pasadas

Exposiciones

Consulta toda la información necesaria sobre las exposiciones actuales y exposiciones futuras del Museo Guggenheim Bilbao.

Exposiciones | Guggenheim Bilbao Museoa

Pasadas

pasadas | Guggenheim Bilbao Museoa

Audioguia Yayoi Kusama

Audioguía Yayoi Kusama

Yayoi Kusama: desde 1965 hasta hoy

Conferencia Inaugural

Iberdrola

Autorretrato

Infinito

Acumulación

Conectividad Radical

Lo Biocósmico

Muerte

La Fuerza de la Vida

Sala de Espejos del Infinito

“¿Qué significa vivir una vida? Me pierdo en este pensamiento cada vez que creo una obra de arte”.
“Disolución y acumulación, propagación y separación, obliteración particulada y reverberaciones ocultas procedentes del universo: estos iban a ser los cimientos de mi arte, y ya estaban cobrando forma en aquellos tiempos”. 
La artista y escritora japonesa Yayoi Kusama (Matsumoto, Nagano, 1929) es una figura singular admirada por los historiadores de arte por su pionera trayectoria, que abarca múltiples movimientos artísticos desde los años sesenta hasta el momento actual. Convertida en verdadero icono cultural a nivel global, en las últimas siete décadas Kusama se ha consagrado a su visión vanguardista con convicción, perfeccionando su personal estética, que es fiel reflejo de su filosofía vital. 
Esta exposición se centra en las cuestiones existenciales que impulsan las exploraciones creativas de Kusama. A través de sus pinturas, dibujos, esculturas, instalaciones y material documental sobre sus happenings y performances, la muestra ofrece un análisis en profundidad de su práctica, desde los primeros dibujos que realizó siendo adolescente durante la Segunda Guerra Mundial hasta sus últimas instalaciones inmersivas con espejos. Organizada siguiendo criterios cronológicos y temáticos, Yayoi Kusama: desde 1945 hasta hoy aborda los seis temas clave que atraviesan la vida de la artista: Infinito, Acumulación, Conectividad radical, Lo biocósmico, Muerte y La energía de la vida. Estos temas interrelacionados aparecen y evolucionan dentro del universo obsesivo de Kusama, quien lleva décadas agitando la escena artística y la sociedad para favorecer la “sanación de toda la humanidad”.
Salas: 103 y 105 
Comisariado: Doryun Chong y Mika Yoshitake en colaboración con Lucía Agirre 
Sedes: M+, Hong Kong y Museo Guggenheim Bilbao 
Exposición organizada por M+, Hong Kong, en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao
Yayoi Kusama 
Auto obliteración (Self Obliteration), 1966–1974 
Pintura en maniquíes, mesa, sillas, pelucas, bolso, tazas, platos, 
jarra, cenicero, plantas de plástico, flores de plástico y frutas de plástico 
Dimensiones variables 
M+, Hong Kong 
© YAYOI KUSAMA
<img loading="lazy" class="" style="max-width: 74px;" src="https://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2023/06/logo-kusama-300x222-1.png" alt="" width="75px" height="45px" />

Yayoi Kusama

Primeras pinturas

Instalaciones, performances y moda

Reconocimiento Internacional

En la actualidad

VÍDEO DE LA EXPOSICIÓN

En el Museo

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de Yayoi Kusama: desde 1945 hasta hoy. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

EMPEZAR AHORA 

Visita Virtual

Yayoi Kusama: desde 1945 hasta hoy

“¿Qué significa vivir una vida? Me pierdo en este pensamiento cada vez que creo una obra de arte”.

Yayoi Kusama: desde 1945 hasta hoy | Guggenheim Bilbao Museoa

“La experiencia de este año ha sido particularmente intensa por la fuerza de una temática tan importante en nuestro tiempo: el cuidado del medio ambiente. Hemos abarcado gran número de técnicas y soportes.

Artistas

Ansareo, Elssie

&#8220;El punto de partida ha sido el agua, un tema recurrente que hemos tratado desde un nuevo punto de vista. Siempre hay pistas que ayudan a empezar: el entorno del centro, un dibujo, un esquema, una frase… y ¡se hace la luz!

Garagarza, Ibon

Zaloa Ipiña 
“Ha sido tan apasionante como difícil expresar las emociones, reconocerlas, adivinarlas, representarlas, comprenderlas y hacerlas comprender.

