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Expositions | Musée Guggenheim Bilbao

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Precedent | Musée Guggenheim Bilbao

Barbara Kruger

Conférence inaugurale

Guide-audio

Plan des audioguides

Occident

Salle 205

Salle 206

Salle 207

Salle 209

Salle 203

Salle 202

Le Musée Guggenheim Bilbao présente la première exposition complète en Espagne de Barbara Kruger, une artiste américaine qui séduit le public par son œuvre audacieuse et stimulante depuis plus de cinq décennies. Dans cette vaste exposition, le visiteur découvre la manière dont Kruger exploite les mots et les images pour remettre en question les structures qui façonnent notre vie quotidienne : l’identité, le désir, la vérité et le contrôle.
Dès le début de sa carrière, Kruger s’est interrogée sur la façon dont le langage est employé dans les médias, en politique et dans nos propres dialogues intérieurs. En utilisant des slogans percutants, rédigés sobrement en caractères noirs et blancs ponctués de rouge ou de vert, elle s’inspire du langage visuel de la publicité, non pour vendre des produits mais pour interpeller le spectateur et provoquer une réflexion critique. Des expressions telles que « Ton corps est un champ de bataille » ou « J’achète, donc je suis » sont devenues des références culturelles, qui soulèvent des interrogations pressantes sur le genre, la consommation et le pouvoir.
Cette exposition rassemble des œuvres de toute sa carrière, certains de ses premiers photomontages (paste-ups), des textes imprimés sur vinyle à grande échelle, des installations vidéo, des interventions audio et des pièces spécialement conçues pour le Musée Guggenheim Bilbao. Au fur et à mesure qu’on se déplace dans les galeries, on découvre que les œuvres de Kruger investissent les sols, les murs et les écrans et on se trouve plongé dans un environnement visuel et sonore bigarré. Son œuvre n’est pas uniquement conçue pour être regardée, elle invite le visiteur à l’expérimentation, au questionnement et à la confrontation.
Dans un dialogue avec l’histoire linguistique et culturelle de Bilbao, Kruger a créé des œuvres en espagnol et en basque qui explorent la manière dont la langue définit notre identité et notre manière de vivre ensemble. D’après ses propres termes : « La langue est une force puissante ; elle nous définit. »
À une époque où l’information est constante et la vérité de plus en plus instable, l’œuvre de Kruger nous encourage à ralentir, à lire attentivement et à réfléchir profondément. Pleine d’esprit, d’urgence et de précision formelle, elle nous rappelle que les images parlent et que nous devons en faire autant.
Salles : 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Commissaire : Lekha Hileman Waitoller
&nbsp;
Barbara Kruger 
Untitled (Forever), 2017/2025. Impression numérique sur vinyle. Vue d'installation Barbara Kruger: Another day. Another night. Musée Guggenheim Bilbao, 24 juin – novembre 9, 2025. Courtoisie de l’artiste et Sprüth Magers

Projects publics

Objects quotidiens

Au musée

Vidéo de l'exposition

Barbara Kruger: Another day. Another night.

Le Musée Guggenheim Bilbao présente la première exposition complète en Espagne de Barbara Kruger, une artiste américaine qui séduit le public par son

Barbara Kruger: Another day. Another night. | Musée Guggenheim Bilbao

Je tiens à souligner les opportunités qu’offrent parfois les écoles des petits villages. À Zeberio, les élèves ont pu bénéficier de l&#8217;implication de créateurs et créatrices locaux, de leurs familles, d&#8217;anciens élèves, de voisins ainsi que d&#8217;amis.

Artistes

Ibon Garagarza

À travers l’expérimentation artistique, en osant tenter, se tromper et recommencer, nous avons travaillé sur les conséquences que certaines pratiques humaines, aujourd’hui considérées comme normales, peuvent avoir sur la nature.

Zaloa Ipiña

L’enthousiasme et l’engagement du groupe ont marqué tout le projet. Nous avons ainsi découvert que l’art pouvait devenir un véritable levier d’activisme social.

Nerea Lekuona

Nous avons avancé au fil des séances dans une attitude d’observation attentive. Les jours de vent, nous ouvrions les fenêtres pour l’écouter, l’imiter.

