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Exposiciones | Guggenheim Bilbao Museoa

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Paul Pfeiffer

Charla inaugural

Plano audioguía

Paul Pfeiffer 

Audioguía

Los productos puros se vuelven locos

La cuenta larga (Estruendo en la jungla)

Maldad en directo (Kuala Lumpur)

La mañana después del Diluvio

Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis

Los Santos

Torso de Justin Bieber

La práctica artística de Paul Pfeiffer se caracteriza por su análisis en profundidad de la naturaleza del espectáculo, la identidad y los intrincados mecanismos empleados para la construcción de imágenes en la cultura contemporánea. Abarcando una diversidad de medios, como el vídeo, la fotografía, la escultura y la instalación, su obra le permite explorar las diferentes y complejas formas en que las imágenes definen nuestra percepción y experiencia.
Resulta clave en el trabajo de Pfeiffer su manipulación de imágenes en movimiento de eventos deportivos, conciertos de música y películas, que el artista edita con destreza mediante tecnología digital. Sus creaciones a menudo reflexionan sobre la dicotomía entre veneración y cosificación, particularmente en referencia a iconos globales, como deportistas o estrellas del pop. Pfeiffer pone de relieve los distintos roles que desempeñan estas figuras en la cultura de masas, dirigiendo la atención hacia la artificiosidad de las representaciones que proyectan los medios e incitando al público a examinar de manera crítica su propia posición en el consumo de estas imágenes.
Las instalaciones de Pfeiffer a menudo incorporan elementos relacionados con la escala, yuxtaponiendo formatos minúsculos con otros de gran envergadura para alterar nuestra relación con la obra. Este enfoque intensifica la percepción de la presencia física de quien observa en relación con el espectáculo. Además, Pfeiffer emplea la forma arquitectónica del estadio y otros recintos similares como un prisma crítico a través del cual examina la experiencia colectiva que entraña ser espectadores. A su juicio, estos espacios no son meros lugares de entretenimiento, sino escenarios donde se definen y cuestionan identidades sociales y políticas.
La exposición Paul Pfeiffer: Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad constituye la presentación más amplia del trabajo de este artista en Europa, con una treintena de obras que abarcan el conjunto de su prominente carrera y reafirman su posición como uno de los creadores más influyentes del momento. Comenzando en esta sala y continuando en la galería 103 (en esta misma planta), la muestra traza la evolución de Pfeiffer a través de piezas icónicas que se basan en la intensidad de las narrativas de los deportes y la religión, y se exhiben junto a otras obras recientes que abordan el legado del colonialismo y los aspectos identitarios que conlleva. En definitiva, esta muestra no solo celebra la decisiva aportación de Pfeiffer al arte contemporáneo, sino que también proporciona un marco crítico para analizar las complejas cuestiones de la identidad, la pertenencia y la influencia generalizada de la cultura de los famosos, subrayando la relevancia de su trabajo en una sociedad saturada por los medios.
Exposición organizada por The Museum of Contemporary Art, Los Ángeles, en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao
Salas: 105 y 103
 
Paul Pfeiffer 
Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis (Four Horsemen of the Apocalypse) (07), 2000/24 
Impresión mate en color 
146,3 x 182,9 cm 
Cortesía del artista y carlier | gebauer 
© Paul Pfeiffer. Cortesía del artista; Paula Cooper Gallery, Nueva York; carlier | gebauer, Berlín/Madrid; Perrotin; y Thomas Dane Gallery, Londres
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Paul Pfeiffer: Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad

Arquitectura de masas

La práctica de Pfeiffer

Vídeo de la Exposición

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de Paul Pfeiffer. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

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Paul Pfeiffer. Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad

La práctica artística de Paul Pfeiffer se caracteriza por su análisis en profundidad de la naturaleza del espectáculo, la identidad y los intrincados

Paul Pfeiffer. Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad | Guggenheim Bilbao Museoa

Hilma af Klint

Iberdrola

Sala 205

Los comienzos

Dibujos espirituales, Las Cinco (1898–1908)

