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Exposiciones

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Exposiciones | Guggenheim Bilbao Museoa

Lynette Yiadom-Boakye. Parada 1.

Audioguía Lynette Yiadom-Boakye

Lynette Yiadom-Boakye. Parada 2.

Lynette Yiadom-Boakye

Conferencia Inaugural

Obras

La artista y escritora británica Lynette Yiadom-Boakye (Londres, 1977) es conocida por sus pinturas de personajes atemporales captados en momentos cotidianos de felicidad, complicidad y soledad. Sus exuberantes óleos sobre lienzo o sobre lino rugoso retratan, con pinceladas sueltas, a personas ficticias sobre fondos teatrales. La artista no trabaja con modelos reales, sino que sus figuras son composiciones tomadas de distintas fuentes, como álbumes de recortes y dibujos, recuerdos y observaciones de la vida cotidiana. Los detalles, como el vestuario o atuendo, el calzado o su ausencia, no permiten situar a las figuras en un espacio y tiempo concretos. Los cuadros nos invitan a detenernos y observar cuidadosamente, adentrándonos en los relatos pictóricos de ficción que teje la artista; sus poéticos títulos nos incitan a pensar, reforzando la idea de que una gran parte de la interpretación dependerá de la imaginación de quien contemple su obra.
Ningún ocaso tan intenso presenta una selección de más de 70 pinturas y dibujos al carboncillo realizados entre 2020 y 2023 que se muestran al público por primera vez. La exposición representa, por tanto, una extraordinaria oportunidad para descubrir el fundamento de la artista: crear pinturas evocadoras en las que se refleje la experiencia humana. En esta última etapa, Yiadom-Boakye ha vuelto al dibujo al carboncillo, cuya escala íntima y aire de improvisación generan una impresión de inmediatez. La contemplación de estos dibujos junto a las pinturas permite apreciar la profundidad y destreza que la artista logra trabajando en los distintos soportes.
Esta muestra se ha concebido como respuesta a la relación y el diálogo que se establece entre los dibujos y pinturas de Lynette Yiadom-Boakye. Se puede comenzar el recorrido en cualquiera de las cuatro salas que constituyen la exposición, con el fin de sumergirse en los trazos, los gestos y las reflexiones que definen Ningún ocaso tan intenso. El público tiene a su disposición una playlist seleccionada por la artista expresamente para esta muestra al objeto de aportar un contexto más amplio en torno a las fuentes que le sirven de inspiración en su trabajo.
Salas: 201, 202, 203, 204, 208 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller
Lynette Yiadom-Boakye 
Divine Repose, 2021 
Óleo sobre lino 
90 x 85 x 3,6 cm 
Cortesía del artista, Corvi-Mora, Londres, y Jack Shainman Gallery, Nueva York

En el Museo

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de Lynette Yiadom-Boakye. Ningún ocaso tan intenso. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

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Visita Virtual

Lynette Yiadom-Boakye. Ningún ocaso tan intenso

La artista y escritora británica Lynette Yiadom-Boakye (Londres, 1977) es conocida por sus pinturas de personajes atemporales captados en momentos

Lynette Yiadom-Boakye. Ningún ocaso tan intenso | Guggenheim Bilbao Museoa

Oskar Kokoschka. Un rebelde de Viena

Audioguía

Fundación BBVA

Sección I - Un enfant terrible en Viena (1907–1916)

Sección II - Los años de Dresde (1916–1923)

Sección III - Viajes y estancias en París (1923–1934)

Sección IV - Resistencia en Praga (1934–1938)

Sección V - Exilio en Inglaterra (1938–1946)

Sección VI - Un artista europeo en Suiza (1946–1980)

