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Olafur Eliasson: en la vida real

Audioguía

Descubre cómo fue la instalación y los entresijos del montaje de la exposición de Olafur Eliasson en este vídeo.

Montaje de la exposición

Como anticipo a la inauguración de su exposición Olafur Eliasson: en la vida real, el artista danés islandés habló acerca de su obra y su proceso creativo, así como sobre los numerosos proyectos multidisciplinares que desarrolla internacionalmente. 

Encuentros con artistas

Conoce a uno de los artistas más relevantes de nuestros días a través de sus palabras. Olafur Eliasson en primera persona desde el Museo Guggenheim Bilbao.

Declaraciones de Olafur Eliasson

IBERDROLA

Imágenes de la exposición en el museo

Sala 205

Sala 206

Sala 209

Sala 207

Sala 203

Sala 202

Sala 204

Sala 208

El Estudio Expandido

Little Sun

Earth Speakr

WeUsed.To

El artista danés-islandés Olafur Eliasson (n. 1967) sitúa la experiencia del espectador en el núcleo de su arte. Olafur Eliasson: en la vida real lleva nuestra atención hacia algunas de las cuestiones más candentes de la actualidad a través de una treintena de piezas realizadas entre 1990 y el momento presente: esculturas, fotografías, pinturas e instalaciones que juegan con reflejos y colores, y desafían la manera en que percibimos nuestro entorno y nos movemos en él. Empleando materiales como musgo, agua, hielo procedente de glaciares, niebla, luz o metales reflejantes, Eliasson anima a los visitantes a reflexionar en torno a la comprensión y percepción del mundo físico en el que están inmersos.
El arte de Eliasson procede de su interés por la percepción, el movimiento, la experiencia física y las sensaciones. Entre las claves de su práctica se incluyen su preocupación por la naturaleza, inspirada por el tiempo que pasó en Islandia; su investigación sobre la geometría; y sus indagaciones en curso sobre cómo percibimos, sentimos y damos forma al mundo que nos rodea. Su estudio de Berlín, Studio Olafur Eliasson, es un espacio de trabajo, pero también de encuentro y diálogo, que reúne a un equipo variado de experimentados artesanos, arquitectos, archiveros, investigadores, administradores, cocineros, programadores, historiadores del arte y técnicos especializados.
La práctica de Eliasson se extiende más allá de la obra de arte, la exposición y la intervención pública para incluir proyectos arquitectónicos. Convencido de que el arte puede tener un poderoso impacto sobre el mundo trascendiendo las fronteras del museo, Eliasson ha creado lámparas solares para comunidades sin electricidad, ha concebido talleres artísticos para refugiados y solicitantes de asilo, ha ideado instalaciones artísticas cuyo fin es incrementar la concienciación sobre la emergencia climática y en octubre de 2019 fue nombrado Embajador de Buena Voluntad del Programa de las Naciones Unidas para el Desarrollo. Según Olafur Eliasson, “el arte no es el objeto, sino lo que el objeto hace al mundo”.
Exposición organizada por Tate Modern en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao.
Comisarios: Mark Godfrey y Lucía Agirre

Olafur Eliasson

Otras miradas

Habitación para un color de Olafur Eliasson con Lucía Agirre

Olafur Eliasson: en la vida real. Visita a puerta cerrada con Lucía Agirre

Olafur Eliasson. Belleza con Lucía Agirre

Olafur Eliasson. Partícula de polvo de estrellas con Lucía Agirre

Olafur Eliasson. Pared de liquen con Lucía Agirre

Olafur Eliasson. La serie del deshielo de los glaciares 1999/2019 con Lucía Agirre

La instalación de Olafur Eliasson: en la vida real

El artista danés-islandés Olafur Eliasson (n. 1967) sitúa la experiencia del espectador en el núcleo de su arte. Olafur Eliasson: en la vida real lleva

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Jesse Jones: Temblad Temblad

