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Exposiciones | Guggenheim Bilbao Museoa

Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas

Charla inaugural

Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas 

Audioguía

Plano audioguía

Fundación BBVA

Su sello personal: la década de 1950

Siguiendo la corriente: la década de 1960

El hallazgo de una nueva libertad: la década de 1970

Umbrales: la década de 1980

En busca de la belleza: la década de 1990

Pintando hasta el final: la década de 2000

Amistades

Una invitación a la escultura

Helen Frankenthaler (1928–2011) desempeñó un papel esencial en la transición del Expresionismo Abstracto a la Pintura de Campos de Color. La artista, conocida por haber inventado la técnica de “empapar y manchar” y cuya constante experimentación se prolongó durante seis décadas, concibió un considerable corpus de obras sobre lienzo y papel, además de esculturas, cerámica, tapices y obra gráfica. Sus innovadoras creaciones, presentes en las colecciones de los principales museos de todo el mundo, siguen inspirando a los artistas en la actualidad.
Nacida en la ciudad de Nueva York, Frankenthaler estudió arte con un enfoque tradicional de la mano de Paul Feeley en el Bennington College de Vermont antes de regresar a Manhattan, donde se decantó por la abstracción. A principios de la década de 1950 pudo conocer directamente a las figuras clave de la Escuela de Nueva York, iconos del arte estadounidense de la posguerra que compartían con Frankenthaler su firme apuesta por lo experimental y que, en algunos casos, pasaron a formar parte de su círculo social más íntimo.
Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas contextualiza su producción a la luz de sus afinidades, influencias y amistades en el mundo del arte. La exposición presenta una treintena de poéticas abstracciones creadas por la autora entre 1953 y 2002, e incluye asimismo destacadas pinturas y esculturas de algunos de sus contemporáneos —Anthony Caro, Morris Louis, Robert Motherwell, Kenneth Noland, Jackson Pollock, Mark Rothko y David Smith— que ilustran las sinergias generadas entre estos artistas.
La muestra plantea un recorrido cronológico que comienza en los años cincuenta y concluye en la primera década del siglo xxi. Cada sección, acompañada de un texto explicativo, representa un capítulo de la prolífica trayectoria de Frankenthaler. Pintura sin reglas celebra el legado de una artista pionera que jamás dejó de explorar nuevas vías de la abstracción.
La exposición está organizada por la Fondazione Palazzo Strozzi, Florencia y la Helen Frankenthaler Foundation, Nueva York en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao; y está comisariada por Douglas Dreishpoon, director del catálogo razonado de la artista.
Sala: 105
 
Helen Frankenthaler 
Azul móvil (Moveable Blue), 1973 
Acrílico sobre lienzo 
177,8 x 617,8 cm 
ASOM Collection 
© 2025 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York / VEGAP 
Foto: © ASOM Collection

IN FOCUS Helen Frankenthaler

Cronología

En el museo

Helen Frankenthaler (1928–2011) desempeñó un papel esencial en la transición del Expresionismo Abstracto a la Pintura de Campos de Color. La artista,

Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas | Guggenheim Bilbao Museoa