Pintor, poeta, escritor, ensayista y dramaturgo, Oskar Kokoschka (1886–1980) comenzó su carrera en la Viena de principios del siglo XX, al igual que Gustav Klimt (1862–1918) y Egon Schiele (1890–1918). Sus primeras obras escandalizaron tanto al público como a la crítica, que enseguida le calificó como “el gran salvaje” (Oberwildling). Su rica trayectoria personal y artística abarca la mayor parte del siglo XX, estando estrechamente ligada a los acontecimientos históricos de su tiempo.
A lo largo de su vida, su afán de independencia le mantuvo al margen de cualquier movimiento artístico. En ese sentido, el único adjetivo que Kokoschka aceptó para sí mismo fue el de expresionista: “Soy un expresionista porque no sé hacer otra cosa que expresar la vida”. Este compromiso con su arte se refleja en cada una de sus obras y convierte al pintor en testigo fundamental de su época y de las transformaciones que en ella se desarrollaron.
El radicalismo de sus comienzos le llevó a ser blanco de los nazis, que le señalaron como representante del “arte degenerado”. Debido a la lucha contra el fascismo que mantuvo a través de sus obras, llegó a ser en una figura influyente en la reconciliación europea tras la Segunda Guerra Mundial y participó activamente en la reconstrucción cultural de un continente devastado.
Salas: 205, 206, 207 y 209 
Comisarios: Dieter Buchhart y Anna Karina Hofbauer, en colaboración con Fabrice Hergott y Fanny Schulmann 
Sedes: Musée d’Art Moderne de Paris, Museo Guggenheim Bilbao 
Exposición organizada por el Museo Guggenheim Bilbao y el Musée d’Art Moderne de Paris, Paris Musées
Oskar Kokoschka 
El pintor II (El pintor y su modelo II) [Der Maler II (Maler und Modell II)], 1923 
Óleo sobre lienzo, montado sobre madera 
85,5 × 130,5 cm 
Saint Louis Art Museum, Legado de Morton D. May, 1983 
© Fondation Oskar Kokoschka, 2023, VEGAP, Bilbao

Oskar Kokoschka. Un artista polifacético

Kokoschka, Observador

Kokoschka, Rebelde

Kokoschka, Pintor

Kokoschka, Artista degenerado

Kokoschka, Profesor

Kokoschka, Humanista

Kokoschka, Persona socialmente comprometida

VÍDEO DE LA EXPOSICIÓN

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de Oskar Kokoschka. Un rebelde de Viena. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

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Pintor, poeta, escritor, ensayista y dramaturgo, Oskar Kokoschka (1886–1980) comenzó su carrera en la Viena de principios del siglo XX, al igual que

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3ª planta

BBK Secciones/Intersecciones

Tercera planta

Esta presentación de la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao muestra una selección de obras que singularizan momentos clave de la historia del arte posterior a la Segunda Guerra Mundial. En un gesto ambicioso por amplificar la resonancia entre arte y arquitectura, esta instalación de algunas de las piezas más sobresalientes de estos fondos también resalta la arquitectura original del edificio. La exposición celebra igualmente los espacios diáfanos y llenos de luz del tercer piso del Museo.
La exposición se inspira tanto en el acervo de obras singulares de artistas como en movimientos de la historia del arte bien ilustrados en la Colección. Así, la muestra pone de relieve a autores que trabajaron a la vanguardia de su tiempo y cuyas contribuciones en su ámbito fueron realmente determinantes. Cada sala ofrece la oportunidad de contemplar la producción de un único artista o de varios que exploran preocupaciones compartidas desde diferentes perspectivas.
Algunas galerías de esta planta presentan instalaciones de ubicación específica o piezas únicas de carácter experiencial, como los espacios dedicados a Sol LeWitt y El Anatsui. La obra de este último, Mar creciente, es una escultura contemporánea de gran relevancia en la carrera del artista africano y constituye la última adquisición de la Colección. Otras salas acogen montajes temáticos sobre el desarrollo del arte abstracto que surgió tras la Segunda Guerra Mundial, así como aproximaciones entre el arte abstracto y lo espiritual, o abordan posteriores lenguajes artísticos que se desarrollaron entre 1960 y 1980, como el Pop y la presencia de lo popular en la creación contemporánea. Además, se incluye documentación histórica sobre estas corrientes artísticas y los autores que contribuyeron a ellas.
Salas: tercera planta 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller

Si las paredes hablaran…

El Anatsui

Jenny Holzer

Jeff Koons

Sol Lewitt

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao

Esta presentación de la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao muestra una selección de obras que singularizan momentos clave de la historia del

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao | Guggenheim Bilbao Museoa

BBK_new

Esta exposición presenta una selección de las obras de más de un centenar de escolares de entre 6 y 12 años creadas a lo largo del curso 2022-2023 en el marco del programa educativo Aprendiendo a través del arte. Esta iniciativa cumple ahora 25 años, en los que se han ido abriendo nuevos caminos en los centros educativos de la CAPV, enfocando el currículo de Primaria desde una perspectiva artística a través de una pedagogía singular.
Elssie Ansareo, Ibon Garagarza, Zaloa Ipiña, Nerea Lekuona, Maider López e Ibon Saénz de Olazagoitia son los artistas que han acompañado en esta aventura al alumnado de seis colegios y a lo largo de veinte sesiones. En ellas, se han planteado proyectos artísticos que han abordado temas curriculares, como la sostenibilidad, el cuidado del agua o la expresión de las emociones., animando a los escolares a participar en procesos creativos propios, invitándoles a pensar, valorar, elegir, probar, dudar, divertirse, a veces también a perderse y, por supuesto, a equivocarse, ya que sin error no hay avance.
La exposición cierra el ciclo de este proceso artístico y constituye la puesta en escena del trabajo realizado. El público que visite la exposición se encontrará con la inesperada posibilidad de disfrutar de puntos de vista originales y frescos, de explorar ideas inspiradoras y de compartir la emoción de descubrir y crear de los escolares participantes.
Sala: Espacio de Educación

Aprendiendo a través del arte 2023

Esta exposición presenta una selección de las obras de más de un centenar de escolares de entre 6 y 12 años creadas a lo largo del curso 2022-2023 en el

Aprendiendo a través del arte 2023 | Guggenheim Bilbao Museoa

Iberdrola

Exposición retrospectiva de la artista y escritora japonesa Yayoi Kusama (Matsumoto, Nagano, 1929), una voz singular que la historia del arte ha recuperado y situado en el lugar relevante que le corresponde, convertida en un icono cultural global. Durante las últimas siete décadas, Kusama ha perseguido con firmeza su visión vanguardista, perfeccionando una estética personal singular y una filosofía central de vida. Su trabajo nos cautiva con sus espacios ilimitados y sus reflexiones sobre los ciclos naturales de regeneración.
Yayoi Kusama narra la historia de la vida y obra de esta artista, poniendo en primer plano su anhelo de interconexión y las profundas preguntas sobre la existencia que impulsan sus exploraciones creativas. La mayor retrospectiva de la artista celebrada en la última década en el Estado, con cerca de 200 obras —pinturas, dibujos, esculturas, instalaciones y material de archivo que documentan sus happenings y performances—, esta exposición examina el trabajo de Kusama desde los primeros dibujos que realizó cuando era adolescente, durante la Segunda Guerra Mundial, hasta sus obras de arte inmersivas más recientes. Organizada cronológica y temáticamente, la muestra recorre los principales temas de esta autora: Infinito, Acumulación, Conectividad radical, Naturaleza cósmica, Muerte y Energía de la Vida, una visión en profundidad del universo obsesivo de Yayoi Kusama, una creadora que lleva décadas intentando agitar nuestro universo con su obra para “curar a toda la humanidad”.
Salas: 103 y 105 
Comisariado: Doryun Chong y Mika Yoshitake en colaboración con Lucía Agirre 
Sedes: M+, Hong Kong y Museo Guggenheim Bilbao 
Exposición organizada por M+, Hong Kong, en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao
Yayoi Kusama 
Auto obliteración (Self Obliteration), 1966–1974 
Pintura en maniquíes, mesa, sillas, pelucas, bolso, tazas, platos, 
jarra, cenicero, plantas de plástico, flores de plástico y frutas de plástico 
Dimensiones variables 
M+, Hong Kong 
© YAYOI KUSAMA
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Yayoi Kusama: desde 1945 hasta hoy

