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Joan Miró. La Realidad Absoluta

Audioguía

Conferencia Inaugural

De Barcelona a París

Pinturas oníricas y paisajes

Expresionismos. Hacia las Constelaciones. Pinturas blancas de 1945

Joan Miró (Barcelona, 1893–Palma de Mallorca, 1983) está considerado como uno de los más grandes artistas del siglo XX. Su obra es admirada por sus radicales innovaciones formales, desarrolladas en el contexto de las primeras vanguardias, principalmente del Dadaísmo y del Surrealismo. Miró se interesó también por cuestiones espirituales, fascinado por la mística, las visiones y los sueños. Asimismo, su trabajo permite lecturas políticas, considerando su simpatía por el nacionalismo catalán y su oposición a la dictadura franquista. Cuarenta años después de su muerte, su arte no ha perdido su seductora condición enigmática.
La realidad absoluta explora un periodo fundamental de su trayectoria: el que va de 1920 —fecha de su primer viaje a París— a 1945, caracterizado por su constante ebullición de ideas, que van del realismo mágico inicial a un vocabulario personal de signos constelados o flotantes sobre fondos ambiguos. En esta evolución se hace evidente la atracción que el arte prehistórico —incluidas pinturas rupestres, petroglifos y estatuillas— ejerció en Miró, quien propugnaba volver a los albores del arte con la intención de recuperar su sentido espiritual originario.
Miró realiza una permanente transformación de la experiencia vivida en arte. Todas las marcas que pintaba en sus obras se correspondían con algo concreto, anclándose en una realidad profunda que formaba parte de la realidad misma.
Sala: 105 
Comisario: Enrique Juncosa
Joan Miró 
Pintura (El sol) [Peinture (Le Soleil)], 1927 
Óleo sobre lienzo 
38,3 x 46,2 cm 
Cortesía The David &amp; Ezra Nahmad Collection 
© Successió Miró, 2023

Joan Miró

Formación

París - Montroig

Exilio y reconocimiento

Experimentación y obra tardía

En el Museo

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de Joan Miró. La realidad absoluta. París, 1920-1945. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

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Visita Virtual

Joan Miró. La realidad absoluta. París, 1920–1945

Joan Miró (Barcelona, 1893–Palma de Mallorca, 1983) está considerado como uno de los más grandes artistas del siglo XX. Su obra es admirada por sus

Joan Miró. La realidad absoluta. París, 1920–1945 | Guggenheim Bilbao Museoa

Secciones/Intersecciones  

Charla inaugural

Sala 103

 Sala 105

2ª planta

3ª planta

BBK_new

8 de septiembre, 2022 – 22 de enero, 2023

La vida material

20 de septiembre, 2022 – 22 de enero, 2023

Marcando la historia

19 de octubre, 2022 – 26 de febrero, 2023

Desplegando narrativas

19 de octubre, 2022 – 5 de febrero, 2023

Yayoi Kusama

En 2022 el Museo Guggenheim Bilbao celebra su 25º Aniversario a través de una ambiciosa muestra de su Colección Propia que se despliega en todas sus salas.
La exposición toma la forma de un gran tríptico expositivo, compuesto por tres aproximaciones temáticas que dialogan entre ellas, permitiendo redescubrir las obras que han definido históricamente tanto el interior como el exterior del Museo. Así, cada planta del edificio ofrece una presentación de la Colección: Secciones/Intersecciones. La vida material, en la galería 105; Desplegando narrativas, en la segunda planta; y Marcando la historia, en la tercera, constituyen los ejes temáticos de este tríptico expositivo, que permite tener por primera vez una visión panorámica del acervo que el Museo ha ido adquiriendo desde su fundación hasta nuestros días. Asimismo, en el contexto del 25º Aniversario, la sala 103 alberga una instalación excepcional de Yayoi Kusama.
Comisarios: Lekha Hileman Waitoller, Manuel Cirauqui, Geaninne Gutiérrez-Guimarães, Lucía Agirre, Maite Borjabad
El Anatsui 
Mar creciente (Rising Sea), 2019 
Aluminio y alambre de cobre 
800 x 1400 cm 
Guggenheim Bilbao Museoa

