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Exposiciones

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Exposiciones | Guggenheim Bilbao Museoa

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomía del espacio

Charla inaugural

Audioguía

Plano audioguía

Maria Helena y Arpad

La anatomía del espacio

Jaque mate: bailarines, jugadores de ajedrez, jugadores de cartas

La Segunda Guerra Mundial desde Río de Janeiro

El regreso a París

Ciudades reales e imaginadas

Exteriores e interiores

Tonos de blanco

Maria Helena Vieira da Silva nace el 13 de junio de 1908 en el seno de una familia acomodada. Al fallecer su padre cuando ella tiene solamente 2 años, su madre la criará con la ayuda de su entorno familiar. Vieira da Silva crece en un ambiente donde se aprecia el arte y el teatro, desarrollando un gusto por la música que dejará en ella una impronta duradera. Estudia pintura y dibujo en la Academia de Bellas Artes de Lisboa y en 1928 se traslada a París para continuar su formación en la Académie de la Grande-Chaumière, donde conocerá a su futuro marido, el pintor húngaro Arpad Szenes. Ambos residen en París hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, que los lleva a refugiarse en Río de Janeiro; siete años después, regresan a París. Ya a finales de la década de 1950, las complejas abstracciones de Vieira da Silva le otorgan fama y reconocimiento. La artista seguirá pintando hasta bien entrados los años ochenta. Habiendo recibido numerosas distinciones, entre ellas su nombramiento como Commandeure de l’ordre des Arts et des Lettres por parte del Gobierno francés en 1960, la artista fallece en París el 6 de marzo de 1992.
Esta exposición recorre la producción de Vieira da Silva comprendida entre las décadas de 1930 y 1980 centrándose en su interés por el paisaje arquitectónico y en el papel que desempeña la memoria en su obra. Fundamentan la muestra una selección de pinturas clave que revelan el despliegue constante e iterativo de formas abstractas e ilusiones ópticas en su trayectoria. Otro aspecto clave que aquí se aborda es la relación entre abstracción y figuración en su trabajo, tal y como se manifiesta en sus espacios arquitectónicos, donde se desdibuja la distinción entre paisaje urbano real e imaginado. Las creaciones de la artista incorporan diversos estilos e influencias, como la geometría decorativa de los azulejos hispanoárabes, los manteles de cuadros que aparecen en las pinturas de Pierre Bonnard o la abstracción propia del Cubismo y del Futurismo. Su personal vocabulario está compuesto de tableros de ajedrez, entramados de líneas entrecruzadas, perspectivas esquivas y espacios que se desvanecen, lo que sugiere, como ella misma afirmó, que “una pintura nunca está terminada”.
La obra de Vieira da Silva ha estado históricamente muy ligada tanto al legado de Peggy Guggenheim como al de Solomon R. Guggenheim. Fue una de las 31 artistas que Peggy Guggenheim incluyó en su exposición 31 Women, celebrada en 1943 en su museo/galería Art of This Century; y Hilla Rebay fue una de sus primeras valedoras, adquiriendo en 1937 el cuadro Composición (1936) para la Colección Fundacional de Solomon R. Guggenheim.
Vieira da Silva habló pocas veces de su trabajo. Al respecto, decía: “Los pintores podemos sonar estúpidos cuando hablamos. Sabemos muchas cosas, pero hablamos a través de nuestras pinturas”. Sin embargo, en una ocasión se vio obligada a explicar su método; esbozó entonces una certera síntesis: “En general, no me gustan las obras que hacen alarde de su dificultad. Prefiero esas otras obras refinadas que nos permiten presentir, adivinar desde lejos, la complejidad de las cosas del mundo”.
Sala: 105 
Comisaria: Flavia Frigeri 
Sedes: Peggy Guggenheim Collection, Venecia; Museo Guggenheim Bilbao
 
Maria Helena Vieira da Silva (1908 – 1992) 
Figura de ballet (Figure de ballet), 1948 
Óleo y grafito sobre lienzo, 27 × 46 cm 
Cortesía de la Galerie Jeanne Bucher Jaeger, París - Lisboa 
N.º de inventario: CR587

Maria Helena Vieira da Silva

El estudio de la artista

Maria Helena Vieira da Silva nace el 13 de junio de 1908 en el seno de una familia acomodada. Al fallecer su padre cuando ella tiene solamente 2 años, su

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomía del espacio | Guggenheim Bilbao Museoa