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El programa Film &amp; Video del Museo Guggenheim Bilbao presenta prácticas artísticas vinculadas a la imagen en movimiento y explora la relación crítica entre las artes visuales, las instalaciones fílmicas y la cultura contemporánea en general.
En su práctica, Jesse Jones (Dublín, 1978) entrelaza la escenografía audiovisual con la escultura y la performance, examinando la materialización de la memoria colectiva y las distintas formas en que gestos, objetos y lenguajes se ofrecen a la experimentación artística. Temblad temblad fue producida originalmente en 2017 para el pabellón irlandés de la 57ª Bienal de Venecia y después se ha ido adaptando específicamente a distintas instituciones y galerías de Europa y Asia. Técnica y conceptualmente ambiciosa, la instalación se apropia de la figura histórica de la bruja como símbolo poderoso del Occidente moderno y como portadora de posibilidades poéticas y políticas.
Aunque fue creada en Irlanda en un momento de tensos debates en torno al aborto, y pese a que también remite a las protestas feministas de la Italia de los años setenta —cuando miles de mujeres coreaban el lema “Temblad, temblad, las brujas de vuelta están”—, la obra funciona como retrato de un arquetipo intemporal que trasciende la identificación nacional o étnica. De hecho, la poderosa bruja de Temblad temblad puede percibirse como la encarnación de un pensamiento mágico, de una transformación radical de lo real y el desencadenante de un caos cósmico. La elogiada actriz irlandesa Olwen Fouéré anima estremecedoramente a este carismático personaje mientras, más allá de la pantalla, en el espacio expositivo tiene lugar simultáneamente una actividad ritual: cada pocos minutos, una oficiante inscribe ruidosamente un círculo en una pared negra, al tiempo que un telón se desliza y divide el espacio como movido por una gigantesca y fantasmagórica mano. La verticalidad de las pantallas, exentas, panorámicas y enfrentadas, también podría aludir a la transmutación de los valores que realiza la bruja.
En el espacio de entrada a la sala hay una serie de objetos expuestos en vitrinas que son referencias clave dentro del proyecto de Jones, y también dentro del contexto de su investigación aún en marcha sobre prácticas rituales y mitologías asociadas a la brujería. De hecho, la historia del País Vasco, donde la Inquisición realizó brutales cazas de brujas y purgas de herejes durante los siglos xvi y xvii, ofrece un telón de fondo relevante para la presentación de la obra en Bilbao. Así, esta selección de objetos domésticos originarios de Gipuzkoa y Navarra y destinados a prácticas rituales y a creencias relacionadas con la hechicería dialoga con las demás piezas empleadas por la artista en sus indagaciones dentro y fuera del taller.
Jesse Jones, Temblad, temblad (Tremble Tremble, 2017), imagen de producción. Cortesía del artista. Fotografía: Ros Kavanagh
Temblad temblad fue originalmente encargada por Tessa Giblin y Culture Ireland en colaboración con el Arts Council of Ireland para el Pabellón de Irlanda de la 57ª Bienal de Venecia. Diseño de sonido y composición de Susan Stenger. Producción ejecutiva y programación audiovisual de Aaron Kelly.
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El programa Film &amp; Video del Museo Guggenheim Bilbao presenta prácticas artísticas vinculadas a la imagen en movimiento y explora la relación crítica En su práctica, Jesse Jones (Dublín, 1978) entrelaza la escenografía audiovisual con la escultura y la performance, examinando la materialización de la memoria colectiva y las distintas formas en que gestos, objetos y lenguajes se ofrecen a la experimentación artística

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Obras maestras de la Kunsthalle Bremen: de Delacroix a Beckmann

Vídeo de la exposición

Sala 305

Del Clasicismo al Romanticismo

Sala 306

Impresionismo y la escuela de Pont-Aven

Sala 307

Colonias y colectivos de artistas: Worpswede y Die Brücke / Expresionismo y Surrealismo