Si los materiales hablaran…

Mona Hatoum

Jannis Kounellis

Asier Mendizabal

Yoko Ono

Si las paredes hablaran…

El Anatsui

Jenny Holzer

Jeff Koons

Sol Lewitt

Joseph Beuys

Christian Boltanski

Francesco Clemente

Abigail Lazkoz

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición Secciones / Intersecciones. 25 años de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

Secciones / Intersecciones. 25 años de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao

En 2022 el Museo Guggenheim Bilbao celebra su 25º Aniversario a través de una ambiciosa muestra de su Colección Propia que se despliega en todas sus

Secciones / Intersecciones. 25 años de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao | Guggenheim Bilbao Museoa

Bilbao, 1989

Raquel Asensi

Nora Aurrekoetxea Etxebarria

Bilbao, 1990

Helena Goñi

Vitoria-Gasteiz, 1986

Jon Gorospe

Vitoria-Gasteiz, 1984

Gala Knörr

Logroño, 1993

Maite Pinto

Quito, 1981

Karla Tobar Abarca

Bilbao, 1981

Alain Urrutia

Quito, 1984

Cristian Villavicencio

Bilbao, 1988

Diego Vivanco

Esta exposición reúne obras realizadas por diez artistas participantes en el Programa de artistas vascos, una iniciativa conjunta del Museo Guggenheim Bilbao y el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York. Concebida en 2015, esta iniciativa se dirige a creadores que han nacido o residen en el País Vasco en la actualidad. Cada año se selecciona a dos autores, que reciben una orientación intensiva sobre la escena artística neoyorquina, adquiriendo una experiencia formativa única diseñada para fomentar el intercambio y el desarrollo profesional de los asistentes. Entre los seleccionados para esta exposición se encuentran Raquel Asensi, Nora Aurrekoetxea Etxebarria, Helena Goñi, Jon Gorospe, Gala Knörr, Maite Pinto, Karla Tobar Abarca, Alain Urrutia, Cristian Villavicencio y Diego Vivanco. En su trabajo, estos artistas contemporáneos abordan cuestiones como la identidad, la historia, la representación, y la memoria tanto individual como colectiva a través de multitud de medios, como la pintura, la escultura, la obra sobre papel, la fotografía, el vídeo, la instalación de ubicación específica o la performance. La muestra presenta una selección coherente de obras realizadas en las más diversas prácticas contemporáneas y producidas por estos creadores tras su paso por este Programa.
Comisarias: Lucía Agirre y Geaninne Gutiérrez-Guimarães, curators, Museo Guggenheim Bilbao
Karla Tobar Abarca (Quito, 1981) 
Documental_proyecto &lt;mochila-escáner&gt; 
(&lt;scanner-pack&gt;project_documentary), 2022 
Vídeo, color, sonido estéreo, 30 min 
Colección de la artista 
Foto © Karla Tobar

Programa de artistas vascos, 2015-19

Esta exposición reúne obras realizadas por diez artistas participantes en el Programa de artistas vascos, una iniciativa conjunta del Museo Guggenheim

