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Expositions | Musée Guggenheim Bilbao

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Precedent | Musée Guggenheim Bilbao

Olafur Eliasson: dans la vie réelle

Audio-guide

Juste avant l’inauguration de son exposition Olafur Eliasson : dans la vie réelle, l’artiste islandais nous a donné des détails sur son œuvre et sur son processus créatif, ainsi que sur les nombreux projets internationaux qu’il est en train de développer.   

Rencontre avec l'artiste

Découvrez les travaux d’installation et les dessous du montage de l’exposition dédiée à Olafur Eliasson dans cette vidéo.

Montage de l’exposition

Découvrez l’un des artistes les plus influents de la scène contemporaine grâce à ses propos. Olafur Eliasson en première personne au Musée Guggenheim Bilbao.

Propos d’Olafur Eliasson

IBERDROLA

Images de l'exposition au musée

Salle 205

Salle 206

Salle 209

Salle 207

Salle 203

Salle 202

Salle 204

Salle 208

L’Atelier élargi

Little Sun

Earth Speakr

WeUsed.To

L'artiste danois-islandais Olafur Eliasson (né en 1967) place l'expérience du spectateur au cœur de son art. Olafur Eliasson : dans la vie réelle nous interpelle sur des questions d’une actualité brûlante à travers une trentaine d’œuvres réalisées entre 1990 et aujourd'hui : des sculptures, des photographies, des peintures et des installations qui jouent avec les reflets et les couleurs et remettent en question la façon dont nous percevons notre environnement et évoluons en son sein. En utilisant des matériaux tels que la mousse, l'eau, la glace des glaciers, le brouillard, la lumière ou les métaux réfléchissants, Eliasson encourage les visiteurs à réfléchir sur la compréhension et la perception du monde physique dans lequel ils sont immergés.
L'art d'Eliasson vient de son intérêt pour la perception, le mouvement, l'expérience physique et les sensations. Les clés de son art intègrent sa préoccupation pour la nature, inspirée par son séjour en Islande, ses recherches sur la géométrie et ses recherches constantes sur la façon dont nous percevons, nous ressentons et nous façonnons le monde qui nous entoure. Son atelier berlinois, le Studio Olafur Eliasson, est un espace de travail, mais aussi de rencontre et de dialogue, réunissant une équipe diversifiée d'artisans, d'architectes, d'archivistes, de chercheurs, de gestionnaires, de cuisiniers, de programmeurs, d'historiens de l'art et de techniciens spécialisés.
Le travail d'Eliasson va bien au-delà de l'œuvre d'art, de l'exposition et de l'intervention publique et inclut des projets architecturaux. Convaincu que l'art peut avoir un impact puissant sur le monde au-delà du musée, Eliasson a créé des lampes solaires pour les communautés sans électricité, a conçu des ateliers d'art pour les réfugiés et les demandeurs d'asile, et il a aussi imaginé des installations artistiques pour sensibiliser le public à l'urgence climatique, ayant d’ailleurs été nommé Ambassadeur de bonne volonté du Programme des Nations Unies pour le développement en octobre 2019. Selon Olafur Eliasson, " l'art n'est pas l'objet, mais correspond plutôt à ce que l'objet fait au monde ".
Exposition organisée par la Tate Modern en collaboration avec le Musée Guggenheim Bilbao.
Commissaires: Mark Godfrey et Lucía Agirre

Olafur Eliasson

Autres regards

Pièce pour une seule couleur d’Olafur Eliasson avec Lucía Agirre

Olafur Eliasson : dans la vie réelle. Visite à huis clos avec Lucía Agirre

Olafur Eliasson. Beauté avec Lucía Agirre

Olafur Eliasson. Particule de poussière d’étoile avec Lucía Agirre

Olafur Eliasson. Paroi de lichen avec Lucía Agirre

Olafur Eliasson. La série de la fonte des glaciers 1999/2019 avec Lucía Agirre

L’accrochage Olafur Eliasson : dans la vie réelle

Olafur Eliasson. Dans la vie réelle

L'artiste danois-islandais Olafur Eliasson (né en 1967) place l'expérience du spectateur au cœur de son art. Olafur Eliasson : dans la vie réelle nous