Ipiña, Zaloa

Nerea Lekuona 
“La curiosidad y la motivación del grupo es lo que ha impulsado el trabajo realizado este año. Sus ganas de aprender y debatir sobre temas de actualidad han sido el motor del proyecto.

Lekuona, Nerea

Maider López 
“Trabajamos las emociones a través del arte. Las experimentamos en el cuerpo. Atribuimos un color a cada emoción y realizamos esferas con los colores de cada una.

López, Maider

Ibon Sáenz de Olazagoitia 
“Como descubridores de otras épocas, las chicas y chicos del colegio han sido parte de un viaje incierto en el que han buscado desvelar detalles ocultos de la naturaleza que nos rodea que, aunque maltratada,

Sáenz de Olazagoitia, Ibon

Audioguía Aprendiendo a través del arte

BBK_new

14 escolares de 3º curso, Colegio Judimendi, Vitoria-Gasteiz

Naturaleza desvelada

34 escolares de 1º a 6º curso, Colegio Lauaxeta, Laukiz

Los caminos del agua

19 escolares de 2º curso, Colegio San Pedro Apóstol, Bilbao

Acción medioambiente

16 escolares de 6º, Colegio Presentación de María, Donostia/San Sebastián

Soy un león, soy un árbol

23 escolares de 5º curso, Colegio Amor Misericordioso, Bilbao 

¿Qué futuro nos espera?

12 escolares de 5º y 6º curso, Colegio Ingeniero José Orbegozo, Bilbao

Pintando emociones

Esta exposición presenta una selección de las obras de más de un centenar de escolares de entre 6 y 12 años creadas a lo largo del curso 2022-2023 en el marco del programa educativo Aprendiendo a través del arte. Esta iniciativa cumple ahora 25 años, en los que se han ido abriendo nuevos caminos en los centros educativos de la CAPV, enfocando el currículo de Primaria desde una perspectiva artística a través de una pedagogía singular.
Elssie Ansareo, Ibon Garagarza, Zaloa Ipiña, Nerea Lekuona, Maider López e Ibon Saénz de Olazagoitia son los artistas que han acompañado en esta aventura al alumnado de seis colegios y a lo largo de veinte sesiones. En ellas, se han planteado proyectos artísticos que han abordado temas curriculares, como la sostenibilidad, el cuidado del agua o la expresión de las emociones., animando a los escolares a participar en procesos creativos propios, invitándoles a pensar, valorar, elegir, probar, dudar, divertirse, a veces también a perderse y, por supuesto, a equivocarse, ya que sin error no hay avance.
La exposición cierra el ciclo de este proceso artístico y constituye la puesta en escena del trabajo realizado. El público que visite la exposición se encontrará con la inesperada posibilidad de disfrutar de puntos de vista originales y frescos, de explorar ideas inspiradoras y de compartir la emoción de descubrir y crear de los escolares participantes.
Sala: Espacio de Educación

25 años

Impacto

Intercambios con NY

Aprendiendo a través del arte 25 años

Aprendiendo a través del arte 2023

Esta exposición presenta una selección de las obras de más de un centenar de escolares de entre 6 y 12 años creadas a lo largo del curso 2022-2023 en el marco del programa educativo Aprendiendo a través del arte.

Aprendiendo a través del arte 2023 | Guggenheim Bilbao Museoa

Lynette Yiadom-Boakye. Parada 1.

Audioguía Lynette Yiadom-Boakye

Lynette Yiadom-Boakye. Parada 2.