Caos primigenio (1906–07)

Eros (1907)

Sala 206

Grandes pinturas de figuras (1907)

Sala 207

La estrella de siete puntas (1908)

Evolución (1908)

Sala 209

Los diez mayores (1907)

Sala 203

La paloma (1915)

Retablos y Cuadro final (1915)

Sala 202

Serie Perceval y Serie del átomo (1916–17)

Series geométricas y Acuarelas (1920–22)

Sala 204

El árbol del conocimiento (1913)

Sala 208

El cisne (1915)

En 1906, Hilma af Klint (Estocolmo, 1862–1944) se embarcó en su proyecto más importante e innovador, las Pinturas para el templo. A lo largo de casi una década, realizó 193 obras pictóricas y dibujos que se alejaban de las representaciones conocidas hasta el momento. Audaces, llenas de color y a menudo liberadas de las ataduras que implican las referencias al mundo visible, estas piezas exploran fuerzas y estructuras que según Af Klint estaban ocultas a la vista. Al ejecutarlas, la artista abandonó las convenciones de la tradición académica sueca y dirigió su atención a las corrientes científicas y espirituales de su época. Incorporando ideas e iconografía de estos dos ámbitos y creando al mismo tiempo un vocabulario artístico personal y único, Af Klint se consolidó como una pionera en la representación de lo invisible.
Af Klint se abría camino como artista mientras asistía a los profundos cambios sociales de su tiempo, incluidos los movimientos por los derechos de las mujeres. Pese a las limitaciones a las que las mujeres se hallaban sometidas a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, Af Klint pudo formarse en la Real Academia de Bellas Artes y exponer sus obras figurativas más tradicionales, pero tuvo que luchar para desarrollar su arte con total libertad. En un contexto en el que se consideraba que las artistas solo eran capaces de copiar, y no de innovar, fueron escasas las ocasiones en las que exhibió su arte más abstracto y radical, y le costó mucho encontrar un público que supiera apreciarlo. Inasequible al desaliento, editó, conservó y catalogó al detalle su obra, con el fin de que pudiera llegar a una audiencia futura. Incluso estipuló que su trabajo no debía exponerse hasta pasadas dos décadas de su fallecimiento, considerando que entonces el mundo ya estaría preparado para comprenderlo. Finalmente, su pintura se mostró en 1986, cuarenta y dos años después de su muerte; pero han tenido que transcurrir varias décadas más para que su magnífico legado ocupe el lugar que merece.
Esta exposición presenta una panorámica de la trayectoria de la artista sueca, incluyendo, además de 110 de sus fundamentales Pinturas para el templo, varias creaciones tempranas más convencionales, dibujos automáticos que realizó con el grupo espiritista de Las Cinco, sus series dominadas por la geometría posteriores a las Pinturas para el templo, y acuarelas y cuadernos de apuntes de su último periodo.
Salas: segunda planta 
Comisarias: Tracey R. Bashkoff, Directora Senior de Colecciones y Curator Senior, Solomon R. Guggenheim Museum, y Lucía Agirre, Curator, Museo Guggenheim Bilbao
 
Hilma af Klint 
Grupo VI, Evolución, n.º 16, Serie WUS/Estrella de siete puntas 
(Grupp VI, Evolutionen, nr 16, Serie WUS/Sjustjärnan), 1908 
Óleo sobre lienzo 
102 x 133 cm 
Cortesía The Hilma af Klint Foundation, Estocolmo, HaK 84 
©The Hilma af Klint Foundation, Bilbao 2024

Creencias espirituales y teosofía. Puertas a mundos espirituales

Avances científicos. Tras las fuerzas de la materia

La voz de las mujeres. De la penumbra a la esfera pública

Obras figurativas y abstractas. Observación e invención

Cronología

En el museo

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En 1906, Hilma af Klint (Estocolmo, 1862–1944) se embarcó en su proyecto más importante e innovador, las Pinturas para el templo. A lo largo de casi una