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Obras maestras de la Kunsthalle Bremen: de Delacroix a Beckmann narra la historia de esta colección alemana y su precoz dedicación al arte moderno a través de la yuxtaposición de obras de arte francesas y alemanas realizadas en el período comprendido entre el siglo XIX y la primera mitad del siglo XX. La exposición relata la excepcional historia de este museo, caracterizado por su sólido compromiso cívico, la intensa relación entre el coleccionismo privado y la tutela institucional, y una temprana labor de investigación profesional y de promoción del arte moderno. Este desarrollo histórico, específico de la ciudad de Bremen, sin embargo, refleja y, en ocasiones, cristaliza los debates que se produjeron tanto a nivel nacional e internacional en torno al arte moderno y su relevancia. La exposición pone de relieve la influencia que ejercieron sobre la colección de la Kunsthalle los discursos contemporáneos sobre el arte moderno y su recepción en Alemania, el primer país en adoptar el Impresionismo y el Posimpresionismo. Este complejo entramado de historias locales, tendencias nacionales y movimientos internacionales presenta una imagen vívida y singular del arte europeo creado entre el siglo XIX y la primera mitad del siglo XX.
La Kunstverein de Bremen fue fundada en 1823 por un grupo de ciudadanos comprometidos y amantes del arte con el objetivo expreso de mejorar el “sentido de la belleza” de la sociedad. Nacida de los humildes inicios de un grupo de aficionados y expertos en arte con ideas afines que se reunían para hablar sobre sus colecciones de grabados y dibujos, la membresía de la Kunstverein aumentó rápidamente cuando comenzó a organizar exposiciones públicas y a crear su colección, inaugurando su propio museo, la Kunsthalle Bremen, en 1849. Cincuenta años más tarde, en 1899, la sociedad nombró a su primer director científico, el historiador del arte Gustav Pauli. Su enfoque erudito refinó y realzó el perfil de la colección, que se había ido formando gracias a las donaciones privadas de sus miembros bajo la dirección de responsables no expertos. Pauli basó su política de adquisiciones en el diálogo dinámico entre el arte francés y el alemán, construyendo una historia de líderes y acólitos, de competencia y solidaridad, de admiración y rebelión y, en última instancia, de su propia identidad.
Esta es también la historia del progreso de una ciudad con conexiones globales que se ha ido forjando a lo largo de siglos de actividad empresarial y comercial, construcción naval y navegación marítima que evoca la peripecia del propio Bilbao.
Exposición organizada por Kunsthalle Bremen y el Museo Guggenheim Bilbao
Comisarios: Christoph Grunenberg, Director de la Kunsthalle Bremen y Petra Joos, Curator Museo Guggenheim Bilbao
Eva Gonzalès 
Muchacha al despertar [Erwachendes Mädchen], 1877–78 
Óleo sobre lienzo 
81,1 × 100,1 cm 
Kunsthalle Bremen – Der Kunstverein in Bremen 
Adquirido en 1960 
Inv. 827-1960/28
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La particular "Naturaleza" de la Kunsthalle Bremen

En 1823, se fundó la Kunstverein

Gustav Pauli

Los pintores románticos

Escuela de Barbizon

Pont-Aven

Worpswede

Die Brücke

Obras maestras de la Kunsthalle Bremen: de Delacroix a Beckmann narra la historia de esta colección alemana y su precoz dedicación al arte moderno a

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Soto. La cuarta dimensión

Sin título (Composición dinámica), 1950

Maqueta de "Muro óptico", 1951

Espiral, Serie Sotomagie, 1955

Sin título, 1958

Vibración negra, 1960

Sin título, 1961

Sin título, 1962

Penetrable blanco y amarillo, 1968

Vibración pura, 1968

Escritura muro negro, 1977

Penetrable, 1982

Esta exposición repasa, de manera retrospectiva, el trabajo de Jesús Rafael Soto (Ciudad Bolívar, Venezuela, 1923–París, 2005). Estructurada en torno a la concepción que este artista defendía de la experiencia estética en términos de temporalidad, intensidad y participación del espectador, Soto. La cuarta dimensión ofrece una oportunidad inusitada para reexaminar la trayectoria de una figura visionaria, que transformó el arte de la segunda mitad del siglo XX.
Durante su carrera, que se extendió a lo largo de cinco décadas, Soto desempeñó un papel fundamental en la redefinición del alcance y la función social de la obra de arte. Rompiendo con la convencional separación de pintura y escultura en los años cincuenta, su práctica se movió progresivamente más allá del ámbito visual para hacerse emblemática del giro radical que daría el objeto artístico en años posteriores. Trascendiendo la investigación óptica de sus inicios, pasaría a formar parte del primer grupo de artistas cinéticos en París —junto con Jean Tinguely, Iacov Agam y Victor Vasarely— y se asociaría igualmente con grupos experimentales de relevancia internacional, como Zero o el círculo formado en torno a la galería Signals en Londres.