Vito Acconci / Sergio Prego: YOU

El programa de exposiciones Film &amp; Video del Museo Guggenheim Bilbao mantiene un permanente compromiso con las prácticas artísticas contemporáneas ligadas a la imagen en movimiento.
El punto de partida de esta muestra es la colaboración y la amistad que desarrollaron Vito Acconci (Nueva York, 1940–2017) y el artista vasco Sergio Prego (Donostia/San Sebastián, 1969), cuyos caminos artísticos se cruzaron durante un periodo clave de actividad de la firma de diseño especulativo y arquitectura Acconci Studio. La muestra traza un itinerario subjetivo por la práctica de vídeo y performance de Acconci utilizando un sistema de presentación diseñado por Prego, en cuya concepción de la escultura resuena el singular modo en que Acconci entendió el espacio construido y las fuerzas que en su interior mueven a los cuerpos. Común al trabajo de ambos es una atención particular a la interacción entre los sentidos, los medios audiovisuales y la arquitectura; como si lo corporal tratase constantemente de encajar en las normas y estructuras del mundo físico captado por la cámara. Para ambos artistas, las obras de arte funcionan como manifestaciones concretas de tensiones y paradojas cuyo impacto afecta directamente a la propia consciencia física de quien las percibe.
La primera parte de la exposición alberga varios vídeos de Prego que se reproducen simultáneamente, mientras en un rincón de la sala reverbera la pieza sonora de Acconci Cinta corriendo (1969). La actividad de este —contando repetidamente mientras corre hasta quedar sin aliento, una y otra vez— incide en el tiempo, en tanto que Prego utiliza sencillos trucajes de edición de imagen para presentar posiciones y movimientos imposibles en el espacio. La voz de Acconci también se puede oír en el otro extremo de la sala, esta vez como narrador de un documental que resume su práctica de diseño radical. En el espacio principal descubrimos dos grandes estructuras hinchables de Prego que funcionan como pantallas de proyección de una selección de vídeos históricos de Acconci. En sus performances grabadas, Acconci utilizaba la cámara no tanto como un medio para autorretratarse, sino como instrumento de provocación. Podemos ver al artista señalando directamente con el dedo o susurrando en tono íntimo en Centros (1971) y en Encender (1974); y poniendo a prueba agresivamente su propio cuerpo en Tres estudios de adaptación (1970). En estas obras, Acconci pide desesperadamente que se le preste atención, como si hubiese presentido los futuros usos de la cámara en las redes sociales. Más de cinco décadas después de su creación, no podemos evitar sentir que las obras de vídeo de Acconci, a menudo de un modo incómodo, nos apuntan.
Sala: 103 
Comisario: Manuel Cirauqui
 
Vito Acconci 
Three Adaptation Studies, 1970 
Film Super 8mm transferido a video (fotograma) 
Courtesy Electronic Arts Intermix, New York

El programa de exposiciones Film &amp; Video del Museo Guggenheim Bilbao mantiene un permanente compromiso con las prácticas artísticas contemporáneas

Vito Acconci / Sergio Prego: YOU | Guggenheim Bilbao Museoa

in situ: Refik Anadol

Partner de la exposición:

1of1

Partner tecnológico:

Euskaltel (Anadol)

Con esta muestra se inicia in situ, una nueva serie expositiva dedicada a presentar instalaciones de ubicación específica que trascienden los límites de la práctica contemporánea. Englobando a autores que trabajan en el ámbito del arte, la tecnología, la música y la performance, in situ investiga formas alternativas de percibir y habitar el espacio.
in situ: Refik Anadol acoge Arquitectura viva: Gehry, una innovadora instalación audiovisual que reimagina el legado arquitectónico de Frank Gehry a través de la inteligencia artificial (IA) y el arte generativo. Desarrollado por Refik Anadol Studio, un modelo personalizado de IA (Large Architecture Model) tecnológicamente avanzado ha sido entrenado durante meses con un amplísimo número de imágenes, bocetos y planos de acceso libre con el fin de traducir el vocabulario arquitectónico de Gehry en dinámicas formas, colores y movimientos en constante evolución. Este espectáculo visual es intensificado por el paisaje sonoro inmersivo compuesto por Kerim Karaoglu fusionando el audio generado por la IA con grabaciones registradas en el propio Museo.
Arquitectura viva: Gehry se despliega en seis capítulos interconectados, cada uno de los cuales representa una etapa diferente del proceso mediante el cual los datos se convierten en fantasía arquitectónica:
<ul>
<li>Capítulo I — Universo de datos. Una vasta constelación de datos y materiales —fotografías de archivo, planos y documentos estructurales— se van compilando en una memoria.</li>
<li>Capítulo II — Trazado de datos. A medida que los datos se procesan, surgen patrones complejos a través de formas, texturas y composiciones en el espacio.</li>
<li>Capítulo III — Túnel de datos. Los datos pasan a configurar entornos visuales inmersivos en el espacio latente, invitando al público a adentrarse en la evolución del proceso de colaboración entre seres humanos y máquinas.</li>
<li>Capítulo IV — Large Architecture Model. Al transformar las formas de Gehry, la IA genera nuevas posibilidades arquitectónicas que traspasan los límites de la imaginación y el diseño.</li>
<li>Capítulo V — Alucinación de la máquina. Un momento de abstracción, en el que las estructuras generadas por IA se liberan de los límites convencionales del espacio y revelan visiones arquitectónicas alucinatorias y oníricas.</li>
<li>Capítulo VI — Sueños. Regreso al universo de la arquitectura, reinterpretado ahora a través de la imaginación ilimitada de la IA, donde la arquitectura se transforma en tiempo real, generando incesantemente nuevas formas que surgen y evolucionan a cada instante.</li>
</ul>
Como exposición inaugural de la serie in situ, Arquitectura viva: Gehry refleja bien la exploración de Anadol sobre el futuro del arte de ubicación específica impulsado por inteligencia artificial, en el que los datos se convierten en material y el espacio en un lienzo de memoria, forma e imaginación en constante evolución.
Desarrollada a partir de datos obtenidos de manera ética y la aplicación de una computación sostenible, esta instalación muestra un cuidadoso enfoque de la creación digital que aúna innovación y responsabilidad.
Salas: 204, 208 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller
Refik Anadol Studio 
Vista de la instalación Arquitectura viva: Gehry (Living Architecture: Gehry) en el Museo Guggenheim Bilbao 
© Refik Anadol, Bilbao 2025