Maider López

Ce programme m’a offert l’opportunité de travailler avec des élèves qui ont fait preuve d’une grande implication. Ce fut une expérience riche et stimulante, au cours de laquelle nous avons exploré l’importance de l’identité et du sentiment d’appartenance à un groupe.

Manu Muniategiandikoetxea

Ce projet a exploré la vie animale et le rapport entre l&#8217;homme et la nature. À partir de ces thématiques, nous avons développé une proposition artistique mêlant créativité, imagination et conscience écologique,

Ibon Sáenz de Olazagoitia

Apprendre à travers l’art 

C.P. Juan Ramón Jiménez LHI, Cruces-Barakaldo

Cartes pour un monde meilleur

C.P. Zeberio LHI, Zeberio

D’où venons-nous, où allons-nous

CP Arrateko Andramari LHI, Eibar 

Identité et art

CPI Zaragueta IPI, Orio 

Autant de ciels que de jours

CP Lamuza LHI, Llodio 

Camouflage et mimétisme dans la nature

CP Alonsotegi LHI, Alonsotegui 

Embrasser la nature

Cette exposition propose une sélection des créations réalisées par plus de cent enfants, âgés entre 6 et 12 ans, durant l’année scolaire 2024–2025, dans le cadre du programme pédagogique "Apprendre à travers l’art" du Musée Guggenheim Bilbao. 
Cette initiative originale fait entrer des artistes dans les salles de classe, où ils travaillent en étroite collaboration avec les élèves et les enseignants.
À travers l’exploration artistique et les échanges autour de l’art, les élèves ont l’opportunité d’aborder les contenus du programme de l’école primaire sous un angle créatif et personnel. Les activités sont pensées pour tisser des liens entre l’art et d’autres disciplines comme les sciences, la langue ou les mathématiques, faisant de l’art un outil d’exploration et de compréhension de l’environnement qui entoure les enfants.
Les six classes participantes ont exploré cette année l’influence du calendrier sur la nature, les effets des actions humaines sur l'environnement et la manière de se fondre dans celui-ci. Elles ont aussi découvert des créations à vocation militante et leur potentiel pour influencer la société, en s'intéressant aux œuvres d'artistes locaux. À travers l'art et des activités d'introspection, les élèves ont réfléchi à leur identité, tant individuelle que collective.
Dans leurs démarches, les classes ont utilisé une grande diversité de techniques et de disciplines, comme la peinture, la sculpture, la photographie ou la performance, en les intégrant à des projets pédagogiques qui ont favorisé l'expression au sens large et mis en avant l'importance de la créativité dans l'éducation.

Échange

Apprendre à travers l'art 2025

Cette exposition propose une sélection des créations réalisées par plus de cent enfants, âgés entre 6 et 12 ans, durant l’année scolaire 2024–2025, dans