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Yoshitomo Nara

Audioguia

Visita privada con la comisaria

Fundación BBVA

Un lugar solitario

En busca de lo que faltaba

Aquí tengo todo lo que necesito

Tras el terremoto

Pensar en silencio

Bajo el cielo brumoso

Dibujando las líneas y defendiendo la paz

Yoshitomo Nara es uno de los artistas más célebres de su generación. Su obra es ampliamente reconocida por las audaces y caricaturescas figuras infantiles de gran cabeza y ojos grandes tan fascinantes como en ocasiones amenazadoras, desafiantes e insolentes, o melancólicas e inseguras, que con el paso del tiempo se han vuelto cada vez más serenas y reflexivas. Si bien Nara no obtuvo una aceptación inmediata en el mundo del arte, su innovador estilo gráfico está plenamente consolidado en la actualidad.
Los personajes de Nara —sus figuras, animales y seres híbridos— son un reflejo de sí mismo, una representación plástica de sus emociones y pensamientos más íntimos, y muestran la profundidad de su humanismo. Las fuentes de su creación son recuerdos de infancia —grabados a fuego en su memoria—, su conocimiento de la música y la literatura, la historia del arte japonés y europeo —enriquecida por su insaciable curiosidad—, así como los estimulantes encuentros, llenos de empatía, que ha mantenido con personas y culturas en sus viajes por Japón y el extranjero.
Conocido por su actitud desenfadada y su espíritu libre, el artista siempre ha sentido pasión por la música folk, rock y punk underground. Desde su profunda implicación con la humanidad y la sociedad, su obra, comprometida con el mundo que compartimos, examina y propone ideas acerca de cuestiones como el hogar, la comunidad, la naturaleza, el medioambiente y las interrelaciones entre estos ámbitos.
Nacido en 1959 en las afueras de Hirosaki, en el norte de Japón, Nara estudió pintura en la Universidad de Bellas Artes de Aichi. A finales de la década de 1980 se trasladó a Alemania para asistir a la prestigiosa Kunstakademie de Düsseldorf. Permanecería en aquel país doce años, durante los cuales continuó desarrollando su singular lenguaje pictórico. En 2000 regresó a Japón, donde sigue viviendo y trabajando en la actualidad. Su arte guarda una relación directa con su propia historia y experiencias vitales. Nutren el corazón de su obra los imborrables recuerdos de su infancia en Japón —sobre todo la sensación de soledad— y de su estancia en el extranjero, con la habitual impresión de aislamiento que conoció en Alemania, al no hablar el idioma del país.
Esta retrospectiva no está organizada cronológicamente, sino que Nara la ha estructurado expresamente por temas con el fin de revelar sus claves personales y emocionales al objeto de transmitir su razón de ser como artista, así como las ideas que le interesan y resultan fundamentales en su proceso creativo: cuestiones recurrentes, el desarrollo de su enfoque formal y la variedad de técnicas.
La muestra nos sumerge en el sugerente “Mundo de Nara” a través de una serie de piezas que abarcan las cuatro últimas décadas. Original y persistente, la iconografía de Nara ilustra bien la continuidad de pensamiento que ha mantenido a lo largo de toda su carrera y permite poner de relieve su evolución estilística. Aunque Nara se considera principalmente un pintor, explora cada tema recurriendo también a otros medios y formatos, como el dibujo, la escultura y la instalación.
Sala: 105 
Comisaria: Lucía Agirre 
Sedes: Museo Guggenheim Bilbao; Museo Frieder Burda, Baden-Baden; Hayward Gallery-Southbank Centre, Londres
 
Yoshitomo Nara 
En el charco más profundo II (In the Deepest Puddle II), 1995 
Acrílico sobre algodón montado sobre lienzo 
120 x 110 cm 
Colección Ruytaro Takahashi 
© Yoshitomo Nara, cortesía Yoshitomo Nara Foundation

Infancia

En el extranjero

Regreso a Japón

Gran Terremoto de Japón Oriental

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Yoshitomo Nara es uno de los artistas más célebres de su generación. Su obra es ampliamente reconocida por las audaces y caricaturescas figuras infantiles