Olafur Eliasson. Dans la vie réelle | Musée Guggenheim Bilbao

Jesse Jones: Tremblez Tremblez

Jesse Jones : Tremblez Tremblez

Rencontres avec les artistes

Le programme Film &amp; Video du Musée Guggenheim Bilbao a pour objet de présenter les pratiques artistiques fondées sur l’image en mouvement et explore les rapports critiques entre les arts visuels, les installations filmiques et la culture contemporaine en général.
Dans sa pratique, Jesse Jones (Dublin, 1978) rassemble une scénographie du matériau filmique avec la sculpture et la performance. Elle analyse les manifestations de la mémoire collective et comment on peut se servir des gestes, des objets et des langages pour construire un territoire d’expérimentation artistique. Tremblez tremblez était d’abord une production créée en 2017 pour le pavillon irlandais de la 57ème Biennale de Venise, qui a ensuite été spécifiquement adaptée à différentes institutions et galeries d’Europe et d’Asie. Techniquement et conceptuellement ambitieuse, cette installation s’empare de la figure historique de la sorcière comme symbole fort de l’Occident moderne et comme porteuse de potentialités, poétiques et politiques.
Bien que réalisée en Irlande à une période de débats houleux sur l’avortement et renvoyant aussi aux protestations féministes dans l’Italie des années soixante-dix —lorsque des milliers de femmes défilaient en criant en choeur “Tremblez, tremblez, les sorcières sont de retour”—, l’oeuvre fonctionne comme portrait d’un archétype atemporel au-delà de toute identification nationale ou ethnique. De fait, la puissante sorcière de Tremblez tremblez peut être identifiée comme une incarnation de la pensée magique, d’une transformation radicale du réel et le déclenchement du chaos cosmique. Olwen Fouéré, actrice irlandaise réputée, donne vie avec une grande intensité à ce personnage charismatique, tandis qu’en-deçà de lécran, dans l’espace expositif, se déroule simultanément une activité rituelle : par intervalles de quelques minutes, une officiante inscrit bruyamment un cercle sur un mur noir, alors qu’un rideau glisse divisant l’espace, tout en entraînant une main gigantesque et fantasmagorique. La verticalité des écrans, suspendus en l’air, panoramiques et face à face, fait aussi penser à la transmutation de valeurs qu’opère la sorcière.
À l’entrée de la salle, une série d’objets exposés dans des vitrines renvoient certes au projet, mais s’inscrivent aussi dans le contexte de la recherche soutenue de Jones sur les pratiques rituelles et les mythologies associés à la sorcellerie. En effet, l’histoire du Pays Basque, où l’Inquisition a procédé à de brutales chasses aux sorcières et à d’autres purges d’hérétiques au xvie et au xviie siècle, constitue un arrière-plan privilégié pour la résonnance de l’oeuvre à Bilbao. Ainsi, ce choix d’objets domestiques en provenance du Gipuzkoa et de la Navarre, destinés à des pratiques rituelles et liés à des croyances ésotériques, est mis en dialogue avec les autres pièces utilisées par l’artiste dans ses recherches ainsi que dans sa pratique d’atelier.
Jesse Jones, Tremblez, tremblez (Tremble Tremble, 2017), image de production. Courtoisie de l’artiste. Photo : Ros Kavanagh
Tremblez tremblez est une œuvre commandée à l’origine par Tessa Giblin et Culture Ireland en collaboration avec l’Arts Council of Ireland pour le pavillon irlandais de la 57ème Biennale de Venise. Design sonore et composition musicale de Susan Stenger. Productrice exécutive et responsable du programme audiovisuel : Aaron Kelly

Le programme Film &amp; Video du Musée Guggenheim Bilbao a pour objet de présenter les pratiques artistiques fondées sur l’image en mouvement et explore En su práctica, Jesse Jones (Dublín, 1978) entrelaza la escenografía audiovisual con la escultura y la performance, examinando la materialización de la memoria colectiva y las distintas formas en que gestos, objetos y lenguajes se ofrecen a la experimentación artística

Jesse Jones : Tremblez Tremblez | Musée Guggenheim Bilbao

Dialogues avec les maîtres de la Kunsthalle Bremen [+18]