Jesús Rafael Soto

Esta exposición repasa, de manera retrospectiva, el trabajo de Jesús Rafael Soto (Ciudad Bolívar, Venezuela, 1923–París, 2005). Estructurada en torno a la

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Thomas Weski, co-comisario de la exposición, conversa con el artista sobre su trabajo y esta retrospectiva que abarca más de cuatro décadas.

Un viaje completo por el innovador trabajo de uno de los fotógrafos europeos más influyentes de la posguerra.

Thomas Struth

Audioguia

Descifrando el universo

Charla

Lugares inconscientes

Retratos de familia

Archivo

Fotografías de museos

Público

Nuevas imágenes del Paraíso

Este lugar

Proyecto Berlín

La habitación del diente de león

Lee esto como si lo vieras por primera vez

Naturaleza & Política

Animales

La singularidad de las imágenes de Thomas Struth (Geldern, Alemania, 1954) procede de las cuestiones que el autor se formula a sí mismo —y plantea al observador— sobre la importancia del espacio público, el potencial de cohesión de los vínculos familiares, la relevancia de la naturaleza y la cultura, y los límites y posibilidades de las nuevas tecnologías. Struth logra traducir temas fundamentales, como la inestabilidad de las estructuras sociales y la fragilidad de la existencia, en imágenes de gran elegancia formal que requieren de la participación y la empatía del espectador. De este modo, el artista transforma al público de observador en aliado para indagar en los mismos valores sociales, éticos y humanos. Thomas Struth ofrece un completo recorrido a través de más de cuatro décadas de trabajo de este pionero fotógrafo alemán, poniendo de relieve las preocupaciones sociales que han propiciado la evolución de su influyente arte a lo largo de las diferentes fases de su carrera.
Esta presentación relaciona las ideas iniciales de Struth —reflejadas en el material de archivo que el artista ha reunido a lo largo de los años— con grupos de obras bien definidos, desde el primero, Lugares inconscientes, hasta conjuntos como Retratos de familia, Fotografías de museos, Público, Nuevas imágenes del Paraíso y Este lugar. Estos trabajos dialogan con otras creaciones, como Proyecto Berlín, un vídeo concebido en 1997 en colaboración con el videoartista Klaus vom Bruch, o las fotografías de paisajes y de flores que Struth creó para las habitaciones del Hospital Lindberg, posteriormente recopiladas en la monografía Dandelion Room (La habitación del diente de león), además de otros conjuntos de obras más recientes, como Naturaleza &amp; Política y Animales.
Las conexiones entre estos trabajos ponen de relieve la capacidad de Struth para combinar el análisis y la creación fotográfica a la hora de abordar múltiples temas y medios, en imágenes fotográficas de gran fuerza.
Exposición organizada por la Haus der Kunst, Múnich, en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao.
Comisarios: Thomas Weski y Lucía Agirre
Thomas Struth 
Kyoko y Tomoharu Murakami (Kyoko and Tomoharu Murakami), Tokio, 1991 
Impresión de tinta 
151 x 187 cm 
© Thomas Struth

Una mirada silenciosa y un arte que resuena

La música y el arte

Temas recurrentes

La mirada que escucha

La singularidad de las imágenes de Thomas Struth (Geldern, Alemania, 1954) procede de las cuestiones que el autor se formula a sí mismo —y plantea al