Lynette Yiadom-Boakye

Obras

La artista y escritora británica Lynette Yiadom-Boakye (Londres, 1977) es conocida por sus pinturas de personajes atemporales captados en momentos cotidianos de felicidad, complicidad y soledad. Sus exuberantes óleos sobre lienzo o sobre lino rugoso retratan, con pinceladas sueltas, a personas ficticias sobre fondos teatrales. La artista no trabaja con modelos reales, sino que sus figuras son composiciones tomadas de distintas fuentes, como álbumes de recortes y dibujos, recuerdos y observaciones de la vida cotidiana. Los detalles, como el vestuario o atuendo, el calzado o su ausencia, no permiten situar a las figuras en un espacio y tiempo concretos. Los cuadros nos invitan a detenernos y observar cuidadosamente, adentrándonos en los relatos pictóricos de ficción que teje la artista; sus poéticos títulos nos incitan a pensar, reforzando la idea de que una gran parte de la interpretación dependerá de la imaginación de quien contemple su obra.
Ningún ocaso tan intenso presenta una selección de más de 70 pinturas y dibujos al carboncillo realizados entre 2020 y 2023 que se muestran al público por primera vez. La exposición representa, por tanto, una extraordinaria oportunidad para descubrir el fundamento de la artista: crear pinturas evocadoras en las que se refleje la experiencia humana. En esta última etapa, Yiadom-Boakye ha vuelto al dibujo al carboncillo, cuya escala íntima y aire de improvisación generan una impresión de inmediatez. La contemplación de estos dibujos junto a las pinturas permite apreciar la profundidad y destreza que la artista logra trabajando en los distintos soportes.
Esta muestra se ha concebido como respuesta a la relación y el diálogo que se establece entre los dibujos y pinturas de Lynette Yiadom-Boakye. Se puede comenzar el recorrido en cualquiera de las cuatro salas que constituyen la exposición, con el fin de sumergirse en los trazos, los gestos y las reflexiones que definen Ningún ocaso tan intenso. El público tiene a su disposición una playlist seleccionada por la artista expresamente para esta muestra al objeto de aportar un contexto más amplio en torno a las fuentes que le sirven de inspiración en su trabajo.
Salas: 201, 202, 203, 204, 208 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller
Lynette Yiadom-Boakye 
Divine Repose, 2021 
Óleo sobre lino 
90 x 85 x 3,6 cm 
Cortesía del artista, Corvi-Mora, Londres, y Jack Shainman Gallery, Nueva York

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de Lynette Yiadom-Boakye. Ningún ocaso tan intenso. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

Lynette Yiadom-Boakye. Ningún ocaso tan intenso

La artista y escritora británica Lynette Yiadom-Boakye (Londres, 1977) es conocida por sus pinturas de personajes atemporales captados en momentos

Lynette Yiadom-Boakye. Ningún ocaso tan intenso | Guggenheim Bilbao Museoa

Oskar Kokoschka. Un rebelde de Viena

Audioguía

Fundación BBVA

Sección I - Un enfant terrible en Viena (1907–1916)

Sección II - Los años de Dresde (1916–1923)

Sección III - Viajes y estancias en París (1923–1934)

Sección IV - Resistencia en Praga (1934–1938)

Sección V - Exilio en Inglaterra (1938–1946)

Sección VI - Un artista europeo en Suiza (1946–1980)

Pintor, poeta, escritor, ensayista y dramaturgo, Oskar Kokoschka (1886–1980) comenzó su carrera en la Viena de principios del siglo XX, al igual que Gustav Klimt (1862–1918) y Egon Schiele (1890–1918). Sus primeras obras escandalizaron tanto al público como a la crítica, que enseguida le calificó como “el gran salvaje” (Oberwildling). Su rica trayectoria personal y artística abarca la mayor parte del siglo XX, estando estrechamente ligada a los acontecimientos históricos de su tiempo.
A lo largo de su vida, su afán de independencia le mantuvo al margen de cualquier movimiento artístico. En ese sentido, el único adjetivo que Kokoschka aceptó para sí mismo fue el de expresionista: “Soy un expresionista porque no sé hacer otra cosa que expresar la vida”. Este compromiso con su arte se refleja en cada una de sus obras y convierte al pintor en testigo fundamental de su época y de las transformaciones que en ella se desarrollaron.
El radicalismo de sus comienzos le llevó a ser blanco de los nazis, que le señalaron como representante del “arte degenerado”. Debido a la lucha contra el fascismo que mantuvo a través de sus obras, llegó a ser en una figura influyente en la reconciliación europea tras la Segunda Guerra Mundial y participó activamente en la reconstrucción cultural de un continente devastado.
Salas: 205, 206, 207 y 209 
Comisarios: Dieter Buchhart y Anna Karina Hofbauer, en colaboración con Fabrice Hergott y Fanny Schulmann 
Sedes: Musée d’Art Moderne de Paris, Museo Guggenheim Bilbao 
Exposición organizada por el Museo Guggenheim Bilbao y el Musée d’Art Moderne de Paris, Paris Musées
Oskar Kokoschka 
El pintor II (El pintor y su modelo II) [Der Maler II (Maler und Modell II)], 1923 
Óleo sobre lienzo, montado sobre madera 
85,5 × 130,5 cm 
Saint Louis Art Museum, Legado de Morton D. May, 1983 
© Fondation Oskar Kokoschka, 2023, VEGAP, Bilbao