Apprendre à travers l&#039;art 2025 | Musée Guggenheim Bilbao

Apprendre à travers l'art 2025 | Musée Guggenheim Bilbao

Helen Frankenthaler : Peindre sans règles

Fundación BBVA

Son empreinte personnelle : les années 1950

Suivre le courant : les années 1960

La découverte d’une nouvelle liberté : les années 1970

Seuils : les années 1980

À la recherche de la beauté : les années 1990

Peindre jusqu’au bout : les années 2000

Amitiés

Une invitation à la sculpture

Helen Frankenthaler (1928–2011) a joué un rôle majeur dans la transition de l’expressionnisme abstrait au color-field painting (littéralement « peinture du champ coloré »). Reconnue pour avoir inventé la technique du soak stain (tremper-tacher) sur laquelle elle expérimente pendant des décennies, l’artiste a conçu un corpus considérable d’oeuvres sur toile et sur papier, ainsi que des sculptures, des céramiques, des tapisseries et des oeuvres graphiques. Ses créations novatrices, présentes dans les collections des plus grands musées du monde, continuent d’inspirer les artistes contemporains.
Née à New York, Frankenthaler étudie l’art avec une approche classique sous la direction de Paul Feeley, au Bennington College, dans le Vermont, avant de rentrer à Manhattan, où elle s'est tournée vers l’abstraction. Au début des années 1950, elle rencontre les figures phares de l’École de New York, des icônes de l’art américain d’après-guerre qui partagent avec Frankenthaler un engagement en faveur de l’expérimental et qui, dans certains cas, intégreront son cercle social le plus proche.
Helen Frankenthaler : Peindre sans règles met en lumière la pratique créative de l’artiste à travers ses affinités artistiques, ses influences et ses relations dans le milieu artistique. Rassemblant une trentaine d’abstractions poétiques signées par l’artiste entre 1953 et 2002, l’exposition comprend également une sélection de peintures et de sculptures de certains de ses contemporains — Anthony Caro, Morris Louis, Robert Motherwell, Kenneth Noland, Jackson Pollock, Mark Rothko et David Smith —, qui viennent souligner les synergies liant ces artistes. L’exposition trace un parcours chronologique qui commence dans les années 1950 et se termine dans la première décennie du 21e siècle. Chaque section, accompagnée d’un texte explicatif, constitue un chapitre de la carrière prolifique de Frankenthaler. Peindre sans règles rend hommage à l’héritage d’une artiste pionnière qui n’a jamais interrompu sa quête de nouvelles voies de création dans le champ de l'art abstrait.
Cette exposition est organisée par la Fondazione Palazzo Strozzi, Florence et l’Helen Frankenthaler Foundation, New York en collaboration avec le musée Guggenheim Bilbao ; et conçue par le commissaire Douglas Dreishpoon, directeur du catalogue raisonné de Helen Frankenthaler.
Salle : 105
 
Helen Frankenthaler 
Bleu mobile&lt;/em &gt; (Moveable Blue), 1973 
Acrylique sur toile 
177,8 x 617,8 cm 
ASOM Collection 
© 2025 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York / VEGAP 
Photo : © ASOM Collection

IN FOCUS Helen Frankenthaler

Chronologie

Nous vous invitons à participer à une visite virtuelle de l’exposition Helen Frankenthaler. Cette promenade comprend toutes les œuvres et les textes d’explication présentés au sein de l’accrochage.

COMMENCEZ MAINTENANT

Helen Frankenthaler (1928–2011) a joué un rôle majeur dans la transition de l’expressionnisme abstrait au color-field painting (littéralement « peinture

Helen Frankenthaler : Peindre sans règles | Musée Guggenheim Bilbao

Vito Acconci / Sergio Prego: YOU

Le programme d’exposition Film &amp; Video du Musée Guggenheim Bilbao est résolument engagé envers les pratiques artistiques contemporaines liées à l’image en mouvement.
Cette exposition est issue de la collaboration et de l’amitié développées entre Vito Acconci (New York, 1940–2017) et l’artiste basque Sergio Prego (Donostia/Saint-Sébastien, 1969), dont les chemins artistiques se sont croisés à une période clé de l’activité de l’agence de design spéculatif et d’architecture Acconci Studio. L’exposition retrace un itinéraire subjectif à travers les vidéos et les performances d’Acconci. Et ce, à l’aide d’un système de présentation créé par Prego, dont la conception de la sculpture intègre la manière unique dont Acconci imagine l’espace construit et les forces qui animent les corps au sein de cet espace. Ces deux artistes partagent une attention particulière à l’interaction entre les sens, les médias audiovisuels et l’architecture ; comme si la dimension corporelle tentait de s’adapter en permanence aux normes et aux structures du monde physique capturé par la caméra. Pour les deux artistes, les oeuvres d’art agissent comme des manifestations concrètes de tensions et de paradoxes dont l’impact affecte directement la conscience physique du spectateur.
Dans la première partie de l’exposition, plusieurs vidéos de Prego sont diffusées simultanément, alors que dans un coin de la salle résonne la pièce sonore d’Acconci Cassette courant (1969). L’activité enregistré par Acconci — compter ses pas sans arrêt tout en courant jusqu’à être à bout de souffle, encore et encore — a une influence sur le temps, alors que Prego emploie des astuces simples de montage d’images pour présenter des positions et des mouvements impossibles dans l’espace. La voix d’Acconci se fait également entendre à l’autre bout de la salle, cette fois en tant que narrateur d’un documentaire qui résume sa pratique radicale du design. Dans l’espace principal, deux grandes structures gonflables de Prego font office d’écrans de projection pour une sélection de vidéos historiques d’Acconci. Dans ses performances enregistrées, Acconci utilisait la caméra non comme un moyen d’autoportrait mais comme un instrument de provocation. On y voit l’artiste pointer directement du doigt ou chuchoter sur un ton intime dans Centres (1971) et dans Allumer (1974) et tester agressivement son propre corps dans Trois études d’adaptation (1970). Dans ces oeuvres, Acconci cherchait désespérément à attirer l’attention, comme s’il avait imaginé les utilisations futures de la caméra dans les réseaux sociaux. Plus de cinq décennies après leur création, on ne peut s’empêcher de penser que les oeuvres vidéo d’Acconci nous pointent du doigt, souvent d’une manière inconfortable.
Salle : 103 
Commissaire : Manuel Cirauqui
 