Thomas Struth | Guggenheim Bilbao Museoa

Audioguía: Jesper Just: Este espectáculo innombrable

Vídeo: Jesper Just: Este espectáculo innombrable

Jesper Just (Copenhague, 1974) es conocido internacionalmente por su ambiciosa utilización de recursos propios de las grandes producciones cinematográficas y su interés en reinterpretar, visual y materialmente, la estructura de una película. Explorando conceptos—como el voyeurismo, la vida urbanita o los conflictos de género—ligados íntimamente a la cultura del cine, el trabajo de Just sitúa las imágenes en un marco expandido donde adquieren una dimensión casi arquitectónica, a la vez que ponen de manifiesto su gran poder social.
La videoinstalación de dos canales Este espectáculo innombrable [This nameless spectacle, 2011] toma su título del poema “The Right of Way” del escritor americano William Carlos Williams, quien elogia la fascinante belleza de las situaciones anodinas que llenan nuestra vida cotidiana: ese “espectáculo sin nombre” de los pequeños fenómenos que se presentan ante nuestra mirada en un día y un lugar cualquiera. Mirados de cerca, estos hechos triviales resultan ser portadores de una desarmante belleza, de un enigma perturbador o de una verdad olvidada. El film de Just, dividido en dos flujos paralelos de tiempo y dos monumentales pantallas enfrentadas, nos ofrece una acción difícil de describir; una hipotética cadena de causas y efectos que nos dejan solamente presumir ciertas relaciones posibles. Dos personajes coinciden brevemente en su itinerario por el barrio parisino del Parque Buttes-Chaumont e intercambian miradas. Su mutuo escrutinio se repite entre las ventanas opuestas de sus apartamentos, hasta que uno de ellos sufre una crisis cuyo desencadenante podría tener algo que ver con el acto de mirar o ser mirado o quizás con el fuerte reflejo del sol. La ambigüedad de este acontecimiento es exacerbada por la del personaje protagonista que encarna la actriz y cantante transgénero Marie-France Garcia.
La obra de Just plantea, por medio del doble dispositivo panorámico, una lectura del urbanismo moderno y sus formas así como de la propia historia del ojo cinematográfico, jugando con las equivalencias de la mirada en movimiento y el panning shot. Igualmente, subraya los sutiles desajustes existentes entre la visión del público y las imágenes mismas, como piezas sueltas de un rompecabezas incompleto. El carácter mínimo de la historia contrasta con su atmósfera de dramatismo casi hitchcockiano, mientras que la falta de palabras o descripciones de la acción redunda en el anonimato de los personajes.
Curator: Manuel Cirauqui
Este espectáculo innombrable (This Nameless Spectacle), 2011 
HD, Videoinstalación de dos canales en dos pantallas enfrentadas 
Duración: 00:13:00 | 00:13:00 
Edición de 7 
Cortesía de Perrotin 
© Jesper Just

Jesper Just: Este espectáculo innombrable

Jesper Just (Copenhague, 1974) es conocido internacionalmente por su ambiciosa utilización de recursos propios de las grandes producciones

Jesper Just: Este espectáculo innombrable | Guggenheim Bilbao Museoa

El pueblo y la ciudad, representación y experiencia, de lo evocador a lo estructural. Nos hemos distanciado de nuestro entorno para observar la infinidad que nos envuelve y nos hemos aproximado para no descuidar los pequeños matices. Hemos compartido vivencias, nos hemos encontrado en las experiencias comunes y eso nos ha permitido traducir esas ideas desde lo aparente, desde lo formal, en diversas obras.
Iñaki Gracenea

Artistas

Gracenea, Iñaki

Las características de este programa ayudan al alumnado a comprender ciertos temas a través de un enfoque más libre y a la vez complejo. La continuidad de las sesiones nos ha ayudado a indagar sobre las variantes de un mismo tema; nos ha dado la posibilidad de repetir, variar o probar ejercicios, de errar y de ver la evolución de todo el trabajo. El alumnado ha aprendido a trabajar en un proyecto a lo largo de un período de tiempo, dejando a un lado la inmediatez tan sobrevalorada actualmente. Los escolares han descubierto nuevas formas de crear, con las que han tenido que tomar iniciativas propias.
Zaloa Ipiña

Ipiña, Zaloa

Han aprendido a mirar los objetos de su entorno más cercano con visión artística y, de esta manera, han sido capaces de encontrar oportunidades donde aparentemente no las hay. Hemos trabajado con materiales del ámbito escolar: forro de libros, rotuladores, reglas, mapas…, objetos con los que están familiarizados; de esta manera, han descubierto la importancia del concepto a la hora de crear. Después de aprender y practicar varias técnicas, hemos generado las diferentes piezas que se incluyen en la exposición. Ha sido una auténtica delicia acompañarles en este proceso creativo gracias a su disposición y, sobre todo, a la implicación del profesorado.
Nerea Lekuona