El proceso tras Arquitectura viva: Gehry

Con esta muestra se inicia in situ, una nueva serie expositiva dedicada a presentar instalaciones de ubicación específica que trascienden los límites de

in situ: Refik Anadol | Guggenheim Bilbao Museoa

Obras maestras sobre papel de Budapest

Estudios de cabezas, ca. 1504–05

Vista de Sarmingstein junto al Danubio, 1511

Venus desarmando a Cupido, ca. 1527–30

Granja holandesa entre luces y sombras, 1635–36

Lámina de estudio, Dos modelos femeninos y paños, ca. 1717

Vista de Budapest, 1881

El jardín de la casa parroquial de Nuenen en invierno, 1884

Dos mujeres abrazadas, 1915

Composición, 1922

13 trazos, 2016

Esta exposición es fruto de la colaboración establecida entre el Museo Guggenheim Bilbao y el Museo de Bellas Artes – Galería Nacional Húngara de Budapest, reconocida institución que exhibe arte internacional desde la Antigüedad hasta el siglo XXI, y arte húngaro que se remonta a la Edad Media y llega hasta hoy. Entre las colecciones que integran sus fondos destaca por su cantidad y arco temporal la de Estampas y Dibujos, que atesora aproximadamente 9.000 dibujos y 100.000 grabados de autores europeos.
La muestra presenta una amplia y variada selección de piezas de grandes artistas —como Alberto Durero, Leonardo da Vinci, Rafael, Rembrandt, Francisco de Goya, Miklós Barabás, Henri de Toulouse-Lautrec, Pablo Picasso, Egon Schiele, Victor Vasarely, Vera Molnar, Judit Reigl, Dóra Maurer, Georg Baselitz, Katharina Grosse y Gerhard Richter—, con las que ofrece un completo panorama de la creación gráfica desde el siglo XV hasta la actualidad. Las cerca de 150 obras maestras elegidas recorren las centenarias tradiciones de los géneros del dibujo y el grabado, revelando su constante apertura a la renovación, sus diversas soluciones formales, sus rasgos esenciales y sus característicos efectos estéticos.
Doce secciones temáticas articulan la exposición, abordando las diferentes tendencias de cada época y las cuestiones e interacciones más significativas que se producen en los ámbitos del dibujo y la estampa. Por un lado, la muestra transmite al público la diversidad técnica que define a estos medios, pero también indaga en un estrato más profundo, al señalar sus diversas funciones, con la finalidad de poner de relieve la importancia del dibujo y el grabado dentro de la historia del arte y su permanente fidelidad a su esencia a través de los siglos y los numerosos cambios de tendencias y estilos.
La exposición brinda asimismo una panorámica de la rica y azarosa historia de la Colección de Estampas y Dibujos del Museo de Bellas Artes de Budapest, la colección de obras sobre papel más valiosa de Hungría, complementada con una serie de documentos de archivo que narran sus orígenes a partir de los fondos de la importante familia noble húngara de los Esterházys y los logros alcanzados gracias al empeño de muchos directores, conservadores y curadores del museo.
Salas: 205, 206, 207, 209 
Comisarias: Kinga Bódi y Marta Blàvia
 