Oskar Kokoschka. Un artista polifacético

Kokoschka, Observador

Kokoschka, Rebelde

Kokoschka, Pintor

Kokoschka, Artista degenerado

Kokoschka, Profesor

Kokoschka, Humanista

Kokoschka, Persona socialmente comprometida

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de Oskar Kokoschka. Un rebelde de Viena. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

EMPEZAR AHORA

Pintor, poeta, escritor, ensayista y dramaturgo, Oskar Kokoschka (1886–1980) comenzó su carrera en la Viena de principios del siglo XX, al igual que

Oskar Kokoschka. Un rebelde de Viena | Guggenheim Bilbao Museoa

Joan Miró. La Realidad Absoluta

De Barcelona a París

Pinturas oníricas y paisajes

Expresionismos. Hacia las Constelaciones. Pinturas blancas de 1945

Joan Miró (Barcelona, 1893–Palma de Mallorca, 1983) está considerado como uno de los más grandes artistas del siglo XX. Su obra es admirada por sus radicales innovaciones formales, desarrolladas en el contexto de las primeras vanguardias, principalmente del Dadaísmo y del Surrealismo. Miró se interesó también por cuestiones espirituales, fascinado por la mística, las visiones y los sueños. Asimismo, su trabajo permite lecturas políticas, considerando su simpatía por el nacionalismo catalán y su oposición a la dictadura franquista. Cuarenta años después de su muerte, su arte no ha perdido su seductora condición enigmática.
La realidad absoluta explora un periodo fundamental de su trayectoria: el que va de 1920 —fecha de su primer viaje a París— a 1945, caracterizado por su constante ebullición de ideas, que van del realismo mágico inicial a un vocabulario personal de signos constelados o flotantes sobre fondos ambiguos. En esta evolución se hace evidente la atracción que el arte prehistórico —incluidas pinturas rupestres, petroglifos y estatuillas— ejerció en Miró, quien propugnaba volver a los albores del arte con la intención de recuperar su sentido espiritual originario.
Miró realiza una permanente transformación de la experiencia vivida en arte. Todas las marcas que pintaba en sus obras se correspondían con algo concreto, anclándose en una realidad profunda que formaba parte de la realidad misma.
Sala: 105 
Comisario: Enrique Juncosa
Joan Miró 
Pintura (El sol) [Peinture (Le Soleil)], 1927 
Óleo sobre lienzo 
38,3 x 46,2 cm 
Cortesía The David &amp; Ezra Nahmad Collection 
© Successió Miró, 2023

Joan Miró

Formación

París - Montroig

Exilio y reconocimiento

Experimentación y obra tardía

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de Joan Miró. La realidad absoluta. París, 1920-1945. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

Joan Miró. La realidad absoluta. París, 1920–1945

Joan Miró (Barcelona, 1893–Palma de Mallorca, 1983) está considerado como uno de los más grandes artistas del siglo XX. Su obra es admirada por sus

Joan Miró. La realidad absoluta. París, 1920–1945 | Guggenheim Bilbao Museoa

Secciones/Intersecciones  

Charla inaugural

Sala 103

 Sala 105

2ª planta

3ª planta

8 de septiembre, 2022 – 22 de enero, 2023

La vida material

20 de septiembre, 2022 – 22 de enero, 2023

Marcando la historia

19 de octubre, 2022 – 26 de febrero, 2023

Desplegando narrativas

En 2022 el Museo Guggenheim Bilbao celebra su 25º Aniversario a través de una ambiciosa muestra de su Colección Propia que se despliega en todas sus salas.
La exposición toma la forma de un gran tríptico expositivo, compuesto por tres aproximaciones temáticas que dialogan entre ellas, permitiendo redescubrir las obras que han definido históricamente tanto el interior como el exterior del Museo. Así, cada planta del edificio ofrece una presentación de la Colección: Secciones/Intersecciones. La vida material, en la galería 105; Desplegando narrativas, en la segunda planta; y Marcando la historia, en la tercera, constituyen los ejes temáticos de este tríptico expositivo, que permite tener por primera vez una visión panorámica del acervo que el Museo ha ido adquiriendo desde su fundación hasta nuestros días. Asimismo, en el contexto del 25º Aniversario, la sala 103 alberga una instalación excepcional de Yayoi Kusama.
Comisarios: Lekha Hileman Waitoller, Manuel Cirauqui, Geaninne Gutiérrez-Guimarães, Lucía Agirre, Maite Borjabad
El Anatsui 
Mar creciente (Rising Sea), 2019 
Aluminio y alambre de cobre 
800 x 1400 cm 
Guggenheim Bilbao Museoa