Programa de artistas vascos, 2015-19 | Guggenheim Bilbao Museoa

The Otolith Group. O Horizon

Conversación con artistas

Desde 2002, The Otolith Group —formado por Anjalika Sagar (Londres, 1968) y Kodwo Eshun (Londres, 1966)— ha creado películas, obras sonoras, instalaciones, exposiciones y textos fundamentados en una amplia investigación, el pensamiento decolonial y la amistad transcultural. Tomando su nombre de los otolitos, pequeñas piedras que se alojan en el oído interno de los animales vertebrados —una estructura sensorial que permite al organismo orientarse, equilibrarse y reconocer la aceleración y la posición— este colectivo señala alegóricamente su intención de operar en múltiples dimensiones simultáneamente.
En el centro de esta exposición se muestra la instalación fílmica Horizonte O, obra centrada en la escuela Visva Bharati de Santiniketan (Bengala Occidental, India), institución fundada en 1921 por el escritor y Premio Nobel de Literatura Rabindranath Tagore. Al tiempo que guiaba a la India hacia su independencia y transformación cultural, Tagore anticipó algunas de las cuestiones clave de nuestro presente globalizado, como la emergencia medioambiental, la amenaza de los extremismos nacionalistas y religiosos y la importancia de la transmisión intergeneracional. The Otolith Group pondera la persistencia del enfoque de Tagore en la Santiniketan de hoy. El film comienza con un poema en el que el escritor interpela a sus futuros lectores (“de aquí a cien años”) acerca de la llegada de la primavera y la naturaleza floreciente a su alrededor. Entre los motivos que animan Horizonte O está el de escenificar un encuentro, en el cual el espectador ha de responder al interrogante que el poeta plantea sobre lo que el porvenir pueda responderle.
En una exuberante secuencia de registros, la película nos lleva a través del campus y sus bailes, sus ensayos y rituales, sus aulas en el interior de la escuela y al aire libre. Mientras los micrófonos captan canciones místicas de poesía épica Kabir, así como conversaciones y juegos, las cámaras capturan las miradas de los animales y la profundidad de la vegetación, observadas en silencio. La visión ecológica de Tagore está siempre presente como clave de la fundación de Visva Bharati, lugar donde confluyen las artes y la artesanía en íntima conexión con una pedagogía de la Tierra. El empeño, tanto cultural como agrícola, del poeta por revigorizar el suelo aportando sustratos fértiles de zonas cercanas ha convertido Santiniketan, con el paso del tiempo, en el terreno fecundo y vibrante que es hoy. Una fase crucial de esa transformación se sitúa en el estrato superior del suelo, donde la descomposición de hojas, hierba, fruta y restos animales forma una capa que los agrónomos denominan “Horizonte O” y de la que este proyecto fílmico toma su título. The Otolith Group considera el fundamento poético y político de ese espacio frágil y dinámico como un elemento crucial en la labor de Tagore, el cual continúa nutriendo un pensamiento contemporáneo al mismo tiempo ecológico y cosmopolítico.
Este pensamiento se prolonga a través de una serie de fotomontajes Estudios de Santiniketan, de la que se presenta una selección a la entrada de la exposición. Esta obra de The Otolith Group se puede interpretar como un cuaderno de apuntes que acompaña la producción de Horizonte O, pero también como una ampliación del impulso arqueológico y especulativo del filme. Cada imagen invoca a figuras clave, como Mahatma Ghandi o el artista y educador K. G. Subramanyan, mientras coexisten, de manera anacrónica, estratos de memoria de generaciones diversas. Por otra parte, los árboles constituyen un elemento recurrente en la serie, y aparecen en el centro de círculos al aire libre al modo de las características “escuelas bajo los árboles” del sistema educativo de Tagore. Emblemas de la longevidad de la naturaleza, los árboles son asimismo una manifestación de la agronomía regenerativa y del proyecto de “terraformación” puesto en práctica en Santiniketan desde su creación.
También en este espacio se muestra una selección de obras sobre papel del artista Vydia Sagar (1938–2016), padre de Anjalika Sagar y colaborador en varias obras de The Otolith Group, a cuya memoria está dedicada Horizonte O. Sagar formó parte de una generación influida por la escuela tagoreana y el espíritu de Santiniketan entre las radicales transformaciones culturales que se produjeron en la India en la década de 1960. Asimismo, Sagar se encuentra entre los ejemplos más notables de la cultura transversal de Visva Bharati, según la cual todos los lenguajes artísticos se comunican entre ellos. Las abstracciones tántricas de Sagar usan refinados perfiles y delicados tonos de pintura al pastel para generar momentos de musicalidad visual que reinterpretan las iconografías de la India en consonancia con la poética evocadora de Horizonte O.
Curator: Manuel Cirauqui
The Otolith Group. Horizonte O (O Horizon), 2018. 
Imagen de producción audiovisual. 
Cortesía de los artistas © The Otolith Group

Desde 2002, The Otolith Group —formado por Anjalika Sagar (Londres, 1968) y Kodwo Eshun (Londres, 1966)— ha creado películas, obras sonoras,

The Otolith Group. O Horizon | Guggenheim Bilbao Museoa

Elssie Ansareo  
“Este curso desarrollamos un apasionante proyecto junto a los escolares del Colegio San Vicente de Paúl de Barakaldo titulado Mujeres en el arte. Nos aproximamos al trabajo de diferentes creadoras de muy diversas latitudes, comenzando en nuestro entorno más próximo. Nos centramos en el siglo XX y XXI y en artistas que se expresan a través de diversas disciplinas. El dibujo fue nuestra gran herramienta y los formatos del libro de artista y la animación nos sirvieron como medios de difusión y visibilización de las mujeres artistas”.