Lekuona, Nerea

La vuelta al cole ha sido una experiencia muy curiosa y positiva. Hemos trabajado grupalmente (los alumnos, el profesor y yo mismo) en dinámicas vinculadas con la idea de boicot, lo experimental y el error con las que hemos pretendido llegar a nuestras propias respuestas, sin mayor juicio de valor sobre ellas. Así, dejándonos llevar¡ por la experiencia, hemos logrado superar conceptos convencionales, preguntándonos acerca de cómo saber demostrar lo que sabemos.
Karlos Martínez Bordoy

Martínez Bordoy, Karlos

Trabajar con niños requiere un acondicionamiento del lenguaje y del discurso artístico. Este proceso se vuelve una experiencia rica y estimulante solo por el hecho de intentar mostrar lo que hacemos con otras palabras, pero los mismos conceptos. Cualquier tema a priori complejo se vuelve fácil encontrando las palabras adecuadas. La capacidad de experimentación plástica en la infancia es innata. Para el niño, el lenguaje plástico, dibujar, modelar, es un juego.
Manu Muniategiandikoetxea

Muniategiandikoetxea, Manu

La imaginación no solo es una vía de escape, es un motor poderosísimo como fuente de la creatividad misma; es una de nuestras herramientas más valiosas de expresión, comunicación, autoconocimiento y transformación, que debemos cuidar e ir ampliando, para que forme parte de todos nosotros, porque no cambiará el mundo, pero sí cambiará a las personas que pueden hacerlo. Damos por hecho que debe existir, que es algo importante, básico; y, sin embargo, es intangible, ingobernable y poco o nada predecible: la creatividad debe formar parte de esta sociedad, pero muchas veces, debido a su inoperancia, se puede vivir por inercia.
Jorge Rubio

Rubio, Jorge

¿Cómo vamos construyendo nuestra identidad, nuestras diferencias, sin dejar de formar parte y de reconocernos en el grupo? El paso de la niñez a una edad adolescente es un proceso complicado, en el que dejamos atrás muchas cosas y nos abrimos a otras nuevas, no sin miedos. Este curso nos hemos observado a nosotros mismos y a nuestro alrededor, y en ese proceso no solo hemos descubierto nuestro entorno, ¡sino que nos hemos asomado a Nueva York! Nos hemos dibujado y nos hemos inventado. Hemos creado cuadernos de campo y nos hemos retratado con cámaras analógicas, hemos fotografiado también a nuestras familias y nuestro entorno. Y hemos disfrutado tanto de nuestras similitudes como de nuestras diferencias.
Ixone Sádaba

Sádaba, Ixone

Estimular las capacidades creativas y la imaginación de los escolares; despojarles de la inseguridad y del miedo a soltarse; convencerles de que ellos también son artistas en potencia&#8230; ¡claro que sí! Solo es cuestión de que se den las circunstancias que lo permitan, y el programa Aprendiendo a través del arte lo propicia. Los chicos y chicas de 5º curso de Paula Montal, en Vitoria-Gasteiz, han sido los afortunados protagonistas de esta magnífica experiencia. Ha sido necesario encontrar un paréntesis en el exigente programa curricular del centro para hacerlo posible, pero consideramos que la experiencia ha merecido la pena. Resulta muy gratificante comprobar los resultados.
Ibon Sáenz de Olazagoitia
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Sáenz de Olazagoitia, Ibon

En estos talleres, ha sido determinante utilizar materiales y técnicas diferentes a los habituales y no caer en ideas preconcebidas sobre el arte. La práctica creativa tiene la asombrosa capacidad de sacar a la luz temas y conceptos aparentemente ocultos, así como preocupaciones y razones que en el día a día pasan desapercibidas. Empezamos a trabajar con estas premisas, para aprender juntos, partiendo de lo que ya sabemos. Este tipo de iniciativas requieren dedicar una atención especial a cada alumno, pero resultan vitales para que su capacidad creativa les lleve a ser parte de una sociedad más sana, que ellos mismos puedan contribuir a cambiar. Esto es algo que está en nuestras manos.
Manu Uranga