Si los materiales hablaran…

Mona Hatoum

Jannis Kounellis

Asier Mendizabal

Yoko Ono

Si las paredes hablaran…

El Anatsui

Jenny Holzer

Jeff Koons

Sol Lewitt

Joseph Beuys

Christian Boltanski

Francesco Clemente

Abigail Lazkoz

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición Secciones / Intersecciones. 25 años de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

Secciones / Intersecciones. 25 años de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao

En 2022 el Museo Guggenheim Bilbao celebra su 25º Aniversario a través de una ambiciosa muestra de su Colección Propia que se despliega en todas sus

Secciones / Intersecciones. 25 años de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao | Guggenheim Bilbao Museoa

Bilbao, 1989

Raquel Asensi

Nora Aurrekoetxea Etxebarria

Bilbao, 1990

Helena Goñi

Vitoria-Gasteiz, 1986

Jon Gorospe

Vitoria-Gasteiz, 1984

Gala Knörr

Logroño, 1993

Maite Pinto

Quito, 1981

Karla Tobar Abarca

Bilbao, 1981

Alain Urrutia

Quito, 1984

Cristian Villavicencio

Bilbao, 1988

Diego Vivanco

Esta exposición reúne obras realizadas por diez artistas participantes en el Programa de artistas vascos, una iniciativa conjunta del Museo Guggenheim Bilbao y el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York. Concebida en 2015, esta iniciativa se dirige a creadores que han nacido o residen en el País Vasco en la actualidad. Cada año se selecciona a dos autores, que reciben una orientación intensiva sobre la escena artística neoyorquina, adquiriendo una experiencia formativa única diseñada para fomentar el intercambio y el desarrollo profesional de los asistentes. Entre los seleccionados para esta exposición se encuentran Raquel Asensi, Nora Aurrekoetxea Etxebarria, Helena Goñi, Jon Gorospe, Gala Knörr, Maite Pinto, Karla Tobar Abarca, Alain Urrutia, Cristian Villavicencio y Diego Vivanco. En su trabajo, estos artistas contemporáneos abordan cuestiones como la identidad, la historia, la representación, y la memoria tanto individual como colectiva a través de multitud de medios, como la pintura, la escultura, la obra sobre papel, la fotografía, el vídeo, la instalación de ubicación específica o la performance. La muestra presenta una selección coherente de obras realizadas en las más diversas prácticas contemporáneas y producidas por estos creadores tras su paso por este Programa.
Comisarias: Lucía Agirre y Geaninne Gutiérrez-Guimarães, curators, Museo Guggenheim Bilbao
Karla Tobar Abarca (Quito, 1981) 
Documental_proyecto &lt;mochila-escáner&gt; 
(&lt;scanner-pack&gt;project_documentary), 2022 
Vídeo, color, sonido estéreo, 30 min 
Colección de la artista 
Foto © Karla Tobar

Programa de artistas vascos, 2015-19

Esta exposición reúne obras realizadas por diez artistas participantes en el Programa de artistas vascos, una iniciativa conjunta del Museo Guggenheim