Exposición retrospectiva de la artista y escritora japonesa Yayoi Kusama (Matsumoto, Nagano, 1929), una voz singular que la historia del arte ha

Yayoi Kusama: desde 1945 hasta hoy | Guggenheim Bilbao Museoa

Pablo Picasso trabajó la escultura prácticamente desde los inicios de su dilatada trayectoria artística, porque para el artista malagueño la escultura no tenía un rango secundario en su producción: se trataba de una forma de expresión equiparable a la pintura, el dibujo, el grabado o la cerámica, ya que no hay artes mayores o menores, sino lenguajes y materiales diversos para expresar diferentes aspectos de su creación. El cuerpo, objetivo último de la representación e instrumento principal de Picasso a lo largo de su carrera, es el pilar fundamental de esta exposición.
La selección de esculturas en Picasso. Materia y cuerpo abarcará la casi infinita pluralidad de estilos que el artista utilizó para representar las formas del cuerpo humano, deconstruyéndolo a través de diversos formatos y géneros, para volver a componerlo en una nueva materia, y para ello se sirvió indistintamente de todos aquellos medios posibles u objetos a su alcance, integrándolos así en un todo escultórico inédito hasta entonces. Julio González situaba la mirada escultórica de Picasso en la génesis de toda su obra “He observado muchas veces que no hay forma que le deje indiferente. Él mira todo, en todo momento, porque todas las formas representan para él algo; y ve todo como escultor […]. En mi opinión, el lado misterioso, el centro neurálgico, si se le puede llamar así, de la obra de Picasso están en la ‘Escultura’ que tanto ha hecho hablar de su obra, que tanta gloria le ha dado”.
Salas: segunda planta 
Comisarias: Carmen Giménez y Lucía Agirre 
Sedes: Museo Picasso Málaga, Museo Guggenheim Bilbao 
Exposición organizada por el Museo Guggenheim Bilbao en colaboración con el Museo Picasso Málaga
Pablo Picasso 
Figura: proyecto para un monumento a Guillaume Apollinaire 
(Figure : projet pour un monument à Guillaume Apollinaire), 1928 
Alambre de hierro y chapa 
59,5 x 13 x 32 cm 
Musée national Picasso-Paris, donación de Pablo Picasso, 1979, 
nº. inv.: MP265 
Fotografía: © RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) / Adrien Didierjean 
© Succesión Pablo Picasso

Picasso escultor. Materia y cuerpo

Pablo Picasso trabajó la escultura prácticamente desde los inicios de su dilatada trayectoria artística, porque para el artista malagueño la escultura no

Picasso escultor. Materia y cuerpo | Guggenheim Bilbao Museoa

La obra de Marine Hugonnier (París, 1969), artista y cineasta francesa afincada en Londres, busca constantemente alterar nuestros resortes de interpretación del mundo. Para ello utiliza de manera fluida estrategias documentales y de ficción, aprovechando las ambigüedades intrínsecas a cada registro.
En sus producciones de la última década, la observación directa de procesos sociales encuentra su contrapunto en experimentos fílmicos en que el dispositivo tradicional de captación de imágenes —con la película, la lente y la cámara como elementos irreductibles— se confronta con fenómenos y agentes naturales, y busca en ellos los límites de la representación. En su obra reciente Meadow Report (2021), la artista se sitúa a una hora crepuscular frente al estanque de los jardines de Giverny, donde Claude Monet creó un jardín artificial de plantas exóticas y pintó sus célebres nenúfares en las últimas décadas de su vida, mientras sufría una progresiva pérdida de visión. Hugonnier aborda estos dos temas fundamentales—la manipulación de la naturaleza, por un lado, y nuestra dependencia de la tecnología para observarla por otro— a través de un registro contemplativo y silencioso del paisaje. Su búsqueda de una percepción directa le lleva, en cierto momento de la película, a retirar la lente de la cámara provocando un intenso fundido azul de todos los detalles, un colapso cromático. El título de la pieza juega con el significado literal de la palabra “meadow” (“prado”) y la referencia al Meadows Report, también conocido como The Limits to Growth (1972), uno de los primeros documentos en que se predijo la crisis climática actual como resultado de un uso incontrolado de los recursos del planeta. Esta pieza central de Hugonnier vendrá acompañada por otros filmes y fotografías que, tanto en la galería 103 como en un programa de proyecciones en el Auditorio del Museo, darán cuenta de la práctica reciente de esta artista y su singular concepción de la praxis fílmica.
Sala: 103 
Comisario: Manuel Cirauqui
Marine Hugonnier 
Meadow Report, 2021 
Film 35mm, color, sonido 
Courtesy the artist 
© Marine Hugonnier