Uranga, Manu

Audioguía: Aprendiendo a través del arte 2019

Ángeles Custodios

Proyecto: Lenguaje e identidad

Deusto

Proyecto: Matemáticas cotidianas

Paula Montal

Proyecto: Alimentación saludable

San Ignacio

Proyecto: Miradas a la naturaleza

Munoa

Proyecto: Un grupo, miradas diversas

San José de Donostia

Proyecto: Ciudades y pueblos

Zorroza

Proyecto: Hacer y deshacer

Sansomendi

Proyecto: Letras diversas

Sasoeta-Zumaburu

Proyecto: Consumo sostenible

El arte como herramienta de trabajo
Dialogar sobre arte y participar en el proceso creativo de la mano de un artista permite a los escolares de Primaria abordar los temas curriculares desde una perspectiva diferente.
Este programa educativo sitúa en colegios a nueve artistas: Iñaki Gracenea, Zaloa Ipiña, Nerea Lekuona, Maider López, Karlos Martínez Bordoy, Manu Muniategiandikoetxea, Jorge Rubio, Ibon Sáenz de Olazagoitia y Manu Uranga donde trabajan en estrecha colaboración con los profesores de los centros.
Muchos escolares aprenden mejor cuando el aprendizaje es más activo y cuando hay mayores posibilidades de elección. En este programa de 20 semanas de duración se hacen preguntas, se despierta la curiosidad, se exploran nuevas ideas inspiradoras y se experimenta la emoción de descubrir.
Cada proyecto es único y está personalizado, ha sido diseñado de forma abierta y redirigido sobre la marcha para ajustarse lo máximo posible a las habilidades e intereses de cada persona. A menudo implica dar espacio a la improvisación, al juego, la exploración, la investigación, el experimento y el error. El proceso artístico en el que los estudiantes se embarcan les lleva a pensar, valorar, elegir, probar, dudar, divertirse, perderse, bloquearse y, por supuesto, errar, ya que sin error no hay avance.
Cuando termina el curso, llega la puesta en escena del proceso creativo. En todo desarrollo artístico, la exposición pone el broche final: el público percibe y recibe lo creado, y el ciclo llega a su término. Como cada verano, el Espacio educativo del Museo se llena de obras. En esta ocasión, entre el 18 de junio y el 15 de septiembre, el público podrá contemplar las obras expuestas, presentadas en varias secciones: Letras, en la que el lenguaje, el vocabulario y la escritura han sido parte fundamental; Reciclaje y consumo, que engloba distintas obras fruto de la reflexión en torno a estos temas; Mapas, arquitecturas y naturaleza, que incluye vistas de pájaro, recorridos y maquetas de diferentes espacios; y Fotografías y películas, que reúne paisajes y personas, animaciones stop-motion, performances y otras creaciones. Los escolares tienen la oportunidad de asistir a la inauguración de esta muestra, junto a sus profesores y los artistas que han trabajado con ellos. Ver sus obras expuestas en el Museo es la culminación de un año de emociones; supone una inyección de autoestima y de reconocimiento que muchos no olvidarán.
<a href="https://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2019/06/Boletin-AA-19.pdf">DESCARGAR CATÁLOGO</a>

Intercambio Bilbao–New York

El programa

La Historia

Aprendiendo a través del arte 2019

El arte como herramienta de trabajo Dialogar sobre arte y participar en el proceso creativo de la mano de un artista permite a los escolares de Primaria

Aprendiendo a través del arte 2019 | Guggenheim Bilbao Museoa

Gerhard Richter

En las últimas cuatro décadas, Gerhard Richter (Dresde, Alemania, 1932) ha sido considerado como uno de los artistas más influyentes de nuestro tiempo, un reconocimiento que ha logrado sin haberse restringido a un estilo determinado. Su variadísima producción incluye tanto escultura como pintura, y su trabajo en este último ámbito va desde los paisajes hasta las abstracciones llenas de color o los cuadros grises monocromos. El modo en que Richter manipula las numerosas convenciones pictóricas refleja su interés por la naturaleza de la observación en sí misma y por los modelos perceptivos que empleamos para conceptualizar nuestro mundo.