Yoshitomo Nara | Guggenheim Bilbao Museoa

Anthony McCall: Fracción de segundo

Coincidiendo con el décimo aniversario de la programación expositiva dedicada a las prácticas artísticas de la imagen en movimiento, la galería Film &amp; Video albergará la obra, a la vez fílmica y radicalmente abstracta, de Anthony McCall (Orpington, Reino Unido, 1946). De manera característica y siempre enigmática, la práctica de este artista británico afincado en Nueva York aúna la proyección cinematográfica con el fenómeno escultórico; pero igualmente puede ser observada desde el punto de vista del dibujo en el espacio o del arte lumínico. Desde la década de los setenta hasta hoy, McCall ha construido su trabajo en torno al concepto de “luz sólida”, una noción con la que se refiere al efecto de volumen que la proyección controlada de planos luminosos genera en un espacio expositivo.
Así, el artista produce formas que se mueven hipnótica e intangiblemente en la penumbra de la sala. En claro diálogo con las obras de Richard Serra y Lucio Fontana en la Colección, esta exposición reúne un conjunto de piezas en una configuración absolutamente inédita y pensada específicamente para el espacio del Museo. Junto a ellas se incluirán elementos inéditos de su archivo, que ayudarán a contextualizar la investigación de McCall en las últimas décadas.
Sala: 103 
Comisario: Manuel Cirauqui
 
Anthony McCall 
Cara a cara (Face to Face), 2018 
Vista de la exposición en Hepworth Wakefield, Reino Unido, 2018 
Foto: Darren O’Brien/Guzelian Pictures. Cortesía del artista

Coincidiendo con el décimo aniversario de la programación expositiva dedicada a las prácticas artísticas de la imagen en movimiento, la galería Film &amp;

Anthony McCall: Fracción de segundo | Guggenheim Bilbao Museoa

“La naturaleza, la flora y la fauna nos enseñan infinidad de cosas y de valores si observamos con atención&#8230;”

Artistas

Elssie Ansareo

“La Arboleda es uno de esos lugares en los que nuestra presencia e interacción con el entorno se evidencian de una manera diferente&#8230;”

Ibon Garagarza

“La experiencia de este año ha sido apasionante. La participación activa del alumnado y profesorado ha orientado todo el proyecto&#8230;&#8221;

Zaloa Ipiña

“Explorar la intersección entre la historia del arte y la alimentación ha sido el eje central de nuestro trabajo en este curso&#8230;&#8221;

Nerea Lekuona

“En mi trabajo de educadora hay convergencias con mi trabajo de artista. A través de proyectos educativos, experimento preocupaciones e intereses que estoy desarrollando en mi propia labor artística&#8230;&#8221;

Maider López

“Esta práctica se sirve de conceptos y modos de hacer propios del arte, como la abstracción, lo simbólico o las metáforas, que permiten contemplar el mundo desde otro punto de vista&#8230;&#8221;