Vito Acconci 
Three Adaptation Studies, 1970 
Film Super 8mm transferido a video (fotograma) 
Courtesy Electronic Arts Intermix, New York

Le programme d’exposition Film &amp; Video du Musée Guggenheim Bilbao est résolument engagé envers les pratiques artistiques contemporaines liées à

Vito Acconci / Sergio Prego: YOU | Musée Guggenheim Bilbao

Partner de l’exposition :

1of1

Partenaire technologique : 

Euskaltel (Anadol)

Cette exposition marque le lancement de in situ, une nouvelle série consacrée à des  installations conçues et réalisées en interaction avec le lieu qui les accueille et qui  repoussent les limites des pratiques contemporaines. Faisant appel à des artistes de  disciplines variées — arts visuels, technologie, musique et performance —, in situ explore  de nouvelles manières de percevoir et d’habiter l’espace.
in situ : Refik Anadol accueille Architecture vivante : Gehry, une installation audiovisuelle  révolutionnaire qui réimagine — à l’aide de l’intelligence artificielle et de l’art génératif —  l’héritage architectural de Frank Gehry. Pour la réaliser, un logiciel personnalisé de  technologie avancée fondé sur l’IA, appelé Large Architecture Model (LAM), a été entraîné  pendant des mois avec un grand nombre d’images, de croquis et de plans en libre accès  afin de traduire le vocabulaire architectural de Gehry en un paysage numérique de formes,  de couleurs et de mouvements dynamiques en constante évolution. Ce spectacle visuel  est accompagné d’un paysage sonore immersif composé par Kerim Karaoglu, basé sur des  sons générés par l’IA et des enregistrements réalisés dans le Musée lui-même.
Architecture vivante : Gehry comprend six chapitres interconnectés, chacun représentant  une étape différente de l’évolution des données vers l’imagination architecturale :
<ul>
<li>Chapitre I Univers des données – Une myriade de matériaux numérisés — photographies  d’archives, plans et documents structurels — sont compilés dans un espace  de mémoire.</li>
<li>Chapitre II Représentation graphique des données – Des motifs commencent à émerger  au fur et à mesure que l’IA traite les matières premières et établit des  relations entre la forme, la texture et la composition spatiale.</li>
<li>Chapitre III Tunnel des données – Les données se transforment en environnements  visuels immersifs dans l’espace latent, invitant les spectateurs à s’engager  dans le processus évolutif de la collaboration humain-machine.</li>
<li>Chapitre IV Large Architecture Model – En transformant les formes de Gehry, l’IA génère  de nouvelles possibilités architecturales qui repoussent les limites de  l’imagination et de la conception.</li>
<li>Chapitre V Hallucination de la machine – Un moment d’abstraction, où les structures  générées par l’IA s’affranchissent des contraintes spatiales conventionnelles.</li>
<li>Chapitre VI Rêves – Un retour au monde de l’architecture — réinterprété à travers  l’imagination illimitée de l’IA —, où l’architecture se transforme en temps réel,  générant continuellement de nouvelles formes qui émergent et évoluent à  chaque instant.</li>
</ul>
En tant qu’exposition inaugurale de la série in situ, l’installation Architecture vivante : Gehry  illustre la manière dont Anadol explore l’avenir de l’art créé spécifiquement pour un espace  et piloté par l’IA, où les données deviennent des matériaux et l’espace, une toile numérique  qui traduit le cheminement de la mémoire, des formes et de l’imagination.
Construite à partir de données issues de sources éthiques exploités par des pratiques informatiques durables, cette installation témoigne d’une approche réfléchie de la création numérique qui allie innovation et responsabilité.
Salles : 204, 208 
Commissaire : Lekha Hileman Waitoller
 