Marine Hugonnier: Documentos de campo / Field Reports

La obra de Marine Hugonnier (París, 1969), artista y cineasta francesa afincada en Londres, busca constantemente alterar nuestros resortes de

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En el otoño de 2023, el Museo Guggenheim Bilbao presentará una exposición retrospectiva dedicada a la obra de la artista germano-venezolana Gego (Gertrud Goldschmidt, Hamburgo, 1912–Caracas, 1994).
Este recorrido cronológico trazará la evolución del singular enfoque de la abstracción de esta autora a través de sus formas orgánicas, estructuras lineales e investigaciones sistemáticas en torno al espacio. Entre las obras incluidas en la muestra habrá esculturas, dibujos, grabados, libros de artista y textiles desde comienzos de la década de 1950 hasta el inicio de los años noventa. Gego es una de las artistas más significativas de la segunda mitad del siglo XX en Latinoamérica. Con formación en arquitectura e ingeniería cursada en Alemania en 1939 huyó de la persecución nazi y emigró a Venezuela, donde inició su carrera artística. La exposición evidenciará las importantes aportaciones formales y conceptuales de Gego al arte moderno y contemporáneo, poniendo de relieve su interacción con movimientos artísticos transnacionales, tales como la Abstracción Geométrica, el Arte Cinético, el Minimalismo y el Posminimalismo.
El Museo agradece el enorme apoyo y la estrecha colaboración de la Fundación Gego y de sus directores, Tomás Gunz y Barbara Gunz, así como de su personal y su Junta Directiva, que generosamente han permitido el acceso irrestricto a la colección y los archivos de la Fundación.
Esta exposición forma parte de un recorrido más amplio presentado en el Museo Jumex, Ciudad de México; Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York; y Museo Guggenheim Bilbao.
Comisaria: Geaninne Gutiérrez-Guimarães
Gego en montaje de Reticulárea, Museo de Bellas Artes, Caracas, 1969 
Foto: Juan Santana 
© Fundación Gego

Gego: Midiendo el infinito

En el otoño de 2023, el Museo Guggenheim Bilbao presentará una exposición retrospectiva dedicada a la obra de la artista germano-venezolana Gego (Gertrud

Gego: Midiendo el infinito | Guggenheim Bilbao Museoa

16€ Adultos - 8€ Jubilados - 8€ Estudiantes

18€ Adultos - 9€ Jubilados - 9€ Estudiantes

La iniciativa TopARTE del Museo Guggenheim Bilbao se reafirma en su compromiso con las entidades y agentes culturales de nuestro entorno más próximo. El resultado de esta fructífera colaboración es un variado programa multidisciplinar rico en contenidos y formatos, y destinado a todos los públicos.
Así, en el marco de esta iniciativa se presentan en el Museo actividades que abarcan disciplinas tan diversas como la arquitectura, el cine, la danza, el diseño, la gastronomía, la música, la performance o el teatro.

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Exposiciones

Lynette Yiadom-Boakye. Ningún ocaso tan intenso

31.03.2023 - 10.09.2023

Oskar Kokoschka. Un rebelde de Viena

17.03.2023 - 03.09.2023

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao

24.01.2023 - 31.12.2023

Exposiciones

futuras

Aprendiendo a través del arte 2023

Yayoi Kusama: desde 1945 hasta hoy

Picasso escultor. Materia y cuerpo

Marine Hugonnier: Documentos de campo / Field Reports

Gego: Midiendo el infinito

Exposicionespasadas

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