Artistas

Ansareo, Elssie  LTA 2022

Ibon Garagarza 
“Por las características del centro escolar, al tratarse de una escuela unitaria, este curso se presentaba, a priori, como uno de los más exigentes de todos los de Aprendiendo a través del arte en los que he participado. Sin embargo, terminó convirtiéndose en una agradable sorpresa.

En un colegio tan pequeño, en cuya base se encuentran las palabras “compartir”, “colaborar” y “convivir”, el proyecto que desarrollamos reflejó este espíritu, sin dejar fuera a nadie. Quisiera agradecer al equipo docente su acompañamiento y consejos, ya que poner en marcha a un grupo con capacidades, conocimientos e intereses tan diferentes supuso un reto. El viaje a través del universo, el tiempo y el arte fue una experiencia inspiradora y enriquecedora. Espero que también lo fuera para ellas y ellos”.

Garagarza, Ibon LTA 2022

Zaloa Ipiña 
“De la diversidad de lenguas del mundo a la riqueza de los dialectos. En este viaje descubrimos la estrecha relación que existe entre la cultura vasca y la naturaleza visible en los diferentes carnavales, así como el vínculo que une lenguaje y geografía. A través de la creatividad y de las múltiples manifestaciones del arte —la escultura, la acción artística, el vídeo, la animación o la ilustración— propusimos lecturas especiales de las peculiaridades de nuestra cultura”.

Ipiña, Zaloa LTA 2022

Nerea Lekuona 
“Trabajar con un grupo pluricultural supuso una experiencia muy enriquecedora. Según el curso avanzaba, las noticias de actualidad marcaban el recorrido. La guerra en Ucrania nos ha hecho movilizarnos y pensar en crear una instalación artística. Vimos que también había conflictos bélicos en otros países y que la infancia era uno de los colectivos más vulnerables.

La instalación consistió en un espacio seguro para las niñas y niños obligados a dejar su hogar a causa de la guerra. Para que se sintieran seguros, creamos un “nuevo hogar” donde recibieran los mensajes de tranquilidad y ánimo lanzados por toda la clase, recogidos en una pieza sonora con susurros de aliento y ánimo. La implicación del profesorado fue clave en el desarrollo de la experiencia”.

Lekuona, Nerea LTA 2022

Maider López 
“Medir espacios con el cuerpo, enlazar las sillas en las que nos sentamos, trazar líneas que unen lugares, personas y experiencias. Las mesas en color azul, las sillas en rojo y los objetos en amarillo&#8230; Nimbe decía que había más líneas amarillas que azules; yo en cambio tenía la sensación de que habían dibujado más líneas azules; al comprobarlo, parecía haber mayor cantidad de amarillo. 

En el desarrollo del trabajo, surgió el tema de cómo los colores cálidos aparentemente vienen hacia el frente, como si se encontraran más cerca, mientras que los fríos parecen estar más distantes. Quizá por eso se viesen más claramente las líneas amarillas que las azules. Sobre la marcha, cambiamos de planes y, en vez de seguir con el proyecto programado, hicimos uno con este tema, moviendo colores, aproximándolos y alejándolos en un intento de nivelar distancias, de experimentar con los colores, los cuerpos y los espacios. Fuimos adaptándonos a lo que pasaba, a lo que surgía, a los pequeños descubrimientos”.

López, Maider LTA 2022

Ibon Sáenz de Olazagoitia 
“En estos tiempos en que la realidad se empeña en ponernos las cosas difíciles y el pesimismo lo invade todo, nos propusimos hacer una proyección idealista hacia el futuro para concebir mundos imaginarios, siempre en clave positiva. La temática del proyecto giró en torno a la utopía y los mundos posibles; desde esa premisa abordamos diferentes cuestiones cotidianas y de interés para ellos, activando su imaginación. 

De esta manera, cada cual diseñó una suerte de mundos personales y oníricos basándose en sus querencias y deseos, trazando mapas y recreaciones. Tan interesantes como cada uno de estos no lugares generados fueron las relaciones que se establecieron entre ellos, pues tan importantes son la autonomía y la libertad individual como el convivir en colectivo”.