Refik Anadol Studio 
Vue de l’installation Architecture vivante : Gehry (Living Architecture: Gehry) au Musée Guggenheim Bilbao 
© Refik Anadol, Bilbao 2025

Le processus de création de Architecture vivante : Gehry

in situ: Refik Anadol

Cette exposition marque le lancement de in situ, une nouvelle série consacrée à des  installations conçues et réalisées en interaction avec le lieu qui

in situ: Refik Anadol | Musée Guggenheim Bilbao

Chefs-d'œuvre sur papier de Budapest 

Études de tête, ca. 1504–05

Vue de Sarmingstein sur le Danube, 1511

Vénus désarmant Cupidon, ca. 1527–30

Ferme néerlandaise en lumière et ombre, 1635–36

Feuille d’étude, Deux figures de femmes et drapés, ca. 1717

Vue de Budapest, 1881

Le Jardin du presbytère à Nuenen en hiver, 1884

Deux femmes s'embrassant, 1915

Composition, 1922

13 traces, 2016

Chefs-d’œuvre sur papier de Budapest est le résultat d’un partenariat entre le Musée Guggenheim Bilbao et le Musée des Beaux-Arts – Galerie Nationale Hongroise de Budapest, une institution renommée qui abrite des collections d’art international de l’Antiquité au XXIe siècle, et des œuvres d’art hongroises datant du Moyen Âge jusqu’à aujourd’hui. Parmi les collections qui composent son fonds, celle des Estampes et dessins se distingue par son ampleur et son étendue temporelle. Elle comprend, en effet, environ 9000 dessins et 100 000 gravures d’auteurs européens. Réunissant une sélection large et variée d’œuvres de grands artistes, tels que Albrecht Dürer, Léonard de Vinci, Raphaël, Rembrandt, Francisco de Goya, Miklós Barabás, Henri de Toulouse-Lautrec, Pablo Picasso, Egon Schiele, Victor Vasarely, Vera Molnar, Judit Reigl, Dóra Maurer, Georg Baselitz, Katharina Grosse et Gerhard Richter, cette exposition offre un panorama complet de la création graphique, du XVe siècle à nos jours. Les quelque 150 chefs-d’œuvre sélectionnés retracent la tradition séculaire du dessin et de la gravure, deux genres ouverts en permanence au renouvellement, mettant en avant différentes solutions formelles, leurs traits essentiels et leurs effets esthétiques caractéristiques.
Articulée en douze sections thématiques, l’accrochage met en lumière les différentes tendances de chaque époque, les interactions et les questions clé qui se posent dans les domaines du dessin et de la gravure. Si l’exposition présente au public la diversité technique caractéristique de ces médiums, elle va bien au-delà. Elle explore, en effet, la fonction du dessin et de la gravure dans l’histoire de l’art, ainsi que leur fidélité à leur essence au fil des siècles et à travers les nombreux changements de tendances et de styles.
L’exposition donne également un aperçu de l’histoire — riche et mouvementée — de la Collection d’Estampes et dessins du Musée des Beaux-Arts la plus précieuse collection d’œuvres sur papier de Hongrie. Différents documents d’archives racontent ses origines, liées aux fonds des Esterházy, grande famille noble hongroise, et présentent les résultats des efforts réalisés par de nombreux directeurs, restaurateurs et conservateurs du musée.
Salles : 205, 206, 207, 209 
Commissaires : Kinga Bódi et Marta Blàvia
 
Peter Paul Rubens (1577–1640) 
Portrait de profil du fils de l’artiste, Albert Rubens, ca. 1618–19 
Craie noire et rouge, plume, encre brune, lavis brun sur papier 
246 × 202 mm 
MFA CPD ; n° d’inventaire : 1745 
Acquis de la collection Esterházy, 1871 
© 2025 Museum of Fine Arts, Budapest

Diffuser des idées et des images

Burin et eau-forte

Lithographie

Xylographie

Nous vous invitons à participer à une visite virtuelle de l’exposition Chefs-d&#8217;œuvre sur papier de Budapest. Cette promenade comprend toutes les œuvres et les textes d’explication présentés au sein de l’accrochage.