Conferencia inaugural: Sky Hopinka

Sky Hopinka

Sky Hopinka explora la cultura, la historia y las creencias tradicionales indígenas a través de temas como la identidad, la memoria, el lenguaje y el mito. Perteneciente a la nación Ho-Chunk de Wisconsin y descendiente de la Banda Pechanga, del pueblo de los luiseños del sur de California, Hopinka nació y creció en Ferndale, Washington (EE. UU.). El Pacífico noroccidental ocupa un lugar destacado en la obra artística de Hopinka, especialmente cuando profundiza en la investigación de conceptos como la patria, la identidad personal y el paisaje. Sus películas proponen una reflexión sobre las complejidades de la vida indígena contemporánea, al fusionar el cine no narrativo, la poesía y las imágenes abstractas con un enfoque etnopoético, una reacción contra la mirada etnográfica que durante mucho tiempo ha cosificado las culturas indígenas en el formato audiovisual.
El cine etnopoético analiza temas de identidad cultural, desplazamiento y experiencia cotidiana mediante una combinación de técnicas fílmicas documentales y experimentales, resaltando así los aspectos artísticos y performativos de la expresión cultural. Resulta clave en el trabajo de Hopinka un profundo compromiso con el relato desde su perspectiva indígena, una narrativa largo tiempo relegada en el canon occidental. Como explica el artista: “Mi deseo de hacer películas respondía en parte a la necesidad de contar historias indígenas que fueran propias de mi comunidad y de mi identidad”.
En Desmayos (2018), Hopinka explora la historia de la creación de la Xąwįska o planta de pipa de indio, también conocida como "flor fantasma" o "planta cadáver". El pueblo Ho-Chunk ha utilizado tradicionalmente esta planta medicinal para reanimar a quienes se desmayaban; también es emblemática de la identidad, el conocimiento y las culturas indígenas. Además, su simbolismo se puede relacionar con los ciclos de la vida y la muerte, y con el mundo espiritual. A pesar de su amplia investigación, Hopinka no logró encontrar un mito relativo a esta planta que determinara sus orígenes, por lo que él mismo ideó uno, contribuyendo así a la práctica de creación y preservación de mitos de su propia cultura indígena.
Este cortometraje de tres canales comienza con un poema manuscrito que va surcando escenas de un colorido paisaje en expansión, acompañadas de evocadora música. El poema, que también se encuentra rotulado, habla directamente a la Xąwįska, que más adelante aparece personificada como una figura envuelta en una capa y nos lleva a recorrer el mundo de los espíritus en diferentes estados de conciencia. En la obra, filmada en Washington, Colorado, Wisconsin, Oregón y Nuevo México, Hopinka genera una narrativa de ensoñación al combinar música, poesía, sonido, color e imágenes en una experiencia inmersiva única, específicamente adaptada en esta ocasión para el Museo Guggenheim Bilbao.
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Poema Desmayos (2018)
Xąwįska, Planta Fantasma, te has desmayado otra vez. 
Arranqué una flor de tu hombro 
y la aplasté entre mis dedos 
hasta que se convirtió en un amasijo gris claro. 
Le prendí fuego y soplé el humo en tu cara. 
Mientras esperaba a que te despertaras, pensé en las veces en que tu 
risa me despertaba de soñar despierto. 
¿Qué son esos verdiazules, esos naranjas, esos rosados? 
¿Ese torbellino de humo que te ruega que te eleves? 
Siempre he querido hacer estas preguntas. 
Cuando por fin ascendiste, soplaste el humo hacia tus manos 
y hablaste de mi madre.
Xąwįska, llevas sentada fuera demasiado tiempo. 
La noche está cayendo y los espíritus pueden vernos. 
Es hora de irse a casa. 
Me habías dicho: “Cuando veas los robles rojos, sigue la orilla del agua. 
Más adelante, verás que el río se bifurca: 
allí hallarás una hermosa parcela. 
Cualquier cosa brillante que lleves en las manos, quítatela; 
también si llevas algo colgado al cuello o en el resto de tu cuerpo, 
y nada hasta la orilla más cercana".
Xąwįska, te has desmayado otra vez. 
He intentado revivirte como yo aprendí. 
Pero no hay manera de que despiertes. Ahí sigues, inmóvil. 
Tú me enseñaste a cantar las canciones de nuestros hermanos 
para que nuestros parientes nos reconocieran. 
“¡Nuestras voces se oirán tan alto que llegarán al cielo!” 
Eso es lo que me dijiste. Eso es lo que recuerdo.
Xąwįska, has caído otra vez. Arranco flores de tu hombro, 
de tu brazo, de tu pierna. 
Las machaco y hago una pasta y le prendo fuego. 
Xąwįska, qué callada estás. 
Estoy junto a ti y respiro una bocanada llena de tu humo. 
Exhalo sobre ti. 
Ardes y te vuelves ceniza y te derrumbas. 
Me quedo solo otra vez. 
Pienso en aquel lugar del que una vez me hablaste, 
en la bifurcación del río, con los robles, 
mientras el cielo se vuelve rojo. 
Me he quedado aquí hasta ahora. 
Llevo aquí mucho tiempo. 
Ahora, yo mismo vagaré bordeando la orilla del lago.
Sala: 103 
Comisaria: Geaninne Gutiérrez-Guimarães
 