Atelier avec José Manuel Ballester

Chefs-d'œuvre de la Kunsthalle Bremen : de Delacroix à Beckmann

Masterpieces of the Kunsthalle Bremen: From Delacroix to Beckmann

Vidéo de l'exposition

Salle 305

Du Classicisme au Romantisme

Salle 306

Impressionnisme et l’École de Pont-Aven

Salle 307

Colonies et collectifs d'artistes : Worpswede et Die Brücke / Expressionnisme et surréalisme

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Chefs-d'œuvre de la Kunsthalle Bremen : de Delacroix à Beckmann, c’est l'histoire de cette collection allemande et son précoce attachement à l'art moderne grâce à la juxtaposition d'œuvres françaises et allemandes réalisées entre le XIXe siècle et la première moitié du XXe siècle. L'exposition raconte l'histoire exceptionnelle de ce musée, qui se caractérise par son fort engagement civique, la relation intense entre les collections privées et la tutelle institutionnelle, son goût avancé pour la recherche professionnelle et la promotion de l'art moderne. Cette évolution historique, propre à la ville de Brême, reflète et cristallise parfois les débats qui surgirent tant au niveau national qu'international autour de l'art moderne et de son influence. L'exposition souligne le poids des discours contemporains sur l'art moderne et l’accueil qu’il suscita en Allemagne, premier pays à adopter l'impressionnisme et le postimpressionnisme notamment dans la collection de la Kunsthalle. Ce maillage complexe d'histoires locales, de tendances nationales et de mouvements internationaux livre un volet vivant et unique de l'art européen créé entre le XIXe siècle et la première moitié du XXe siècle.
La Kunstverein Bremen a été fondée en 1823 par un groupe de citoyens engagés mais aussi amateurs d'art dont le but précis était de promouvoir le "sens de la beauté" dans la société. Après les débuts modestes de ce groupe d'amateurs et experts de l'art qui se réunissaient pour parler de leurs collections de gravures et dessins, les membres de la Kunstverein ont rapidement augmenté suite aux expositions publiques et à la création d’une collection, ouvrant leur propre musée, la Kunsthalle Bremen, en 1849. Cinquante ans plus tard, en 1899, la société nomma son premier directeur scientifique, l'historien d'art Gustav Pauli. Son approche érudite permit d'affiner et d'enrichir l’ascendance de la collection, qui avait été constituée grâce aux dons privés des membres sous la direction de gestionnaires inexperts. Pauli mit en place une politique d'achat qui misait sur le dialogue dynamique entre les arts français et allemand, relayant une histoire de meneurs et d'acolytes, de compétition et de solidarité, d'admiration et de rébellion mais empreinte également de sa propre identité.
C'est en parallèle l'histoire de l’essor de Brême, une ville aux connexions mondiales qui s'est forgée au cours de siècles d'activité économique et commerciale, de construction navale et de navigation maritime, et qui rappelent les vicissitudes de Bilbao.
Cette exposition est organisée par la Kunsthalle Bremen et le Musée Guggenheim Bilbao
Commissaires : Christoph Grunenberg, directeur de la Kunsthalle Bremen et Petra Joos, curatrice du Musée Guggenheim Bilbao
Eva Gonzalès 
Le Réveill [Erwachendes Mädchen], 1877/78 
Huile sur toile 
81,1 x 100,1 cm 
Kunsthalle Bremen - Der Kunstverein in Bremen 
Acquis en 1960 
Inv. 827-1960/28
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La "Nature" singulière de la Kunsthalle Bremen

En 1823, naissance de la Kunstverein

Gustav Pauli

Les peintres romantiques

L’École de Barbizon

Pont-Aven

Worpswede

Die Brücke

Chefs-d'œuvre de la Kunsthalle Bremen : De Delacroix à Beckmann

Chefs-d'œuvre de la Kunsthalle Bremen : de Delacroix à Beckmann, c’est l'histoire de cette collection allemande et son précoce attachement à l'art moderne

Chefs-d&#039;œuvre de la Kunsthalle Bremen : De Delacroix à Beckmann | Musée Guggenheim Bilbao

Chefs-d'œuvre de la Kunsthalle Bremen : De Delacroix à Beckmann | Musée Guggenheim Bilbao