Peter Paul Rubens (1577–1640) 
Retrato de perfil del hijo del artista, Albert Rubens, ca. 1618–19 
Sanguina, clarión negro, pluma, tinta parda, pincel y aguada parda sobre papel, 246 × 203 mm 
MBA CED; inv. n.º 1745 
Adquirido a la Colección Esterházy, 1871 
© 2025 Museum of Fine Arts, Budapest

Difundiendo ideas e imágenes

Buril y aguafuerte

Litografía

Xilografía

En el Museo

Esta exposición es fruto de la colaboración establecida entre el Museo Guggenheim Bilbao y el Museo de Bellas Artes – Galería Nacional Húngara de

Obras maestras sobre papel de Budapest | Guggenheim Bilbao Museoa

Tarsila do Amaral

París/São Paulo: pasaportes para la modernidad

Una “Pequeña caipira vestida por Poiret”

La invención del paisaje brasileño

Primitivismo e identidad(es)

El Brasil caníbal

Trabajadores y trabajadoras

Nuevos paisajes

Figura central del modernismo brasileño, Tarsila do Amaral (o Tarsila, su nombre artístico) es la creadora de una obra original y evocadora, basada tanto en el imaginario indígena y popular como en las dinámicas modernizadoras de un país en plena transformación.
En la década de 1920, moviéndose entre São Paulo y París, actuó como puente entre las vanguardias de estas dos capitales culturales y puso a prueba su universo iconográfico brasileño pasándolo por el tamiz del Cubismo y el Primitivismo, en boga en la capital francesa. Su pintura inspira entonces los movimientos Pau-Brasil y Antropofagia, cuya búsqueda de un Brasil “auténtico”, multicultural y multirracial tiene como objetivo refundar la relación del país con los “centros” europeos de la colonización.
La dimensión militante de las pinturas de Tarsila de la década de 1930 y su capacidad para acompañar las profundas transformaciones de su entorno social y urbano hasta los años sesenta confirman la fuerza de una obra en sintonía con su tiempo y siempre dispuesta a renovarse, a pesar de las inestables condiciones que debe afrontar, según las épocas y los contextos, una mujer artista emancipada e independiente.
Con su invitación a adentrarnos en una modernidad brasileña que ella contribuyó a forjar aún más de lo que la ilustró, Tarsila do Amaral revela en su trabajo toda la complejidad de este concepto siempre sujeto a debate, que, aún hoy, suscita cuestiones identitarias y sociales de gran actualidad, tanto en Brasil como en Europa.
Exposición organizada por el Museo Guggenheim Bilbao y le GrandPalaisRmn
Salas: 201, 202, 203 
Comisarias: Cecilia Braschi y Geaninne Gutiérrez-Guimarães 
Sedes: Musée du Luxembourg, París; Museo Guggenheim Bilbao
 
Tarsila do Amaral 
Tarjeta postal (Cartão postal), 1929 
Óleo sobre lienzo, 127,5 x 142,5 cm 
Colección particular, Río de Janeiro 
© Tarsila do Amaral Licenciamento e Empreendimentos S.A. 
Foto: Jaime Acioli

Vídeo de la Exposición

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de Tarsila do Amaral. Pintando el Brasil moderno. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

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Visita Virtual

Tarsila do Amaral. Pintando el Brasil moderno

Figura central del modernismo brasileño, Tarsila do Amaral (o Tarsila, su nombre artístico) es la creadora de una obra original y evocadora, basada tanto

