Guggenheim

En el marco del proyecto Didaktika, el Museo diseña actividades y espacios educativos que sirven como complemento a las exposiciones y aportan herramientas y recursos, tanto en las salas de exposición como online, para contribuir a una mejor comprensión de los artistas y su obra por parte del público.

En esta sección didáctica dedicada a Vasily Kandinsky cobran protagonismo personas, lugares y acontecimientos que influyeron en su vida y práctica artística. Desde sus años de formación en Rusia hasta los fructíferos períodos que pasó en Alemania y Francia, Kandinsky mostró su inquietud intelectual y su orientación hacia la vanguardia. Aquí proponemos al público que descubra sus dibujos experimentales, su investigación en torno a la relación entre colores y sonidos, sus enseñanzas y escritos teóricos, así como un glosario de términos clave. Estos puntos de inflexión, en su conjunto, contribuyeron a que Kandinsky desempeñara un papel pionero en el desarrollo del arte abstracto o no figurativo en Europa a comienzos del siglo XX.

LA EXPERIMENTACIÓN CON EL COLOR, LAS FIGURAS Y LAS FORMAS

Kandinsky estudió el color y sus efectos psicológicos y espirituales, y desarrolló una teoría de la forma basada en la geometría. A su juicio, el amarillo era un color que podía desasosegar a las personas, mientras que el azul les haría sentirse bien, con los pies en la tierra. También creía que el triángulo encarnaba emociones relacionadas con la acción y la violencia, que el cuadrado representaba la paz y la calma, y que el círculo sugería el plano espiritual.

En último término, su fragmentación de la figura y experimentación con la forma le situó en la senda de la abstracción.

ESCRITOS INFLUYENTES

Kandinsky poseía una mente inquisitiva y teórica, y, además de pintar, fue autor de numerosos ensayos que indagaban acerca de cómo los diferentes colores y formas se correspondían con distintos estados de ánimo. De lo espiritual en el arte (1912) fue su publicación más importante sobre el tema, seguida de Punto y línea sobre el plano. Contribución al análisis de los elementos pictóricos (1926). En el primero de estos trabajos, Kandinsky examina la capacidad del color para expresar las preocupaciones psicológicas y espirituales más íntimas; en el segundo, explora el efecto interno de las fuerzas sobre las líneas y los puntos en la construcción de una pintura.

En 1913, Kandinsky publica Sonidos, un libro integrado por 56 xilografías, poemas en prosa y tipografía. Se trataba, según sus propias palabras, de un “álbum musical”. Estos y otros escritos muestran la capacidad de Kandinsky para hallar nuevas formas de expresión, y el constante estado de descubrimiento en el que vivía inmerso.

INNOVACIÓN EN LA DOCENCIA

La Bauhaus (Alemania) fue una escuela de arte, arquitectura y diseño en la que se gestó un enfoque innovador de enseñanza y aprendizaje durante la primera mitad del siglo XX. Un modelo interdisciplinar, en el que docentes y alumnos desempeñaron un papel significativo. La Bauhaus se convirtió en el “lugar para ser moderno”.

En 1922, Kandinsky aceptó allí un puesto de profesor y, junto a otros artistas y colegas pioneros de esta nueva perspectiva pedagógica —como Anni y Josef Albers, Marianne Brandt, Gertrud Grunow, Johannes Itten o Paul Klee—, se convirtió en parte de una de las comunidades más experimentales del momento.

La Bauhaus se vio obligada a cerrar en 1933 debido a la adversa situación política que sufría Alemania, dominada por el auge del nazismo.

CONEXIONES ENTRE EL SONIDO Y LA PINTURA

A comienzos del siglo XX se produjo un profundo cambio en el ámbito de la música. El compositor austríaco Arnold Schönberg fue una de las figuras más destacadas en la investigación de nuevas formas de crear música alejadas de las normas tradicionales. Autor del sistema dodecafónico, publicó en 1911 su revolucionario Tratado de armonía, en el que proponía la atonalidad como futuro de la composición musical.

Schönberg y Kandinsky se conocieron durante la última etapa del pintor en Múnich, se hicieron amigos de por vida e intercambiaron una extensa correspondencia; ambos compartían el interés por la experimentación, así como su búsqueda de nuevos modos de expresión. La práctica de Kandinsky estaba profundamente influida por su estudio y experiencia de la música. El artista creía que la pintura debía aspirar a ser tan abstracta como la música y a provocar una respuesta emocional en el observador sin necesidad de representar un tema reconocible.

¿Ha oído hablar de la sinestesia? En lo que respecta al sentido del oído y la vista, la sinestesia permite a algunas personas apreciar colores mientras escuchan música, o a la inversa: percibir sonidos al contemplar colores. A Kandinsky le interesaba mucho este fenómeno e incluso desarrolló una tabla sinestésica estableciendo correspondencias entre los colores y los instrumentos de una orquesta.