Soto. La quatrieme dimension

Sans titre (Composition dynamique), 1950

Maquette de « Mur optique », 1951

Spirale, Série Sotomagie, 1955

Sans titre, 1958

Vibration noire, 1960

Sans titre, 1961

Sans titre, 1962

Pénétrable blanc et jaune, 1968

Vibration pure, 1968

Écriture mur noir, 1977

Pénétrable, 1982

Cette exposition passe en revue l'œuvre de Jesús Rafael Soto (Ciudad Bolívar, Venezuela, 1923-París, 2005). Structurée autour de la conception d'expérience esthétique que cet artiste revendiquait en termes de temporalité, intensité et participation du spectateur, Soto. La quatrième dimension permet de réexaminer le parcours de ce grand artiste visionnaire qui a transformé l'art de la seconde moitié du XXe siècle.
Au cours de sa carrière, qui s'est déroulée sur cinq décennies, Soto a joué un rôle fondamental dans la redéfinition de la portée et de la fonction sociale de l'œuvre d'art. En rupture avec la division conventionnelle entre peinture et sculpture en vigueur dans les années 1950, la pratique de Soto devait progressivement évoluer au-delà du visible et exercer une influence majeure dans le virage radical opéré par l’objet artistique dans les années suivantes. Ainsi, après la période optique de ses débuts, Soto rejoint le premier groupe d’artistes cinétiques de Paris (Jean Tinguely, Iacov Agam, Victor Vasarely) et collabore également avec d’importants groupes internationaux tels que Zero ou avec le cercle de la galerie Signals de Londres.
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Jesús Rafael Soto

Soto. La quatrième dimension

Cette exposition passe en revue l'œuvre de Jesús Rafael Soto (Ciudad Bolívar, Venezuela, 1923-París, 2005). Structurée autour de la conception

Soto. La quatrième dimension | Musée Guggenheim Bilbao

Thomas Weski, co-commissaire de l'exposition, s’entretien avec l'artiste sur son œuvre et cette rétrospective, qui couvre plus de quatre décennies de son travail.

Un panorama complet de l'œuvre novatrice de l'un des photographes européens les plus influents de l'après-guerre.

Thomas Struth

Descifrando el universo

Talk

Lieux inconscients

Portraits de famille

Photographies de musées

Public

Nouvelles images du Paradis

Cet endroit

Projet Berlin

La chambre au pissenlit

Lisez ceci comme si vous le voyiez pour la première fois.

Nature & Politique

Animaux

Le caractère unique des photographies de Thomas Struth (Geldern, Allemagne, 1954) découle des questions que l'artiste se pose à lui-même – et pose à l'observateur – sur l'importance de l'espace public, la force de cohésion des liens familiaux, l’importance de la nature et  de la culture, ainsi que sur les limites et potentiels des nouvelles technologies. Struth réussit à appréhender des questions fondamentales, notamment l'instabilité des structures sociales et la fragilité de l'existence, dans des photographies d'une grande élégance formelle qui exigent la participation et l'empathie du spectateur. L'artiste transforme ainsi le public qui passe – d’observateur il devient allié – approfondissant ainsi ces mêmes valeurs sociales, éthiques et humaines. L’exposition Thomas Struth propose un voyage complet à travers les plus de quatre décennies de travail de ce photographe allemand pionnier tout en soulignant les préoccupations sociales qui l’ont conduit à faire évoluer son art irrésistible tout au long des différentes périodes de sa carrière.
Cette exposition relie les idées initiales de Struth – figurant dans les documents d'archives que l'artiste a réuni au fil des ans – aux séries d'œuvres précises, comme notamment la première, Lieux inconscients, ou des séries comme Portraits de famille, Photographies de musées, Public, Nouvelles images du paradis et Cet endroit. Ces travaux dialoguent avec d'autres créations, comme le Projet Berlin, une vidéo conçue en 1997 en collaboration avec le vidéaste Klaus vom Bruch, ou avec les photographies de paysages et de fleurs que Struth a réalisées pour les chambres de l'hôpital Lindberg, compilées plus tard dans la monographie Dandelion Room (La chambre du Pissenlit), ainsi qu’à d'autres ensembles d'œuvres plus récentes, comme Nature &amp; Politique et Animaux.
Les liens entre ces œuvres soulignent la capacité de Struth à combiner analyse et création photographique lorsqu'il s'agit d’aborder des sujets et des supports multiples, moyennant des photographies d'une très grande force.
Exposition organisée par la Haus der Kunst, Munich, en collaboration avec le Musée Guggenheim Bilbao.
Commissaires: Thomas Weski et Lucía Agirre
Thomas Struth 
Kyoko et Tomoharu Murakami (Kyoko and Tomoharu Murakami), Tokyo 1991 
Tirage jet d'encre 
151 x 187 cm 
© Thomas Struth