Manu Muniategi

Aprendiendo a través del arte

10 alumnos de 5º y 6º curso, Colegio Escolapios Calasanz, Vitoria-Gasteiz

Arte que se come

16 alumnos de 1er a 6º curso, Colegio La Arboleda, Trápaga

Huellas del pasado y del futuro

21 escolares de 2º curso, Colegio Artatse, Bilbao

Paisajes que cobran vida

21 escolares de 2º curso, Colegio Eretza Berri, Sodupe

Naturaleza en transformación

17 escolares de 5 y 6º curso, Colegio Manuela Zubizarreta, Etxebarria

Al cuidado de la huerta

13 escolares de 6º curso, Colegio Katalin Erauso, Donostia/San Sebastián 

Lo que tenemos en común

Aprendiendo a través del arte es un programa educativo que, a través de una metodología única y singular, utiliza el arte como herramienta para reforzar el currículo de Educación Primaria. Durante el curso escolar 2023–2024, seis artistas del Museo han acompañado en esta aventura creativa al alumnado de otros tantos colegios a lo largo de veinte sesiones. En ellas, se han planteado proyectos artísticos que han abordado contenidos como la importancia de una alimentación saludable, la búsqueda de vínculos entre las personas o miradas innovadoras a la naturaleza y al entorno. El vídeo, la pintura, la fotografía o la escultura han servido a estos escolares para explorar y entender la realidad y reforzar su capacidad colaborativa, su creatividad y su imaginación. Hemos animado a niñas y niños a participar en sus propios procesos artísticos, invitándoles a pensar, valorar, elegir, probar, dudar, divertirse, a veces también a perderse y, por supuesto, a equivocarse, ya que sin error no hay avance.
La exposición de los proyectos de estos escolares en el Museo constituye el último paso del programa artístico y educativo. En esta ocasión, los cambios y procesos de la naturaleza, la identidad local, la relación entre lo común y lo propio o la importancia de los cuidados han inspirado muchas de las propuestas que se exhiben en este espacio. En el exterior de la sala, un vídeo muestra el proceso creativo del curso, ofreciendo un resumen de lo que se fue gestando en los colegios a lo largo del año.
Como broche final la muestra pone en escena el trabajo realizado. Visitarla brinda la inesperada posibilidad de contemplar puntos de vista originales y frescos, explorar ideas inspiradoras y sentir la misma emoción que experimentaron los escolares participantes haciendo sus descubrimientos y lanzándose a la creación. La programación artística del Museo suele incluir oportunidades para reflexionar sobre el medio ambiente; Aprendiendo a través del arte sigue esta misma línea de sostenibilidad ambiental, tanto en la selección de los materiales empleados para su presentación como en la temática de muchos de los proyectos.

Intercambio

EN EL MUSEO

Aprendiendo a través del arte 2024

Aprendiendo a través del arte es un programa educativo que, a través de una metodología única y singular, utiliza el arte como herramienta para reforzar

Aprendiendo a través del arte 2024 | Guggenheim Bilbao Museoa

Martha Jungwirth

Conferencia

Entrevista a la artista y a la comisaria

Occident

205. Objetos y personas

206. Viajes y evasión

207. El animal como iconografía

209. Historia del arte

Martha Jungwirth (Viena, 1940) ha definido su arte como una especie de diario que registra su implicación corporal en el proceso creativo. Considera cada dibujo y pintura como una extensión dinámica de su propio ser donde surgen estructuras inteligentes de líneas y manchas impulsadas por sus movimientos y emociones. Su trabajo se centra en lo fluido, lo transparente, lo abierto, apartándose del afán de grandeza en pos de una exploración de lo que se halla en estado bruto, sin censurar y sin embellecer.
La obra de Jungwirth existe en un ámbito donde dialogan memoria y representación. La artista traduce sus vivencias en formas plásticas que reflejan percepciones profundamente personales. A través de colores cargados de emoción y de formas gestuales que evocan aquello que le sirve de fuente, sus pinturas ocupan un lugar que trasciende cualquier categorización estilística simple, oscilando entre la abstracción y una sutil figuración. Dentro de este espectro artístico, algunos lienzos presentan una densa profusión de pinceladas, mientras que otros destacan por su economía de trazos. El resultado es una exploración de la tensión existente entre la abstracción y la representación del mundo físico.
Las obras tempranas de Jungwirth revelan un inconfundible enfoque de lo visceral y lo subjetivo, dominado por una fusión entre expresionismo abstracto y una cualidad cruda y emotiva que será el fundamento para el desarrollo de su singular estética. Marcada por la evolución constante, su producción aborda temas que abarcan desde el autorretrato introspectivo o el paisaje hasta acontecimientos globales contemporáneos como los incendios forestales que sufrió Australia en 2019–20.
Constituida por 70 obras, esta exposición se inicia con los primeros dibujos de Jungwirth —en los que la autora explora los límites entre figuración y abstracción— y concluye con sus más recientes series inspiradas en Francisco de Goya y Édouard Manet. Organizada de manera temática, la muestra incluye dibujos, acuarelas, óleos y libros de artista realizados sobre diversos soportes, como papel hecho a mano, libros de contabilidad, cartulina, etc. Estos materiales inusuales introducen el azar en el proceso creativo, potenciando la espontaneidad y el dinamismo. La dedicación de Jungwirth a la exploración temática y a la innovación plástica, con la que trasciende y amplía constantemente los límites de su expresión artística, determina su singular posición en el mundo del arte.
Salas: 205, 206, 207 y 209 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller
 