Sáenz de Olazagoitia, Ibon LTA 2022

Aprendiendo a través del arte 2022

Video presentación del programa Aprendiendo a través del arte

19 escolares de 5º curso del Colegio Txomin Aresti, Leioa 

LENGUAS DEL MUNDO

25 escolares de 4º curso del Colegio San Vicente de Paúl, Barakaldo 

MUJERES EN EL ARTE

17 escolares de 4º curso del Colegio Egape, Urnieta

COLORES, CUERPOS Y DISTANCIAS

20 escolares de 5º curso del Colegio Miguel de Cervantes, Vitoria-Gasteiz

ESPACIO DE PAZ

21 escolares de 4º, 5º y 6º curso del Colegio Samaniego, Vitoria-Gasteiz

UTOPÍA Y LOS MUNDOS IMAGINADOS

33 escolares de 1º a 6º curso del Colegio Turtziozko Eskola, Trucios-Turtzioz 

UNA MIRADA AL UNIVERSO Y LA HISTORIA

El Museo Guggenheim Bilbao presenta cada verano una exposición diferente, en la que los autores son niñas y niños. Esta muestra supone el último paso de Aprendiendo a través del arte, el proyecto artístico y educativo desarrollado durante el curso escolar gracias al patrocinio de BBK.
Elssie Ansareo, Ibon Garagarza, Zaloa Ipiña, Nerea Lekuona, Maider López e Ibon Saénz de Olazagoitia son los seis artistas que acompañaron en esta aventura a los escolares de primaria durante el curso 2021–22.
El programa permitió a estos casi 140 escolares abordar los temas curriculares desde una perspectiva diferente. Las ciencias sociales y naturales, el lenguaje o las matemáticas fueron algunas de las áreas tratadas a través del arte.
Los artistas plantearon proyectos interdisciplinares en los que abordaron distintos temas, como la reciente guerra en Ucrania y las migraciones, las lenguas y la comunicación, el cuidado del planeta y un utópico futuro, la belleza del universo o el papel de las mujeres en la historia. Se trata de cuestiones de actualidad, que, además, están relacionadas con el currículo de primaria.
En este programa educativo se hacen preguntas, se despierta la curiosidad y se da espacio a la improvisación, al juego, la exploración, la investigación y el experimento. Estos procesos llevan a las niñas y niños a pensar, valorar, elegir, probar, mancharse, dudar, divertirse; a veces, también, a perderse y, por supuesto, a equivocarse, ya que sin error no hay avance.

INTERCAMBIO BILBAO–NEW YORK

EL PROGRAMA

LA HISTORIA

Refuerza el currículo de Primaria

El Museo Guggenheim Bilbao presenta cada verano una exposición diferente, en la que los autores son niñas y niños. Esta muestra supone el último paso de

Aprendiendo a través del arte 2022 | Guggenheim Bilbao Museoa

Serra/Seurat. Dibujos

Charla inaugural de la exposición

Georges Seurat

Richard Serra

Georges Seurat: artista de artistas

El artista francés Georges Seurat (1859–1891), pionero del movimiento pictórico puntillista, supo llevar el dibujo a nuevas cotas y entrar en el olimpo de los grandes maestros de esta técnica. No solo admiraron sus obras sobre papel sus coetáneos; también las han venerado otros artistas posteriores, como el estadounidense Richard Serra (1938), quien considera el dibujo como un lenguaje autónomo, al que somete a nuevos procesos y con el que experimenta en distintos formatos y materiales. Esta exposición presenta las obras de ambos autores realizadas en este medio, evidenciando su gran valor artístico.
Algo en apariencia tan simple como un papel adquiere una gran trascendencia en los dibujos de Seurat, al convertirse en un elemento que determina, en cierta forma, la obra. El artista siente el material hasta el punto de hacerlo hablar. 
Este conocimiento del soporte —al que Seurat casi dota de vida, dejando que absorba la cantidad de conté necesaria en cada caso para crear luces, volúmenes y contrastes— distingue a los grandes maestros.
Asimismo, Richard Serra descubre ya en su etapa de formación que “el procedimiento [está] dictado por el material”, que impone “su propia forma a la forma”. En sus Recorridos (Ramble Drawings), serie iniciada en 2015, el artista se recrea en el soporte: un papel japonés fabricado a mano en el que cada fibra genera diferentes accidentes, que Serra integra en su trabajo. Así, ningún dibujo es igual a otro, por la manera en que el autor incide sobre el papel y porque ninguna hoja se parece a las demás.
Comisariada por: Lucía Agirre, curator, Museo Guggenheim Bilbao, y Judith Benhamou, comisaria independiente y crítica de arte.
Georges Seurat 
Hombre recostado (studio para “Baño en Asnières”) [L’homme Couché (étude pour “Une Baignade, Asnières”)], 1883–84 
Crayón conté sobre papel 
24.5 x 31.5 cm 
Fondation Beyeler, Riehen/Basel, Sammlung Beyeler 
Foto: Peter Schibli