Le caractère unique des photographies de Thomas Struth (Geldern, Allemagne, 1954) découle des questions que l'artiste se pose à lui-même – et pose à

Thomas Struth | Musée Guggenheim Bilbao

Audio-guide : Jesper Just : Ce spectacle anonyme

Vidéo : Jesper Just : Ce spectacle anonyme

Jesper Just (Copenhague, 1974) est internationalement connu pour son utilisation ambitieuse des ressources des grandes productions cinématographiques et son intérêt pour la réinterprétation visuelle et matérielle de la structure des films. En explorant des concepts tels que le voyeurisme, la vie urbaine ou les conflits de genre, intimement liés à la culture cinématographique, l’œuvre de Just situe les images dans un cadre élargi où elles acquièrent une dimension presque architecturale, tout en révélant leur grande puissance sociale.
Ce spectacle anonyme [This nameless spectacle, 2011] tire son titre du poème « The Right of Way », de l’écrivain américain William Carlos Williams, qui encense la beauté fascinante des situations anodines qui composent notre quotidien : ce « spectacle anonyme » de petits phénomènes qui apparaissent devant notre regard en tout lieu et jour. Vus de près, ces faits banals sont porteurs d’une beauté désarmante, d’une énigme troublante ou d’une vérité oubliée. Le film de Just, divisé en deux flux de temps parallèles et deux écrans monumentaux se faisant face, nous offre une action difficile à décrire ; une chaîne hypothétique de causes et d’effets qui ne nous permet que de présumer certaines relations possibles. À Paris, deux personnages se croisent dans le quartier des Buttes-Chaumont et échangent des regards. Leur observation mutuelle se répète derrière les fenêtres de leurs appartements situés face à face, jusqu’à ce que l’une d’elles soit victime d’une crise dont le déclencheur pourrait être lié à l’acte de regarder ou d’être regardée ou peut-être à la forte réflexion du soleil. L’ambiguïté de cet événement est exacerbée par l’ambiguïté du personnage principal, incarné par l’actrice et chanteuse transgenre Marie-France Garcia.
L’œuvre de Just propose, par le biais du double dispositif panoramique, une lecture de l’urbanisme moderne et de ses formes, ainsi que de l’histoire de l’œil cinématographique lui-même, en jouant avec les équivalences du regard en mouvement et le plan panoramique. Elle souligne également les subtiles dissonances entre la vision du public et les images elles-mêmes, comme des pièces détachées d’un puzzle incomplet. Le caractère minimal de l’histoire contraste avec son atmosphère de drame presque hitchcockien, tandis que l’absence de mots ou de description de l’action renforce l’anonymat des personnages.
Curateur : Manuel Cirauqui
Ce spectacle anonyme (This Nameless Spectacle), 2011 
HD, installation vidéo de deux chaînes sur deux écrans face à face 
Durée : 00 :13 :00 | 00 :13 :00 
Édition de 7 
Courtoisie de Perrotin 
© Jesper Just

Jesper Just : Ce spectacle anonyme

Jesper Just (Copenhague, 1974) est internationalement connu pour son utilisation ambitieuse des ressources des grandes productions cinématographiques et

Jesper Just : Ce spectacle anonyme | Musée Guggenheim Bilbao

Le village et la ville, représentation et expérience, de l’aspect évocateur à la structure. Nous nous sommes éloignés de notre environnement pour observer l’infinité qui nous entoure puis nous nous sommes approchés pour ne pas négliger les petites nuances. Nous avons partagé nos expériences, ce qui nous a rapprochés et nous a permis de traduire ces idées dans des œuvres.
Iñaki Gracenea