Martha Jungwirth 
Maja I, de la serie Francisco de Goya, Maja 
(Maja I, aus der Serie Francisco de Goya, Maja), 2021 
Óleo sobre papel, montado sobre lienzo 
238,8 x 299,6 cm 
Brauner Collection 
© Martha Jungwirth, Bilbao, 2024 
Foto Sebastiano Pellion

Martha Jungwirth, gesto y color

A partir de los grandes maestros

En el estudio de Jungwirth de Viena

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Martha Jungwirth (Viena, 1940) ha definido su arte como una especie de diario que registra su implicación corporal en el proceso creativo. Considera cada

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June Crespo. Vascular

June Crespo

La práctica escultórica de June Crespo (Pamplona, 1982) se sitúa voluntariamente en la encrucijada de múltiples caminos y líneas de investigación contemporáneas. Por un lado, establece un diálogo transformador con los conceptos que han marcado el arte vasco de las últimas décadas, “pares móviles” como la abstracción y el gesto, lo trágico y lo opaco, la ligereza y la extrañeza. Igualmente se hace cargo de cuestiones cuya urgencia estaba ausente de los grandes debates hasta hace relativamente poco, particularmente en lo que respecta a la sensibilidad feminista y la conciencia de la devastación que el modo de vida moderno ha llevado a la naturaleza, ya plenamente sometida a los ciclos de producción y reproducción industrial y posindustrial, y a las abrasiones del Antropoceno.
El carácter vivo y activo de la materialidad ha acompañado la práctica de Crespo hasta hoy y se encuentra en la base del proyecto de la exposición Vascular, que se presenta en el Museo Guggenheim Bilbao con la idea de ofrecer una perspectiva sobre la obra de la artista invitándola, a la vez, a explorar dimensiones hasta hoy inéditas en su práctica. Acaparando y amalgamando elementos de muy diverso orden —moldes extraídos de plantas, ropas o telas usadas, piezas de construcción, vaciados de hormigón, revistas— y llevándolos a drásticos ensamblajes y alteraciones de escala, las esculturas de June Crespo subrayan el fuerte contraste del material vivido con los elementos estructurales que cercan y canalizan nuestra existencia, ya sean conductos, chapas, moldes o encofrados. En ellos se acoplan tallos o quedan atrapados en sus junturas piezas textiles o papeles, y también pueden leerse rastros de operaciones técnicas, erosiones y accidentes. Unidos por tensores o simplemente apoyados unos sobre otros, tales elementos se interrogan mutua e incesantemente.
Junto a una selección de obras de los últimos siete años, la exposición Vascular se articula en torno a una nueva y extraordinaria producción en la cual convergen formas, gestos y preguntas recurrentes en muchas series de Crespo. Ejemplos de ello pueden ser el uso escultórico o incluso arquitectónico de las imágenes fotográficas, convertidas en grandes impresiones de suelo; o la presentación de soportes de la producción industrial o la construcción, como mesas de trabajo, escaleras o plataformas elevadoras, que sirven de base a la proliferación de formas vegetales, tubulares y cilíndricas en el espacio. Vascular no solo quiere indicar la comunicación interna dentro de cada pieza de June Crespo, sino que también sugiere transmisiones entre todas las obras incluidas en el proyecto. Estas actúan como vasos comunicantes y redes capilares tanto a nivel de los materiales como de las escarificaciones y marcas que Crespo hace emerger a la superficie de la escultura.
Sala: 105 
Comisario: Manuel Cirauqui
 