Programa de artistas vascos, 2015-19 | Guggenheim Bilbao Museoa

The Otolith Group. O Horizon

Conversación con artistas

Desde 2002, The Otolith Group —formado por Anjalika Sagar (Londres, 1968) y Kodwo Eshun (Londres, 1966)— ha creado películas, obras sonoras, instalaciones, exposiciones y textos fundamentados en una amplia investigación, el pensamiento decolonial y la amistad transcultural. Tomando su nombre de los otolitos, pequeñas piedras que se alojan en el oído interno de los animales vertebrados —una estructura sensorial que permite al organismo orientarse, equilibrarse y reconocer la aceleración y la posición— este colectivo señala alegóricamente su intención de operar en múltiples dimensiones simultáneamente.
En el centro de esta exposición se muestra la instalación fílmica Horizonte O, obra centrada en la escuela Visva Bharati de Santiniketan (Bengala Occidental, India), institución fundada en 1921 por el escritor y Premio Nobel de Literatura Rabindranath Tagore. Al tiempo que guiaba a la India hacia su independencia y transformación cultural, Tagore anticipó algunas de las cuestiones clave de nuestro presente globalizado, como la emergencia medioambiental, la amenaza de los extremismos nacionalistas y religiosos y la importancia de la transmisión intergeneracional. The Otolith Group pondera la persistencia del enfoque de Tagore en la Santiniketan de hoy. El film comienza con un poema en el que el escritor interpela a sus futuros lectores (“de aquí a cien años”) acerca de la llegada de la primavera y la naturaleza floreciente a su alrededor. Entre los motivos que animan Horizonte O está el de escenificar un encuentro, en el cual el espectador ha de responder al interrogante que el poeta plantea sobre lo que el porvenir pueda responderle.
En una exuberante secuencia de registros, la película nos lleva a través del campus y sus bailes, sus ensayos y rituales, sus aulas en el interior de la escuela y al aire libre. Mientras los micrófonos captan canciones místicas de poesía épica Kabir, así como conversaciones y juegos, las cámaras capturan las miradas de los animales y la profundidad de la vegetación, observadas en silencio. La visión ecológica de Tagore está siempre presente como clave de la fundación de Visva Bharati, lugar donde confluyen las artes y la artesanía en íntima conexión con una pedagogía de la Tierra. El empeño, tanto cultural como agrícola, del poeta por revigorizar el suelo aportando sustratos fértiles de zonas cercanas ha convertido Santiniketan, con el paso del tiempo, en el terreno fecundo y vibrante que es hoy. Una fase crucial de esa transformación se sitúa en el estrato superior del suelo, donde la descomposición de hojas, hierba, fruta y restos animales forma una capa que los agrónomos denominan “Horizonte O” y de la que este proyecto fílmico toma su título. The Otolith Group considera el fundamento poético y político de ese espacio frágil y dinámico como un elemento crucial en la labor de Tagore, el cual continúa nutriendo un pensamiento contemporáneo al mismo tiempo ecológico y cosmopolítico.
Este pensamiento se prolonga a través de una serie de fotomontajes Estudios de Santiniketan, de la que se presenta una selección a la entrada de la exposición. Esta obra de The Otolith Group se puede interpretar como un cuaderno de apuntes que acompaña la producción de Horizonte O, pero también como una ampliación del impulso arqueológico y especulativo del filme. Cada imagen invoca a figuras clave, como Mahatma Ghandi o el artista y educador K. G. Subramanyan, mientras coexisten, de manera anacrónica, estratos de memoria de generaciones diversas. Por otra parte, los árboles constituyen un elemento recurrente en la serie, y aparecen en el centro de círculos al aire libre al modo de las características “escuelas bajo los árboles” del sistema educativo de Tagore. Emblemas de la longevidad de la naturaleza, los árboles son asimismo una manifestación de la agronomía regenerativa y del proyecto de “terraformación” puesto en práctica en Santiniketan desde su creación.
También en este espacio se muestra una selección de obras sobre papel del artista Vydia Sagar (1938–2016), padre de Anjalika Sagar y colaborador en varias obras de The Otolith Group, a cuya memoria está dedicada Horizonte O. Sagar formó parte de una generación influida por la escuela tagoreana y el espíritu de Santiniketan entre las radicales transformaciones culturales que se produjeron en la India en la década de 1960. Asimismo, Sagar se encuentra entre los ejemplos más notables de la cultura transversal de Visva Bharati, según la cual todos los lenguajes artísticos se comunican entre ellos. Las abstracciones tántricas de Sagar usan refinados perfiles y delicados tonos de pintura al pastel para generar momentos de musicalidad visual que reinterpretan las iconografías de la India en consonancia con la poética evocadora de Horizonte O.
Curator: Manuel Cirauqui
The Otolith Group. Horizonte O (O Horizon), 2018. 
Imagen de producción audiovisual. 
Cortesía de los artistas © The Otolith Group

Desde 2002, The Otolith Group —formado por Anjalika Sagar (Londres, 1968) y Kodwo Eshun (Londres, 1966)— ha creado películas, obras sonoras,

The Otolith Group. O Horizon | Guggenheim Bilbao Museoa

13€ Adultos - 6.5€ Jubilados - 6.5€ Estudiantes

15€ Adultos - 7.5€ Jubilados - 7.5€ Estudiantes

La iniciativa TopARTE del Museo Guggenheim Bilbao se reafirma en su compromiso con las entidades y agentes culturales de nuestro entorno más próximo. El resultado de esta fructífera colaboración es un variado programa multidisciplinar rico en contenidos y formatos, y destinado a todos los públicos.
Así, en el marco de esta iniciativa se presentan en el Museo actividades que abarcan disciplinas tan diversas como la arquitectura, el cine, la danza, el diseño, la gastronomía, la música, la performance o el teatro.