Artistes

Gracenea, Iñaki

Ce programme a permis aux élèves de comprendre certaines questions à partir d’une approche plus libre et à la fois complexe. La continuité des séances nous a aidés à explorer les variantes d’une même question, ce qui nous a permis de revoir les exercices, de faire fausse route avant de prendre le bon chemin et de voir l’évolution du travail dans son ensemble. Les élèves ont appris à travailler sur un projet pendant une certaine période de temps en laissant de côté l’immédiateté largement surestimée de nos jours. Ils ont découvert de nouvelles formes de création et ont pris leurs propres décisions.
Zaloa Ipiña

Ipiña, Zaloa

Ils ont appris à regarder les objets autour d’eux à partir d’une vision artistique, et ont ainsi été capables de trouver des opportunités cachées. Nous avons travaillé avec des fournitures scolaires : des couvertures de livres, des feutres, des règles, des cartes, etc., autrement dit des objets familiers. Ils ont ainsi réalisé l’importance du concept dans la création. Après avoir appris et appliqué plusieurs techniques, nous avons créé les différentes pièces qui composent l’exposition. Les accompagner dans ce processus créatif, dans lequel tous ont participé, a été un vrai plaisir.
Nerea Lekuona

Lekuona, Nerea

La rentrée scolaire a été une expérience singulière et positive. Nous avons tous travaillé en groupe (les élèves, le professeur et moi-même) dans des dynamiques associées à l’idée de boycott, d’expérimentation et d’erreur pour obtenir nos propres réponses sans porter de jugement de valeur. Ainsi, portés par l’expérience, nous avons dépassé les concepts conventionnels pour nous interroger sur ce que nous savons et comment le montrer.
Karlos Martínez Bordoy

Martínez Bordoy, Karlos

Travailler avec des enfants demande une adaptation du langage et du discours artistique. Ce processus est une expérience riche et stimulante du fait d’avoir à expliquer ce que nous faisons avec d’autres mots bien qu’en utilisant les mêmes concepts. Toute question à priori complexe devient facile si l’on trouve les bons mots. La capacité d’expérimentation plastique chez l’enfant est innée. Pour lui, le langage plastique, dessiner, sculpter, est un jeu.
Manu Muniategiandikoetxea

Muniategiandikoetxea, Manu

L’imagination n’est pas seulement un exutoire, c’est aussi un puissant moteur de créativité ; c’est un outil très précieux d’expression, de communication, de connaissance de soi et de transformation, dont nous devons prendre soin et que nous devons élargir pour l’intégrer en nous, puisqu’elle ne changera pas le monde, mais elle transformera les personnes qui le feront. Nous assumons qu’elle doit exister, qu’elle est importante, basique, mais aussi insaisissable, indomptable et à peine prévisible ; la créativité doit faire partie de cette société, mais nous avançons souvent par inertie car elle est inefficace.
Jorge Rubio

Rubio, Jorge

Comment construisons-nous notre identité, nos différences, sans cesser de nous reconnaître au sein du groupe ? Le passage de l’enfance à l’adolescence est une étape complexe, puisqu’elle nous force à renoncer à certaines choses pour nous ouvrir à d’autres, non pas sans crainte. Dans ce cours nous nous sommes observés et nous avons observé notre environnement, ce qui nous a permis de découvrir notre entourage, et même New York ! Nous nous sommes dessinés et nous nous sommes réinventés. Nous avons créé des carnets de terrain et nous avons pris des photos de nous, de nos proches et notre environnement, avec des appareils photo analogiques. Et nous avons tout autant apprécié nos ressemblances que nos différences.
Ixone Sádaba

Sádaba, Ixone

Stimuler les capacités créatives et l’imagination des élèves, les dépouiller de la manque d’assurance et de la crainte du lâcher-prise, les convaincre qu’ils sont des artistes en herbe… Bien sûr ! Il suffit de trouver les circonstances propices, comme le programme Apprendre à travers l’art. Les élèves de cinquième année de Paula Montal, à Vitoria-Gasteiz, ont eu la chance de participer à cette expérience formidable. Pour cela, le centre a du faire une pause dans son programme très chargé, mais nous estimons que cette expérience en valait la peine. Les résultats ont été très satisfaisants.
Ibon Sáenz de Olazagoitia