VISITE VIRTUELLE

Chefs-d'œuvre sur papier de Budapest

Chefs-d’œuvre sur papier de Budapest est le résultat d’un partenariat entre le Musée Guggenheim Bilbao et le Musée des Beaux-Arts – Galerie Nationale

Chefs-d&#039;œuvre sur papier de Budapest | Musée Guggenheim Bilbao

Chefs-d'œuvre sur papier de Budapest | Musée Guggenheim Bilbao

Tarsila do Amaral

Paris/São Paulo. Passeports pour la modernité

Une « Caipirinha habillée par Poiret »

L’invention du paysage brésilien

Primitivisme et identité(s)

Le Brésil cannibale

Travailleurs et travailleuses

Nouveaux paysages

Figure centrale du modernisme brésilien, Tarsila do Amaral (ou Tarsila, de son nom d’artiste) est la créatrice d’une œuvre originale et évocatrice, puisant dans les imaginaires indigéniste et populaire autant que dans les instances modernisatrices d’un pays en pleine transformation.
Dans les années 1920, évoluant entre São Paulo et Paris, elle est une passeuse entre les avant-gardes de ces deux capitales culturelles, mettant son univers iconographique brésilien à l’épreuve du cubisme et du primitivisme, en vogue dans la capitale française. Sa peinture inspire alors les mouvements Pau-Brasil et Anthropophage, dont la quête d’un Brésil « authentique », multiculturel et multiracial, vise à refonder sa relation avec les « centres » européens de la colonisation.
La dimension militante de ses peintures des années 1930 et sa capacité à accompagner, jusqu’aux années 1960, les évolutions profondes de son environnement social et urbain confirment la puissance d’une œuvre ancrée dans son temps et toujours prête à se renouveler, malgré les conditions instables que peut rencontrer, en fonction des époques et des contextes, une artiste femme émancipée et indépendante.
Nous invitant au cœur d’une modernité brésilienne qu’elle a contribué à forger plus qu’elle ne l’a illustrée, l’œuvre de Tarsila do Amaral dévoile toute la complexité de ce concept toujours ouvert à débat, soulevant des questions identitaires et sociétales qui demeurent très actuelles, au Brésil comme en Europe.
Exposition organisée par le Musée Guggenheim Bilbao et le GrandPalaisRmn
Salles : 201, 202, 203 
Commissaires : Cecilia Braschi et Geaninne Gutiérrez-Guimarães 
Sièges : Musée du Luxembourg, Paris ; Musée Guggenheim Bilbao
 
Tarsila do Amaral 
Carte postale (Cartão postal), 1929 
Huile sur toile, 127,5 x 142,5 cm 
Collection particulière, Rio de Janeiro 
© Tarsila do Amaral Licenciamento e Empreendimentos S.A. 
Photo : Jaime Acioli

Nous vous invitons à participer à une visite virtuelle de l’exposition Tarsila do Amaral. Peindre le Brésil moderne. Cette promenade comprend toutes les œuvres et les textes d’explication présentés au sein de l’accrochage.

Tarsila do Amaral. Peindre le Brésil moderne

Figure centrale du modernisme brésilien, Tarsila do Amaral (ou Tarsila, de son nom d’artiste) est la créatrice d’une œuvre originale et évocatrice,

Tarsila do Amaral. Peindre le Brésil moderne | Musée Guggenheim Bilbao

Paul Pfeiffer

Les produits purs deviennent fous

Le Long Décompte (Vacarme dans la jungle)

Le Mal en direct (Kuala Lumpur)