COLABORACIONES CON EL TEATRO

Los intereses de Kandinsky se amplían con el tiempo y alcanzan el ámbito del teatro. Para este género, entre 1909 y 1914 creó cuatro “piezas de tono color”, basadas conceptualmente en la respuesta psicológica y fisiológica al color, y que nunca llegaron a representarse en vida del artista: El sonido amarillo, El sonido verde, Blanco y negro y Violeta.

Kandinsky también diseñó bocetos a la acuarela para la escenografía de una versión teatral de la composición para piano Cuadros de una exposición (1874), del músico ruso Modest Mussorgsky. El espectáculo se presentó en 1928 en el Teatro Friedrich de Dessau y en 2012 fue recreado como parte de una performance multimedia basada en Mussorgsky en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York.

MECENAS ESTADOUNIDENSES: LOS GUGGENHEIM

El industrial estadounidense Solomon R. Guggenheim y su esposa, Irene Rothschild Guggenheim, amantes del arte y coleccionistas, conocieron a Kandinsky en 1930 en la Bauhaus de Dessau, donde este último impartía clases. La asesora artística de los Guggenheim, la pintora alemana Hilla Rebay, les había mostrado la obra dinámica e innovadora de Kandinsky, que atrajo particularmente la atención de Solomon. El arte no figurativo o no objetivo, sin vínculos con la representación concreta del mundo real, se convirtió en el centro de la creciente y moderna colección de los Guggenheim en la década de 1930. Solomon Guggenheim mantuvo una amistad de por vida con Kandinsky y fue uno de sus principales mecenas en EE. UU.

UNA COLECCIÓN ÚNICA

¿Cuántas colecciones de arte conoce que posean más de 150 obras de un solo artista?

El interés de Solomon Guggenheim por compartir su arte con el público le llevó a crear la Solomon R. Guggenheim Foundation en 1937, y a abrir en Nueva York el Museum of Non-Objective Painting (Museo de arte no objetivo) en 1939. Muchas de las obras de Kandinsky formaron parte de la exposición inaugural, titulada Art of Tomorrow (El arte del mañana). La asesora principal de Guggenheim en esta materia, Hilla Rebay, fue la primera directora y curator del Museo.

Rebautizada como Solomon R. Guggenheim Museum y emplazada en un edificio diseñado por Frank Lloyd Wright en Nueva York, la institución se inauguró en 1959.

Hoy en día, el museo posee aproximadamente 150 obras de Kandinsky.

TÉRMINOS CLAVE

ARTE ABSTRACTO
También conocido como arte no figurativo o arte no objetivo, el arte abstracto, que se aleja de la representación del mundo tangible, se desarrolla en las primeras décadas del siglo XX. Vasily Kandinsky, uno de los pioneros de la abstracción, creía en el poder del arte para expresar espiritualidad a través de la disposición aparentemente libre e intuitiva de colores y formas. Otros notables exponentes del arte abstracto son Hilma af Klint, Kazimir Malevich o Piet Mondrian.

BAUHAUS
Fundada en Weimar en 1919, la Bauhaus fue una escuela de arte, arquitectura y diseño apoyada por el Estado alemán y dirigida desde su nacimiento hasta 1928 por el arquitecto Walter Gropius. El currículo de la escuela se organizaba en torno al principio de que artes y oficios se unieran en pie de igualdad. Entre los fines utópicos que perseguía la Bauhaus destaca la mejora de la calidad de la vida cotidiana a través de la creación de edificios, objetos de diseño y obras de arte siguiendo una estética de modernidad y universalidad. Anni y Josef Albers, Marianne Brandt, Walter Gropius, Gertrud Grunow, Vasily Kandinsky, Paul Klee, El Lissitzky, László Moholy-Nagy u Oskar Schlemmer fueron algunos de sus docentes.

La escuela se ubicó en primera instancia en Weimar; en 1925 se trasladó a Dessau y, en sus años finales, a Berlín. Fue clausurada debido a las presiones ejercidas por el Gobierno nazi en 1933.

SINESTESIA
La sinestesia es un rasgo neuropsicológico —que afectaría a entre un 2 y un 5% de la población— mediante el cual, al estimular uno de los sentidos, se produce un efecto en otro de los sentidos. La conexión grafemacolor (“grafema” se refiere a letras y números) y música-color son las formas más corrientes de sinestesia, pero también existen otras asociaciones de tipo tactoemoción, sabor-sonido y sonido-olor. Dos de los principales pioneros en el estudio de la sinestesia fueron el británico John Locke (cuyas investigaciones datan de 1690) y el alemán Georg T. Ludwig Sachs (que publicó un texto sobre el tema en 1812).

Foto: Irene Rothschild Guggenheim, Vasily Kandinsky, Hilla von Rebay and Solomon R. Guggenheim; July 7, 1930.
M0007 Hilla von Rebay Foundation Archive,  Series 1. Photographs, People.