Sáenz de Olazagoitia, Ibon

Dans ces ateliers, l’utilisation de matériaux et de techniques différentes, en s’éloignant des idées reçues sur l’art, a été décisive. La pratique créative a la capacité surprenante de mettre en lumière des questions et des concepts apparemment cachés, ainsi que des préoccupations et des raisons qui passent inaperçues au quotidien. Nous avons travaillé sur la base de ces questions pour apprendre ensemble à partir de nos connaissances. Ce type d’initiatives demande une attention particulière de chaque élève, mais il s’agit d’un aspect clé pour épanouir leur capacité créative et en faire les citoyens d’une société plus saine qu’ils contribueront à modifier. Il dépend de nous d’y parvenir.
Manu Uranga

Uranga, Manu

Audio-guide : Apprendere à travers l'art 2019

Ángeles Custodios

Projet : Langage et identité

Deusto

Projet : Les mathématiques dans le quotidien

Paula Montal

Projet : Alimentation saine

San Ignacio

Projet : Regards sur la nature

Munoa

Projet : Un groupe, plusieurs regards

San José de Donostia

Projet : Villes et villages

Zorroza

Projet : Faire et défaire

Sansomendi

Projet : Lettres diverses

Sasoeta-Zumaburu

Projet : Consommation durable

L’art en tant qu’outil de travail
Dialoguer sur l’art et participer au processus créatif d’un artiste permet aux élèves de l’école primaire d’aborder certaines questions éducatives sous un angle différent.
De nombreux élèves retiennent mieux les concepts lorsque l’apprentissage est plus actif et les possibilités de choisir sont plus nombreuses. Dans ce programme, on pose des questions, on éveille la curiosité, on explore de nouvelles idées inspiratrices et on ressent l’émotion de la découverte.
Chaque projet est unique et a été personnalisé et conçu de manière ouverte pour s’adapter au fur et à mesure aux habiletés et aux intérêts de chaque élève. Cela demande souvent de laisser place à l’improvisation, au jeu, à l’exploration, à la recherche, à l’expérimentation et à l’erreur. Le processus artistique dans lequel les élèves se lancent les pousse à penser, sonder, choisir, tester, douter, s’amuser, à faire fausse route, à se bloquer et, bien entendu, à se tromper, car il n’y a pas de progrès sans erreur.
À la fin du cours, le processus créatif est mis en scène. Dans tous les développements artistiques, l’exposition est le bouquet final : le public perçoit et reçoit la création, le cycle touche à sa fin. Comme chaque été, la Salle éducative du Musée accueille de nombreuses œuvres. À cette occasion, du 18 juin au 15 septembre, le public pourra contempler les œuvres exposées, présentées dans plusieurs sections : Lettres, dans laquelle le langage, le vocabulaire et l’écriture sont fondamentaux ; Recyclage et consommation, qui comprend plusieurs œuvres issues de la réflexion autour de ces thèmes ; Cartes, architectures et nature, qui inclut des vues d’oiseau, des parcours et des maquettes de différents espaces ; et Photographies et films, qui réunit des paysages et des personnes, des animations stop-motion, des performances et d’autres créations. Les élèves ont la possibilité d’assister à l’inauguration de l’exposition avec leurs professeurs et les artistes qui ont travaillé avec eux. Voir leurs œuvres exposées dans le Musée est l’aboutissement d’une année pleine d’émotions, une bouffée de confiance en soi et de reconnaissance qu’ils n’oublieront jamais.
<a href="https://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2019/06/Boletin-AA-19.pdf">TÉLÉCHARGER LE CATALOGUE</a>

Échange Scolaire Bilbao–New York

Programme

Histoire

Apprendre à travers l’art 2019

L’art en tant qu’outil de travail Dialoguer sur l’art et participer au processus créatif d’un artiste permet aux élèves de l’école primaire d’aborder

Apprendre à travers l’art 2019 | Musée Guggenheim Bilbao

Gerhard Richter

Depuis quatre décennies, Gerhard Richter (Dresde, Allemagne, 1932) est considéré comme l&#8217;un des artistes les plus influents de notre époque, une reconnaissance qu&#8217;il a obtenue sans se limiter à un style particulier. Son œuvre très variée comprend à la fois sculpture et peinture, et son travail dans ce dernier domaine s&#8217;étend des paysages aux abstractions colorées et aux peintures grises monochromes. L’utilisation par Richter des nombreuses conventions picturales reflète son intérêt pour la nature de l&#8217;observation en soi et pour les modèles perceptuels que nous employons pour conceptualiser notre monde.

