcción

Frank Gehry

Ofertas de empleo

Basque Artist Program

BASQUE INTERNSHIPS 2025

Sustainability Officer - GETTY

Empleo y Prácticas

Todos

GBInsights

Visitas virtuales

Experiencias

Perspectivas

Documentales

CONTACTO

Información práctica: visita al Museo, compra de entradas, reservas, horarios… 
<a href="mailto:informacion@guggenheim-bilbao.eus">informacion@guggenheim-bilbao.eus</a>
Contacta con nosotros: 
<a href="mailto:contacto@guggenheim-bilbao.eus">contacto@guggenheim-bilbao.eus</a>

Preguntas frecuentes

#MYGUGGENHEIMBILBAO

Museo Guggenheim Bilbao

Solomon R. Guggenheim Museum

Peggy Guggenheim Collection

Guggenheim Abu Dhabi

De martes a domingo, de 10:00 a 19:00 h <a href="/horarios-y-tarifas">[+info]</a>

Exposiciones

Artes de la Tierra

05.12.2025 - 03.05.2026

in situ: Mark Leckey. Y la ciudad se alzaba en todo su esplendor

14.11.2025 - 12.04.2026

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao

07.11.2025 - 31.12.2026

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomía del espacio

16.10.2025 - 20.02.2026

Sky Hopinka, Desmayos

18.09.2025 - 20.02.2026

Exposiciones

futuras

Ruth Asawa: Retrospectiva

in situ: Igshaan Adams. Levantando el polvo: El archivo del cuerpo

Jasper Johns: Night Driver

Ever is Over All. Pipilotti Rist

Steve McQueen

Dan Flavin

in situ: Zadie Xa

Exposicionespasadas

#MYGUGGENHEIMBILBAO