Sky Hopinka 
Desmayos (Fainting Spells), 2018 
Video de tres canales en color, con sonido, 9 min, 45 s 
A.P. 1/2, edición de 3 
Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, adquirido con fondos aportados por el Photography Council 
© Sky Hopinka

Biografía Sky Hopinka

Sky Hopinka, Desmayos

Sky Hopinka explora la cultura, la historia y las creencias tradicionales indígenas a través de temas como la identidad, la memoria, el lenguaje y el

Sky Hopinka, Desmayos | Guggenheim Bilbao Museoa

Barbara Kruger

Occident

Sala 205

Sala 206

Sala 207

Sala 209

Sala 203

Sala 202

El Museo Guggenheim Bilbao presenta la primera retrospectiva completa en España de la artista estadounidense Barbara Kruger, quien ha seducido al público a lo largo de más de cinco décadas con una obra audaz que incita a la reflexión. Esta exhaustiva muestra explora cómo Kruger utiliza el poder de las palabras y las imágenes para cuestionar las estructuras que configuran nuestras vidas: la identidad, el deseo, la verdad y el control.
Desde el inicio de su carrera, Kruger ha abordado críticamente cómo funciona el lenguaje en los medios de comunicación, en la política y en nuestros diálogos internos. Inspirándose en las estrategias visuales de la publicidad, emplea frases concisas y asertivas para componer textos en blanco y negro remarcados en rojo o verde; pero, en lugar de vender productos, sus obras reivindican un pensamiento crítico. Frases como “Tu cuerpo es un campo de batalla” o “Compro, luego existo” se han convertido en referentes culturales que suscitan cuestiones de importancia apremiante sobre el género, el consumo y el poder.
Esta exposición reúne obras que recorren toda su carrera: sus primeras composiciones con imágenes y textos (paste-ups), mensajes impresos en vinilo a gran escala, videoinstalaciones, intervenciones sonoras y piezas de ubicación específica creadas expresamente para el Museo Guggenheim Bilbao. A medida que avanzamos por las salas, el arte de Kruger va desplegándose en los suelos, paredes y pantallas, sumergiéndonos en un ambiente visual y sonoro cargado de intensidad. Su obra no solo pide ser contemplada, sino que induce a experimentar, afrontar y cuestionar.
En diálogo con la propia historia lingüística y cultural de Bilbao, Kruger ha creado obras en español y euskera que exploran cómo la lengua determina quiénes somos y cómo nos relacionamos. En sus propias palabras: “El lenguaje es una fuerza poderosa... y nos define”. En una época en que la información es incesante y la verdad parece cada vez más inestable, el arte de Kruger nos anima a reducir nuestro ritmo, leer con atención y pensar en profundidad. Con un sentido de urgencia, ingenio y precisión formal, nos recuerda que las imágenes hablan, y lo mismo debemos hacer nosotros.
Salas: 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller
 
Barbara Kruger 
Untitled (Forever), 2017/2025. Impresión digital sobre vinilo. Vista de la instalación Barbara Kruger: Another day. Another night. Museo Guggenheim Bilbao, 24 de junio–9 de noviembre, 2025. Cortesía de la artista y Sprüth Magers

Proyectos públicos

Objetos cotidanos

En el museo

Vídeo de la Exposición

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de Barbara Kruger: Another day. Another night. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

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Barbara Kruger: Another day. Another night.