Tarsila do Amaral. Pintando el Brasil moderno | Guggenheim Bilbao Museoa

Tercera planta

Esta presentación de la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao muestra una selección de obras que singularizan momentos clave de la historia del arte posterior a la Segunda Guerra Mundial. En un gesto ambicioso por amplificar la resonancia entre arte y arquitectura, esta instalación de algunas de las piezas más sobresalientes de estos fondos también resalta la arquitectura original del edificio. La exposición celebra igualmente los espacios diáfanos y llenos de luz del tercer piso del Museo.
La exposición se inspira tanto en el acervo de obras singulares de artistas como en movimientos de la historia del arte bien ilustrados en la Colección. Así, la muestra pone de relieve a autores que trabajaron a la vanguardia de su tiempo y cuyas contribuciones en su ámbito fueron realmente determinantes. Cada sala ofrece la oportunidad de contemplar la producción de un único artista o de varios que exploran preocupaciones compartidas desde diferentes perspectivas.
Algunas galerías de esta planta presentan instalaciones de ubicación específica o piezas únicas de carácter experiencial, como los espacios dedicados a Sol LeWitt y El Anatsui. La obra de este último, Mar creciente, es una escultura contemporánea de gran relevancia en la carrera del artista africano y constituye la última adquisición de la Colección. Otras salas acogen montajes temáticos sobre el desarrollo del arte abstracto que surgió tras la Segunda Guerra Mundial, así como aproximaciones entre el arte abstracto y lo espiritual, o abordan posteriores lenguajes artísticos que se desarrollaron entre 1960 y 1980, como el Pop y la presencia de lo popular en la creación contemporánea. Además, se incluye documentación histórica sobre estas corrientes artísticas y los autores que contribuyeron a ellas.
En el otoño de 2025 una selección de las obras de la Colección Rodenstock en préstamo a largo plazo se presentará en las salas 305, 306 y 307 con piezas de reconocidos artistas, entre las que destacan las de Lucio Fontana, Yves Klein, Agnes Martin, Cy Twombly o Jeff Koons, que por primera vez se mostrarán en público como conjunto.
Salas: tercera planta 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller y Marta Blàvia

Si las paredes hablaran…

El Anatsui

Jenny Holzer

Jeff Koons

Sol Lewitt

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao

Esta presentación de la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao muestra una selección de obras que singularizan momentos clave de la historia del

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao | Guggenheim Bilbao Museoa

Esta exposición presenta una muestra del trabajo realizado por más de cien niñas y niños de entre 6 y 12 años durante el curso 2024–25 dentro del programa educativo del Museo Guggenheim Bilbao Aprendiendo a través del arte. Esta iniciativa lleva a artistas a las aulas de los centros educativos, donde colaboran directamente con el profesorado para incorporar el arte al aprendizaje escolar.
Mediante la exploración artística y el debate en torno al arte, el alumnado tiene la oportunidad de abordar los contenidos del currículo de Primaria desde una perspectiva creativa y personal. Las actividades están diseñadas para conectar el arte con distintas materias, como Ciencias, Lengua o Matemáticas, convirtiéndolo en una vía para investigar y comprender el mundo que rodea a los escolares.
Durante este curso, las seis clases participantes exploraron cómo el calendario va influyendo en el aspecto de la naturaleza, cuáles son los efectos de la acción de los seres humanos en el medioambiente o cómo mimetizarse con su entorno natural. También conocieron la creación que tiene un fin activista y su posible impacto en la sociedad, así como la obra de artistas locales de su zona. A través del arte y mediante actividades de autoconocimiento, reflexionaron asimismo sobre la identidad, tanto personal como colectiva.
En los procesos utilizaron una amplia variedad de técnicas y disciplinas, como la pintura, la escultura, la fotografía o la performance, aplicándolas en proyectos educativos que fomentaron la libre expresión y resaltaron la importancia de la creatividad en la educación.