TÉCNICAS Y PROCESOS EN LOS DIBUJOS DE SERRA Y SEURAT

SEURAT Y SU ESTUDIO SISTEMÁTICO DE LA LUZ

SERRA: TIEMPO Y PROCESO ARTÍSTICO

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición Serra/Seurat. Dibujos. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

El artista francés Georges Seurat (1859–1891), pionero del movimiento pictórico puntillista, supo llevar el dibujo a nuevas cotas y entrar en el olimpo

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Motion. Autos, Art, Architecture

Charla-presentación Norman Foster

Cadillac

Sennheiser

Gestamp

Iberdrola

Volkswagen

COMIENZOS

ESCULTURAS

POPULARIZACIÓN

DEPORTIVOS

VISIONARIOS

AMERICANA

FUTURO

MODELADO EN ARCILLA

Motion. Autos, Art, Architecture celebra la dimensión artística del automóvil, vinculándola con los ámbitos paralelos de la pintura, la escultura, la arquitectura, la fotografía y el cine. Con este enfoque integrador, la muestra cuestiona la separación entre las distintas disciplinas y ofrece una exploración de los modos en que estas se relacionan visual y culturalmente.
La exposición analiza asimismo las afinidades existentes entre la tecnología y el arte. Se muestra, por ejemplo, cómo el uso del túnel de viento ayudó a dotar al automóvil de una forma aerodinámica, a fin de que pudiera ir más rápido empleando la energía de manera más económica; esta revolución aerodinámica tuvo su eco en las obras del movimiento futurista y de otros artistas de la misma época; y ello también se reflejó, finalmente, en el diseño industrial de todo tipo de productos, desde electrodomésticos hasta locomotoras.
Se han reunido para la ocasión cerca de cuarenta automóviles, una selección de los mejores de cada clase en lo que respecta a su belleza, singularidad, progreso técnico y visión de futuro. Ubicados en el centro de las salas y rodeados de importantes obras de arte y arquitectura, muchos de ellos se presentan por vez primera ante un público amplio, pues no habían abandonado nunca las colecciones privadas o instituciones públicas a las que pertenecen.
Más que ningún otro invento, el automóvil ha provocado una transformación radical del paisaje urbano y rural de nuestro planeta y, a su vez, de nuestro estilo de vida. Al hallarnos en el umbral de una nueva revolución de la energía eléctrica, esta exposición podría contemplarse como un réquiem por los últimos días de la combustión.
Comisariada por: Norman Foster; Manuel Cirauqui y Lekha Hileman Waitoller, Museo Guggenheim Bilbao
Giotto Bizzarrini 
Ferrari 250 GTO, 1962 
Ten Tenths 
© Ben de Chair

Benz Patent Motor Car, 1886

Ford Model T, 1914

Bugatti Type 35, 1924

Ford Pierson Brothers Coupé, 1934

Tatra T87, 1948

Fiat Nuova 500, 1957

Ferrari GTO 250, 1962

Jaguar E-Type, 1963

Lancia Stratos Zero, 1970

Volkswagen ID. BUZZ, 2022

Vídeo de la Exposición

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición Motion. Autos, Art, Architecture. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

Motion. Autos, Art, Architecture celebra la dimensión artística del automóvil, vinculándola con los ámbitos paralelos de la pintura, la escultura, la

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Monira Al Qadiri: Cuarto sagrado