Le Matin après le déluge

Les Quatre Cavaliers de l’apocalypse

Les Saints

Torse de Justin Bieber

Dans sa pratique artistique, Paul Pfeiffer analyse en profondeur la nature du spectacle, l’identité et les mécanismes complexes employés dans la culture contemporaine pour construire les images. À l’aide d’une multiplicité de supports (vidéo, photos, sculptures, installations…), il explore les modes variés et complexes par lesquels les images façonnent notre perception et notre expérience.
Pfeiffer aime manipuler des images issues d’événements sportifs, de concerts et de films, qu’il monte adroitement avec des outils numériques. Souvent, ses créations invitent à réfléchir sur la dichotomie entre la vénération et la réification, notamment concernant les athlètes ou les stars de la pop, entre autres icônes mondiales. En mettant en avant les différents rôles que jouent ces personnages dans la culture de masse, Pfeiffer souligne le caractère artificiel des représentations médiatiques et incite le visiteur à examiner d’un oeil critique sa propre consommation de ces images.
Ses installations intègrent souvent des éléments d’échelle : formats minuscules et grands formats sont juxtaposés pour perturber notre perception de l’oeuvre. La conscience de la présence physique de l’observateur par rapport au spectacle est ainsi intensifiée. En outre, Pfeiffer utilise la forme architecturale du stade et d’autres lieux similaires comme un prisme critique à travers lequel il examine l’expérience collective vécue par le fait d’être spectateur. Selon lui, ces espaces ne sont pas de simples lieux de divertissement, mais des arènes où les identités sociales et politiques sont définies et remises en question.
Paul Pfeiffer : Prologue à l’histoire de la naissance de la liberté est l’exposition la plus complète de l’artiste en Europe. À travers une trentaine d’oeuvres, le visiteur découvre le remarquable parcours de celui qui est, incontestablement, l’un des créateurs les plus influents du moment. Commençant dans cette salle et se poursuivant dans la galerie 103 (au même étage), l’exposition retrace l’évolution de Pfeiffer à travers des oeuvres emblématiques qui s’inspirent de l’intensité des récits sportifs et religieux, mais également par des oeuvres plus récentes qui explorent l’héritage du colonialisme et les problèmes d’identité qu’il a engendrés. En définitive, cette exposition célèbre la contribution décisive de Pfeiffer à l’art contemporain et fournit un cadre critique pour analyser des questions complexes comme l’identité, l’appartenance et l’influence omniprésente de la culture des célébrités, tout en soulignant la pertinence de son oeuvre dans une société saturée par les médias.
Exposition organisée par The Museum of Contemporary Art de Los Angeles avec la collaboration du Musée Guggenheim Bilbao
Salles : 105 et 103
 
Paul Pfeiffer 
Les Quatre Cavaliers de l’apocalypse (Four Horsemen of the Apocalypse) (07), 2000/24 
Impression mate en couleur 
146,3 x 182,9 cm 
© Paul Pfeiffer, Bilbao, 2024. 
Courtesy of the artist; Paula Cooper Gallery, Nueva York; carlier | gebauer, Berlín/Madrid; Perrotin; and Thomas Dane Gallery, London

Paul Pfeiffer : Prologue à l’histoire de la naissance de la liberté

Architecture de masse

La pratique de Pfeiffer

Nous vous invitons à participer à une visite virtuelle de l’exposition Paul Pfeiffer. Cette promenade comprend toutes les œuvres et les textes d’explication présentés au sein de l’accrochage.

Paul Pfeiffer. Prologue à l’histoire de la naissance de la liberté

Dans sa pratique artistique, Paul Pfeiffer analyse en profondeur la nature du spectacle, l’identité et les mécanismes complexes employés dans la culture

Paul Pfeiffer. Prologue à l’histoire de la naissance de la liberté | Musée Guggenheim Bilbao

15€ Adulte - 7.5€ Retraité - 7.5€ Étudiants

L&#8217;initiative TopARTE du Musée Guggenheim Bilbao confirme son engagement auprès  des organisations et des institutions culturelles de notre environnement immédiat. Le résultat de cette collaboration fructueuse est un programme varié, multidisciplinaire, riche en contenu et en formats qui s’adresse à tous les publics.
Dans le cadre de ce projet, plusieurs activités sont ainsi présentées au Musée couvrant des disciplines aussi diverses que l&#8217;architecture, le cinéma, la danse, le design, la gastronomie, la musique, les performances et le théâtre.

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