Aprendiendo a través del arte 2025

Esta exposición presenta una muestra del trabajo realizado por más de cien niñas y niños de entre 6 y 12 años durante el curso 2024–25 dentro del programa

Aprendiendo a través del arte 2025 | Guggenheim Bilbao Museoa

Occident

El Museo Guggenheim Bilbao se enorgullece de presentar la primera exposición antológica en España de la obra de la reconocida artista estadounidense Barbara Kruger. Durante más de cuarenta años, Kruger ha cautivado al público al combinar impactantes imágenes extraídas de los medios de comunicación con frases audaces y provocadoras que desafían al espectador a confrontar las dinámicas de poder que moldean la identidad, el deseo y el consumismo. Sus obras icónicas nos interpelan directamente, invitándonos a reflexionar sobre cómo nos relacionamos entre nosotros y con el mundo que nos rodea.
Esta exposición destaca la habilidad de Kruger para transformar los espacios arquitectónicos en experiencias inmersivas centradas en el texto. Los visitantes se adentrarán en instalaciones potentes donde el lenguaje ocupa un lugar central, envolviendo entornos completos con vinilos, paisajes sonoros y obras de video multicanal. Muchas de estas piezas revisitan y reimaginan los primeros trabajos de Kruger, revitalizándolos a través de la digitalización, pantallas LED de gran formato y la incorporación de sonido.
Organizada en estrecha colaboración con la artista, esta exposición invita al público a explorar las provocadoras investigaciones de Kruger sobre el lenguaje, los medios de comunicación y el significado en la era digital.
Salas: 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller
 
Barbara Kruger 
Sin título (POR SIEMPRE) [Untitled (FOREVER)], 2017 
Impresión en papel vinílico 
Dimensiones variables 
Vista de la instalación FOREVER, Sprüth Magers, Berlín, 16 de septiembre, 2017–20 de enero, 2018 
Cortesía de la artista y Sprüth Magers 
Foto: Timo Ohler

Barbara Kruger

El Museo Guggenheim Bilbao se enorgullece de presentar la primera exposición antológica en España de la obra de la reconocida artista estadounidense

Barbara Kruger | Guggenheim Bilbao Museoa

Sky Hopinka llega a la cinematografía través de su interés por los lenguajes indígenas y las técnicas narrativas. Miembro de la nación Ho-chunk y descendiente de los indios Pechanga Band de Luiseño Mission (California), Hopinka construye intrincadas obras en vídeo en las que fusiona historias personales, documentación sobre la vida nativa actual e iconografía abstracta como manera de reflexionar sobre el poder y los límites de la comunicación entre culturas.
La obra de Hopinka Desmayos (Fainting Spells, 2018) es una meditación en torno a la familia, la tradición, la sanación y el paisaje a través de la cual, el artista explora la mitología sobre la Xąwįska o pipa de indio, una planta medicinal utilizada por el pueblo Ho-chunk para despertar a una persona tras un desmayo. En el filme, una serie de textos sobre esta planta y su papel dentro de la tradición Ho-chunk van deslizándose superpuestos a imágenes abstractas de encuentros, lugares familiares y fenómenos naturales que, en muchas ocasiones, evocan la estética cinematográfica de las vanguardias históricas. Realizada casi exclusivamente en Washington y Colorado, la película es un ejemplo de la práctica actual de Hopinka, lo que él denomina un arte “etnopoético” centrado en la conexión creativa con las culturas indígenas vivas.
Para el artista, Desmayos es un análisis de “lo que nos enseña el mito y cómo lo hace; su presencia en las comunidades nativas en el momento presente; y la manera en que influye en cómo transitamos por el mundo”. Hopinka añade con frecuencia experiencias personales en su trabajo, en este caso a través de grabaciones de la voz de su padre en la película como parte de un exuberante paisaje instrumental.
Sala: 103 
Comisaria: Geaninne Gutiérrez-Guimarães
 
Sky Hopinka 
Desmayos (Fainting Spells), 2018 
Video de tres canales en color, con sonido, 9 min, 45 s 
A.P. 1/2, edición de 3 
Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, adquirido con fondos aportados por el Photography Council 
© Sky Hopinka