June Crespo 
Vascular (5), 2024 
Chapa lagrimada de acero curvada y alfombras 
150 × 300 × 293 cm 
Cortesía de la artista 
© June Crespo, Bilbao, 2024 
Imagen © FMGB Guggenheim Bilbao Museoa, foto Erika Barahona Ede

Biografía

Audiovisual

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La práctica escultórica de June Crespo (Pamplona, 1982) se sitúa voluntariamente en la encrucijada de múltiples caminos y líneas de investigación

June Crespo. Vascular | Guggenheim Bilbao Museoa

Curso de arte online: Film & Video. La imagen en movimiento como medio artístico

Metahaven: Teoría del caos

Film & Video. La imagen en movimiento como medio artístico

Curso de arte online

Bajo el nombre Metahaven opera el afamado dúo de artistas afincados en Ámsterdam Vinca Kruk y Daniel van der Velden, fundadores en 2007 de un colectivo cuyos trabajos traspasan las fronteras del arte, la cinematografía y el diseño. Abarcando una amplia variedad de medios como la imagen en movimiento, la museografía, el grafismo y el discurso teórico, Metahaven es considerado un generador influyente de formas en el contexto de la cultura crítica y post-digital contemporánea.
Entre sus más recientes producciones cinematográficas, Teoría del caos (Chaos Theory, 2021) es un conmovedor poema audiovisual centrado en el diálogo y evoluciones de dos personajes: X (Valentina Di Mondo) e Y/Z (Georgina David/Luciede Bréchard), en su reflexiva confrontación con el mundo contemporáneo y sus flujos de eventos interconectados. Evitando el lenguaje narrativo convencional y las lógicas binarias de la tecnología de la información, Teoría del caos opera como un relato no lineal que desafía las divisiones entre ficciones y hechos, realidades y sueños compartidos. Filmado en las afueras de Ámsterdam, el definido paisaje de la película contrasta con sus escenas de ensoñación y el carácter abierto y poético de su guión. Asimismo, el planteamiento inédito de la instalación de esta obra rompe las fronteras físicas de la pantalla por medio de una pieza textil que se expande en la galería principal del Museo. Los materiales tejidos se hacen eco de los objetos y patrones visuales que aparecen en la historia, haciendo referencia a puntos de datos y vectores gráficos que se funden en una gruesa textura que recuerda, también en sus colores, a las tapicerías de uso habitual en los transportes públicos.
La video instalación de Metahaven está igualmente asociada a una multiplicidad de piezas bordadas y objetos presentados en la antesala y entendidos como documentos y fotogramas del proyecto fílmico. De este modo, la presentación de Teoría del caos viene acompañada por una selección de piezas de las series Flechas (Arrows, 2020) y Brotes (Blossoms, 2021), las cuales incluyen numerosos tapices de pequeño formato y bordados sobre bolsas de plástico y chaquetas deportivas, así como el tríptico de video y textil Vivir juntos en las historias (Living Together in Stories, (2022). En su yuxtaposición de paisajes oníricos, abstracciones gráficas y símbolos del mundo orgánico, los artistas nos invitan a revisar nuestras certezas y a imaginar un futuro definido por la empatía, las identidades fluidas y la interdependencia.
Sala: 103 
Comisario: Manuel Cirauqui
 
Metahaven 
Teoría del caos (Chaos Theory), 2021 
Película monocanal, 25 min (fotograma) 
Cortesía de los artistas

Bajo el nombre Metahaven opera el afamado dúo de artistas afincados en Ámsterdam Vinca Kruk y Daniel van der Velden, fundadores en 2007 de un colectivo

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15€ Adultos - 7.5€ Jubilados - 7.5€ Estudiantes

La iniciativa TopARTE del Museo Guggenheim Bilbao se reafirma en su compromiso con las entidades y agentes culturales de nuestro entorno más próximo. El resultado de esta fructífera colaboración es un variado programa multidisciplinar rico en contenidos y formatos, y destinado a todos los públicos.
Así, en el marco de esta iniciativa se presentan en el Museo actividades que abarcan disciplinas tan diversas como la arquitectura, el cine, la danza, el diseño, la gastronomía, la música, la performance o el teatro.