Richter, Gerhard

MARINA (SEESTÜCK), 1968

MARINA (GRIS) [SEESTÜCK (GRAU)], 1969

MARINA (NUBLADO COLOR OLIVA) [SEESTÜCK (OLIV BEWÖLKT)], 1969

MARINA (VERDE-GRISÁCEO, NUBLADO) [SEESTÜCK (GRÜNGRAU, BEWÖLKT)], 1969

MARINA (SEESTÜCK), 1998

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En 1968 el artista alemán Gerhard Richter pintó la primera de sus obras tituladas Marina (Seestück). Tres décadas y una veintena de óleos separan aquel lienzo de la última marina que el artista realizó, en 1998, que pertenece a la Colección del Museo Guggenheim Bilbao. A lo largo de todos estos años, hemos ido viendo cómo estos paisajes adoptaban diferentes tamaños y formatos, y se presentaban con diversos colores y estilos; a una marina abstracta en la que apenas se intuye la línea del horizonte le siguen otras en las que al fotorrealismo del cielo solo se contrapone una ambigua luz. Los cielos, inmensos, ocupan gran parte del lienzo y solo en dos ocasiones su superficie es superada por la del mar; el horizonte se revuelve con formaciones nubosas de cirros, cúmulos o estratos, o se muestra en absoluta calma.
Estas obras contienen alusiones a lo épico del paisaje, y también a lo reconocible o lo engañoso que podemos encontrar en él; además, remiten al mismo tiempo a la tradición y a la ruptura con ella. Una marina de Richter es mucho más que una representación del mar; es una invitación a la contemplación de una ilusión, que quiebra las reglas de la naturaleza, para hacerla más bella, más sublime y, sobre todo, perfecta. Estos paisajes toman como punto de partida un collage que proviene de dos fotografías diferentes, una del cielo y otra del mar, para crear así la imagen ideal, una composición ilusoria en la que la perspectiva y la luz tienen algo que nos atrapa. La superficie lisa de estas pinturas, semejante a la de las fotografías, se consigue mediante una técnica de desdibujado con escobillas de goma que posibilita aplicar el pigmento muy diluido.
Muchos autores relacionan estas creaciones de Gerhard Richter con la obra de Caspar David Friedrich; y el propio artista ha afirmado al respecto en una entrevista: “Mis paisajes tienen conexiones con el Romanticismo: a veces siento un auténtico deseo, una atracción, hacia ese período, y algunas de mis pinturas son un homenaje a Caspar David Friedrich”. Pero, si bien tanto la obra de Friedrich como la de Richter nos enfrentan a lo sublime de la naturaleza, la escala monumental de los cuadros de Friedrich se hace evidente a partir de la figuración humana que introduce en ellos, mientras que en los paisajes de Richter el propio espectador se convierte en la referencia que permite deducir la escala de sus marinas.
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<div class="page__header nav__header">Gerhard Richter 
Marina (nublado color oliva) [Seestück (oliv bewölkt)], 1969 
Óleo sobre lienzo 
80 x 100 cm 
Colección particular, Italia 
© Gerhard Richter 2019 (0058)</div>
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MARINAS

Gerhard Richter: Marinas

En 1968 el artista alemán Gerhard Richter pintó la primera de sus obras tituladas Marina (Seestück). Tres décadas y una veintena de óleos separan aquel

Gerhard Richter: Marinas | Guggenheim Bilbao Museoa

18€ Adultos - 9€ Jubilados - 9€ Estudiantes

La iniciativa TopARTE del Museo Guggenheim Bilbao se reafirma en su compromiso con las entidades y agentes culturales de nuestro entorno más próximo. El resultado de esta fructífera colaboración es un variado programa multidisciplinar rico en contenidos y formatos, y destinado a todos los públicos.
Así, en el marco de esta iniciativa se presentan en el Museo actividades que abarcan disciplinas tan diversas como la arquitectura, el cine, la danza, el diseño, la gastronomía, la música, la performance o el teatro.