Sky Hopinka, Desmayos

Sky Hopinka llega a la cinematografía través de su interés por los lenguajes indígenas y las técnicas narrativas. Miembro de la nación Ho-chunk y

Sky Hopinka, Desmayos | Guggenheim Bilbao Museoa

El trabajo de Maria Helena Vieira da Silva (Lisboa, 1908–París, 1992) incorpora una serie de estilos e influencias variados que van desde la geometría decorativa propia de los azulejos hispano-árabes a los manteles con dameros que aparecen en las pinturas de Pierre Bonnard. Por ello, los análisis de la obra de Vieira da Silva han tendido a destacar su deuda con diversos movimientos y estilos en lugar de poner de relieve el desarrollo de su particular vocabulario artístico. La relación entre la abstracción y la figuración en su obra, que se refleja en los espacios arquitectónicos que crea donde se desdibuja la distinción entre paisajes urbanos reales e imaginarios, es un tema poco tratado por la crítica y que la exposición tratará de resaltar.
Al analizar el trabajo de la artista entre las décadas de 1930 y 1980 y estudiar su relación con los paisajes arquitectónicos urbanos y el papel que desempeñan la memoria y el juego en su obra, la exposición irá más allá de las referencias formales a la cultura visual portuguesa y los movimientos de las vanguardias, como el Cubismo y el Futurismo. Para esta evaluación es fundamental reconsiderar la obra de Vieira da Silva como independiente de la estética del gesto propia del Informalismo —con el que se la ha vinculado con frecuencia— y reconocer su experiencia de la ciudad de París, entendida como polo de atracción transnacional tras la Segunda Guerra Mundial. La exposición abordará igualmente las redes que Vieira da Silva tendió durante su estancia en Río de Janeiro, lugar al que huyó con su esposo, Árpád Szenès, tras el estallido de la guerra. La exposición se fundamentará en una serie de pinturas clave que muestran el despliegue en constante evolución de formas abstractas e ilusiones ópticas en su trabajo.
Sala: 105 
Comisaria: Flavia Frigeri 
Sedes: Peggy Guggenheim Collection, Venecia; Museo Guggenheim Bilbao
 
Maria Helena Vieira da Silva (1908 – 1992) 
Figura de ballet (Figure de ballet), 1948 
Óleo y grafito sobre lienzo, 27 × 46 cm 
Cortesía de la Galerie Jeanne Bucher Jaeger, París - Lisboa 
N.º de inventario: CR587

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomía del espacio

El trabajo de Maria Helena Vieira da Silva (Lisboa, 1908–París, 1992) incorpora una serie de estilos e influencias variados que van desde la geometría

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomía del espacio | Guggenheim Bilbao Museoa

Mark Leckey (Birkenhead, Reino Unido, 1964) es un artista contemporáneo británico que reside y trabaja en Londres. Desde que alcanzara la fama a finales de la década de 1990, su influyente práctica ha abordado la relación entre la cultura popular y la tecnología, y explorado temas como la juventud, la clase social y la nostalgia. Su producción a base de objetos encontrados y sus obras en vídeo se basan en elementos procedentes de la cultura popular. Concretamente, Leckey es conocido por las piezas Fiorucci Made Me Hardcore (1999) y UniAddDumThs; (2015–actualidad). En 2008, recibió el premio Turner por la exposición Industrial Light and Magic, del mismo año.
En los últimos seis años, Leckey ha presentado un programa de la emisora NTS Radio sobre música experimental a cargo de artistas tanto consagrados como emergentes. La exposición en el Museo Guggenheim Bilbao presentará la multiplicidad de fuentes que se integran en el trabajo de Leckey, como el sonido, la escultura y la performance.
Salas: 204, 208 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller
Mark Leckey 
Vista de la instalación, O’ Magic Power of Bleakness, Tate Britain, Londres, 24 de septiembre - 5 de enero de 2020. 
Fotografía de Mark Blower, cortesía del artista, Cabinet Gallery London y Tate.