El Museo Guggenheim Bilbao presenta la primera retrospectiva completa en España de la artista estadounidense Barbara Kruger, quien ha seducido al público

Barbara Kruger: Another day. Another night. | Guggenheim Bilbao Museoa

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao

Sala 305. Abstracción y espacio

Sala 306. Gesto y acción

Sala 307. Arte y lenguaje

Sala 304. El Anatsui

Sala 301. Yayoi Kusama

Sala 302. Arte y conflicto

Sala 303. Ecos del Arte Pop

Con esta nueva exposición, el Museo Guggenheim Bilbao presenta la ampliación de sus fondos gracias a sus recientes adquisiciones, a las donaciones de la D.Daskalopoulos Collection y la Fundación Al Held, así como al depósito a largo plazo de medio centenar de piezas de la Colección Inge Rodenstock. Estas incorporaciones fortalecen la representación de movimientos y figuras fundamentales del arte de la segunda mitad del siglo XX, como Jean-Michel Basquiat, Yves Klein, Jeff Koons, Antoni Tàpies, Cy Twombly o Andy Warhol, y amplían las líneas narrativas de la Colección mediante la introducción de distintos estilos y nombres, como Hanne Darboven, Al Held, Damien Hirst, Martin Kippenberger o Robert Ryman, entre otros. Así, este conjunto de obras supone una aportación extraordinaria para la institución, que permite poner de relieve singulares vínculos entre artistas, movimientos y épocas.
A excepción de las salas 301 y 304, dedicadas a un único artista —Yayoi Kusama y El Anatsui, respectivamente—, todos los espacios se conciben como presentaciones corales independientes que propician una multiplicidad de lecturas y diálogos inéditos entre las piezas de la Colección. Esta estrategia refuerza el compromiso del Museo con la creación de un relato dinámico y plural que refleje la riqueza y complejidad del arte contemporáneo, y contribuya a la investigación y difusión de la historia del arte desde los años cincuenta hasta hoy.
Esta exposición se ha concebido respetando el diseño original del edificio planteado por Frank Gehry, de modo que la configuración arquitectónica sea parte activa y fundamental de la experiencia artística.
Comisaria: Marta Blàvia
Andy Warhol 
Ciento cincuenta Marilyns multicolores (One Hundred and Fifty Multicolored Marilyns), 1979 
Acrílico y serigrafía sobre lienzo 
201 x 1,055 x 6 cm 
Guggenheim Bilbao Museoa

Colecciones en diálogo

Con esta nueva exposición, el Museo Guggenheim Bilbao presenta la ampliación de sus fondos gracias a sus recientes adquisiciones, a las donaciones de la

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao | Guggenheim Bilbao Museoa

Mark Leckey. Y la ciudad se alzaba en todo su esplendor es la segunda exposición del programa del Museo Guggenheim Bilbao in situ, que invita a artistas a crear obras expresamente para la sala 208 en interacción con la arquitectura del espacio. Planteando una intersección entre cultura popular, tecnología y memoria colectiva, Mark Leckey (Birkenhead, Reino Unido, 1964) recontextualiza imágenes históricas para generar un diálogo entre pasado y presente. Su trabajo supone una reflexión sobre la nostalgia y la clase social, e indaga en la manera en que los medios y la tecnología definen nuestro sentido de identidad y pertenencia.
Leckey creció en las inmediaciones de Liverpool a finales de la década de 1970 y durante los años ochenta, y se hizo adulto en medio del declive de los núcleos industriales de Inglaterra y de las fragmentaciones sociales que trajo consigo. Las fábricas cerraban, las comunidades se dividían y la cultura de masas que la televisión y la publicidad contribuían a difundir se configuró como un nuevo tipo de paisaje. En ese clima convulso y mediatizado nace la fascinación del artista por la forma en que imágenes, sonidos y tecnologías conforman una imaginación y un sentido de pertenencia compartidos.
Para esta exposición, Leckey se inspira en la pintura de Sassetta Ciudad junto al mar (1424), uno de los primeros paisajes del arte occidental en el que un entorno urbano se convierte en el tema principal. La obra muestra, en un espacio geométricamente complejo pero aplanado, una localidad medieval fortificada que se erige en una colina. Según Leckey, “la ciudad trasciende las leyes de la física; es una ciudad del pasado y del futuro”. Su interpretación parte de la imagen bidimensional para llegar a la forma escultórica, habitando el umbral entre la realidad material y el ámbito de lo inmaterial, lo real y lo imaginario.
En las paredes de la sala se proyecta la imagen de una figura mitad hombre mitad bestia, que merodea más allá de los límites de la ciudad. Esta criatura se inspira en el cuadro de William Blake Nabucodonosor (1795–ca. 1805), que presenta a un hombre abatido, a medio camino entre lo humano y lo animal, lo terrenal y lo sobrenatural.
La instalación visualiza cómo el espacio físico, el sonido y la luz confluyen con fuerzas intangibles —sistemas digitales, inteligencia artificial, experiencia trascendente—y generan una fluctuante sensación de transformación e inestabilidad. Conjugando elementos materiales e inmateriales, Leckey crea un lugar donde lo visible y lo invisible chocan en un encuentro que es a la vez inmediato, extraño y trascendente.
Salas: 204, 208 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller
Mark Leckey 
Vista de la instalación, O’ Magic Power of Bleakness, Tate Britain, Londres, 24 de septiembre - 5 de enero de 2020. 
Fotografía de Mark Blower, cortesía del artista, Cabinet Gallery London y Tate.