El programa de exposiciones de la sala Film &amp; Video presta una atención continuada a las prácticas artísticas asociadas con la imagen en movimiento, explorando la fértil relación entre las artes visuales, la instalación fílmica y la cultura contemporánea en su sentido más amplio.
Monira Al Qadiri (1983) es una artista kuwaití nacida en Senegal, educada en Japón y residente actualmente en Berlín. Su trabajo investiga, a través de múltiples soportes, aspectos desconocidos de la historia colonial, las culturas del petróleo y la formación de identidades en el contexto del Medio Oriente. En una región cuyo interés geoestratégico está íntimamente ligado a sus recursos energéticos, la radical transformación de los modos de vida locales coincide con la aceleración del impacto industrial sobre los ecosistemas planetarios. En sus paisajes arenosos, donde se alcanzan las temperaturas más altas del planeta, la artista encuentra potenciales narrativos que nos proyectan simultáneamente hacia el pasado prehistórico y hacia un futuro, cada día menos hipotético, de sobrecalentamiento y desertización global.
La reciente obra Cuarto sagrado (2020) nos lleva en un recorrido onírico a través de un inmenso enclave llamado Rub al-Jali y situado entre Arabia Saudita, Omán, los Emiratos Árabes Unidos y Yemen. La profundidad de las imágenes aéreas del filme es solo comparable a la de su banda sonora, compuesta por Fatima Al Qadiri, hermana y colaboradora habitual de la artista. Usando el sonido como motor de la ficción, Cuarto sagrado toma como punto de partida la historia del explorador británico Harry St. John Philby, quien en la década de 1930 atravesó el desierto arábigo en busca de la mítica ciudad perdida de Ubar: una “Atlántida de las arenas” que, según el Corán, fue destruida por la ira divina en tiempos inmemoriales. En lugar de aquella, lo que el explorador vino a encontrar fueron los restos de uno de los más importantes impactos meteoríticos visibles en nuestro planeta. En torno al cráter de Wabar —que Philby en un primer momento tomó por volcán— pueden aún hoy encontrarse fragmentos minerales del impacto. Estas piedras tienen para Monira Al Qadiri el carácter de emisarias de un espíritu cósmico y colectivo.
A través de una voz grave y lenta, el espíritu de Wabar acompaña a las imágenes con su discurso y se materializa, en el espacio expositivo, como un impresionante conjunto de esculturas. Hechas de cristal soplado, a la vez delicadas y de un espesor masivo, estas piezas iridiscentes evocan a la vez perlas negras y grandes gotas de petróleo. Hablando en primera persona en el filme, ellas cuentan la historia de su llegada a nuestro planeta, expresando su conmoción ante las catástrofes inminentes, pero también alentándonos a trabajar juntos para revertirlas.
Curator: Manuel Cirauqui
Imágenes de producción audiovisual: 
Monira Al Qadiri. Cuarto sagrado (Holy Quarter), 2020. Instalación, vídeo de 20 minutos de duración y 46 esculturas de vidrio (imagen de producción). Encargado por Haus der Kunst, Múnich. Cortesía de la artista © Monira Al Qadiri
Vista de la instalación:Monira Al Qadiri, Cuarto sagrado (Holy Quarter), 2020. Vista de la instalación en Haus der Kunst, Múnich. Vídeo de 20 minutos de duración y 46 esculturas de vidrio. Foto: Maximilian Geuter. Cortesía de la artista © Monira Al Qadiri
<a href="https://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2022/03/Cartelas-Monira-tra.pdf">+ INFO</a>
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El programa de exposiciones de la sala Film &amp; Video presta una atención continuada a las prácticas artísticas asociadas con la imagen en movimiento,

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16€ Adultos - 8€ Jubilados - 8€ Estudiantes

18€ Adultos - 9€ Jubilados - 9€ Estudiantes

La iniciativa TopARTE del Museo Guggenheim Bilbao se reafirma en su compromiso con las entidades y agentes culturales de nuestro entorno más próximo. El resultado de esta fructífera colaboración es un variado programa multidisciplinar rico en contenidos y formatos, y destinado a todos los públicos.
Así, en el marco de esta iniciativa se presentan en el Museo actividades que abarcan disciplinas tan diversas como la arquitectura, el cine, la danza, el diseño, la gastronomía, la música, la performance o el teatro.