in situ: Mark Leckey

Mark Leckey (Birkenhead, Reino Unido, 1964) es un artista contemporáneo británico que reside y trabaja en Londres. Desde que alcanzara la fama a finales

in situ: Mark Leckey | Guggenheim Bilbao Museoa

Iberdrola

Arraigada en el marco estratégico para la Sostenibilidad Ambiental del Museo Guggenheim Bilbao, la exposición Artes de la Tierra plantea una relectura del arte orientado al medioambiente de las últimas décadas. Además de brindar una nueva cartografía multidisciplinar y diversa de las formas artísticas, la muestra quiere también ofrecer un inventario de herramientas, posibilidades y futuros. Artes de la Tierra toma la preocupación actual por la salud de nuestro planeta y en particular por la supervivencia del suelo en tanto que elemento vivo, plástico y matriz, como eje vertebrador de un recorrido por manifestaciones artísticas que atraviesan todas las geografías. Un trazado que conecta artefactos hechos con tierra, madera, hojas, raíces y plantas —medios ancestrales que han cobrado una vigencia nueva en la actualidad— con intervenciones terrestres que han venido a conocerse como Land Art o Earthworks desde hace algunas décadas: anti-monumentos vivos, realizados en lugares remotos, a veces efímeros, cuyas marcas leemos hoy como profecías del Antropoceno.
Artistas de las culturas más diversas se han preguntado, a lo largo de las últimas generaciones, cómo trabajar la tierra cuando más necesita cuidado y reparación; cómo apreciar y devolver sus obsequios; cómo aprender de aquello que nos ofrece, cuando parece estar siendo despojada de su riqueza biológica, mineral, orgánica y química. El potencial constructivo del suelo y las sustancias que lo componen nos lleva mucho más allá de las formulaciones clásicas de la escultura, la arquitectura o el paisajismo. En los últimos años, muchos artistas han experimentado con las dinámicas del sustrato, han unido procesos de composición y compostado, trazando líneas y revelando las raíces comunes de cultura y agricultura; forma, formación y terraformación. Así, Artes de la Tierra reúne trabajos históricos desde 1970 hasta la actualidad, y aborda medios como la escultura, la instalación, el dibujo y la performance, además de una extensa selección de materiales de archivo. Incluyendo prácticas que a menudo convocan formas múltiples de conocimiento colaborativamente, vemos cómo la agronomía, la botánica, la geología, la química y la biología vienen al encuentro de las artes, la arquitectura y el diseño.
Salas: 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Comisario: Manuel Cirauqui
 
Giuseppe Penone 
Uña y hojas de laurel (Unghia e foglie di alloro), 1989 
Vidrio y hojas de laurel 
Cortesía del artista y Marian Goodman Gallery 
Foto: Alex Yudzon

Artes de la Tierra

Arraigada en el marco estratégico para la Sostenibilidad Ambiental del Museo Guggenheim Bilbao, la exposición Artes de la Tierra plantea una relectura del

Artes de la Tierra | Guggenheim Bilbao Museoa

15€ Adultos - 7.5€ Jubilados - 7.5€ Estudiantes

La iniciativa TopARTE del Museo Guggenheim Bilbao se reafirma en su compromiso con las entidades y agentes culturales de nuestro entorno más próximo. El resultado de esta fructífera colaboración es un variado programa multidisciplinar rico en contenidos y formatos, y destinado a todos los públicos.
Así, en el marco de esta iniciativa se presentan en el Museo actividades que abarcan disciplinas tan diversas como la arquitectura, el cine, la danza, el diseño, la gastronomía, la música, la performance o el teatro.

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Martes a domingo, de 10:00 a 19:00 h <a href="/horarios-y-tarifas">[+info]</a>

Exposiciones

Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas

11.04.2025 - 28.09.2025

Vito Acconci / Sergio Prego: YOU

03.04.2025 - 07.09.2025

in situ: Refik Anadol

07.03.2025 - 19.10.2025

Obras maestras sobre papel de Budapest

28.02.2025 - 01.06.2025

Tarsila do Amaral. Pintando el Brasil moderno

21.02.2025 - 01.06.2025

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao

24.01.2023 - 31.12.2025

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Aprendiendo a través del arte 2025

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