in situ: Mark Leckey. Y la ciudad se alzaba en todo su esplendor

Mark Leckey. Y la ciudad se alzaba en todo su esplendor es la segunda exposición del programa del Museo Guggenheim Bilbao in situ, que invita a artistas a

in situ: Mark Leckey. Y la ciudad se alzaba en todo su esplendor | Guggenheim Bilbao Museoa

Iberdrola

Arraigada en el marco estratégico para la Sostenibilidad Ambiental del Museo Guggenheim Bilbao, la exposición Artes de la Tierra plantea una relectura del arte orientado al medioambiente de las últimas décadas. Además de brindar una nueva cartografía multidisciplinar y diversa de las formas artísticas, la muestra quiere también ofrecer un inventario de herramientas, posibilidades y futuros. Artes de la Tierra toma la preocupación actual por la salud de nuestro planeta y en particular por la supervivencia del suelo en tanto que elemento vivo, plástico y matriz, como eje vertebrador de un recorrido por manifestaciones artísticas que atraviesan todas las geografías. Un trazado que conecta artefactos hechos con tierra, madera, hojas, raíces y plantas —medios ancestrales que han cobrado una vigencia nueva en la actualidad— con intervenciones terrestres que han venido a conocerse como Land Art o Earthworks desde hace algunas décadas: anti-monumentos vivos, realizados en lugares remotos, a veces efímeros, cuyas marcas leemos hoy como profecías del Antropoceno.
Artistas de las culturas más diversas se han preguntado, a lo largo de las últimas generaciones, cómo trabajar la tierra cuando más necesita cuidado y reparación; cómo apreciar y devolver sus obsequios; cómo aprender de aquello que nos ofrece, cuando parece estar siendo despojada de su riqueza biológica, mineral, orgánica y química. El potencial constructivo del suelo y las sustancias que lo componen nos lleva mucho más allá de las formulaciones clásicas de la escultura, la arquitectura o el paisajismo. En los últimos años, muchos artistas han experimentado con las dinámicas del sustrato, han unido procesos de composición y compostado, trazando líneas y revelando las raíces comunes de cultura y agricultura; forma, formación y terraformación. Así, Artes de la Tierra reúne trabajos históricos desde 1970 hasta la actualidad, y aborda medios como la escultura, la instalación, el dibujo y la performance, además de una extensa selección de materiales de archivo. Incluyendo prácticas que a menudo convocan formas múltiples de conocimiento colaborativamente, vemos cómo la agronomía, la botánica, la geología, la química y la biología vienen al encuentro de las artes, la arquitectura y el diseño.
Salas: 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Comisario: Manuel Cirauqui
 
Giuseppe Penone 
Uña y hojas de laurel (Unghia e foglie di alloro), 1989 
Vidrio y hojas de laurel 
Cortesía del artista y Marian Goodman Gallery 
Foto: Alex Yudzon

Artes de la Tierra

Arraigada en el marco estratégico para la Sostenibilidad Ambiental del Museo Guggenheim Bilbao, la exposición Artes de la Tierra plantea una relectura del

Artes de la Tierra | Guggenheim Bilbao Museoa

15€ Adultos - 7.5€ Jubilados - 7.5€ Estudiantes

La iniciativa TopARTE del Museo Guggenheim Bilbao se reafirma en su compromiso con las entidades y agentes culturales de nuestro entorno más próximo. El resultado de esta fructífera colaboración es un variado programa multidisciplinar rico en contenidos y formatos, y destinado a todos los públicos.
Así, en el marco de esta iniciativa se presentan en el Museo actividades que abarcan disciplinas tan diversas como la arquitectura, el cine, la danza, el diseño, la gastronomía, la música, la performance o el teatro.

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Maria Helena Vieira da Silva. Anatomía del espacio

16.10.2025 - 20.02.2026

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18.09.2025 - 20.02.2026

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24.06.2025 - 09.11.2025

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