Richter, Gerhard

MARINE (SEESTÜCK), 1968

MARINE (GRIS) [SEESTÜCK (GRAU)], 1969

MARINE (AVEC NUAGES OLIVÂTRES) [SEESTÜCK (OLIV BEWÖLKT)], 1969

MARINE (GRIS-VERT, NUAGEUX) [SEESTÜCK (GRÜNGRAU, BEWÖLKT)], 1969

MARINE (SEESTÜCK), 1998

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C’est en 1968 que l'artiste allemand Gerhard Richter peignit la première de ses œuvres intitulée Marine (Seestück). Trois décennies et une vingtaine de peintures à l'huile séparent cette toile de la dernière marine que cet artiste a réalisée en 1998 et qui appartient à la Collection du Musée Guggenheim Bilbao. Au cours de ces années, Richter présente des paysages dans différentes tailles et formats, couleurs et styles. Ainsi, une marine abstraite dans laquelle la ligne d’horizon est à peine visible est suivie et précédée d’autres dans lesquelles le réalisme photographique du ciel n’est nuancé que par une lumière ambiguë. Envahi de nuages ou d’un calme absolu, le ciel occupe une grande partie de la toile dans les marines et sa grandeur n’est qu’en deux occasions depassée par la mer.
Ces œuvres sont des allusions à l'épopée qu’est le paysage, mais aussi aux éléments reconnaissables ou trompeurs que l'on peut y trouver ; elles se réfèrent à la tradition mais sont à la fois en rupture avec. Une marine de Richter est bien plus qu'une représentation de la mer, c'est une invitation à contempler une illusion qui brise les règles de la nature pour la rendre plus belle, plus sublime et, surtout, parfaite. Ces paysages prennent comme point de départ un collage de deux photographies différentes, l'une du ciel et l'autre de la mer, afin de créer une image idéale, une composition illusoire où la perspective et la lumière ont quelque chose qui nous saisit. La surface lisse de ces peintures, similaire à celle des photographies, est obtenue au moyen d'une technique de dilution utilisant des pinceaux à raclette permettant d'appliquer le pigment très dilué.
De nombreux auteurs relient les créations de Gerhard Richter à l'œuvre de Caspar David Friedrich ; et l'artiste lui-même l'a déclaré dans une interview : «Mes paysages ont des liens avec le romantisme : parfois je ressens un réel désir, une attirance pour cette période, et certaines de mes peintures sont un hommage à Caspar David Friedrich». Mais si l'œuvre de Friedrich et de Richter nous confronte au sublime de la nature, l'échelle monumentale des toiles de Friedrich prédomine dans la figuration humaine qu'il y introduit, alors que dans les paysages de Richter, le spectateur devient lui-même la référence qui permet de déduire l'échelle des marines.
Gerhard Richter 
Marine (avec nuages olivâtres) [Seestück (oliv bewölkt)], 1969 
Huile sur toile 
80 x 100 cm 
Collection particulière, Italie 
© Gerhard Richter 2019 (0058)
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MARINES

Gerhard Richter. Marines

C’est en 1968 que l'artiste allemand Gerhard Richter peignit la première de ses œuvres intitulée Marine (Seestück). Trois décennies et une vingtaine de

Gerhard Richter. Marines | Musée Guggenheim Bilbao

18€ Adulte - 9€ Retraité - 9€ Étudiants

L&#8217;initiative TopARTE du Musée Guggenheim Bilbao confirme son engagement auprès  des organisations et des institutions culturelles de notre environnement immédiat. Le résultat de cette collaboration fructueuse est un programme varié, multidisciplinaire, riche en contenu et en formats qui s’adresse à tous les publics.
Dans le cadre de ce projet, plusieurs activités sont ainsi présentées au Musée couvrant des disciplines aussi diverses que l&#8217;architecture, le cinéma, la danse, le design, la gastronomie, la musique, les performances et le théâtre.