Aurrekoak

Erakusketak

Kontsultatu beharrezko informazio guztia Guggenheim Bilbao Museoan oraingo erakusketen eta aurki izango direnen inguruan.

Erakusketak | Guggenheim Bilbao Museoa

Aurrekoak | Guggenheim Bilbao Museoa

Budapesteko paper gaineko maisulanak

Inaugurazio-hitzaldia

Audiogida

Entzuteko gidaren planoa

Buru-estudioak, ca. 1504–05

Vue de Sarmingstein sur le Danube, 1511

Venus, Kupido armagabetzen, ca. 1527–30

Holandar etxaldea, argi eta itzalen artean, 1635–36

Estudio-orria, Emakumezko bi modelo eta oihalak, ca. 1717

Budapesten ikuspegia, 1881

Nueneneko apaiz-etxeko lorategia neguan, 1884

Bi emakume elkar besarkatzen, 1915

Konposizioa, 1922

13 marra, 2016

Budapesteko paper gaineko maisulanak erakusketa Guggenheim Bilbao Museoaren eta Budapesteko Arte Ederren Museoa – Hungariako Galeria Nazionalaren arteko lankidetzaren emaitza da. Hungariar erakunde entzutetsuak Antzinarotik XXI. mendera bitarteko nazioarteko artea erakusten du jendaurrean, baita Erdi Arotik gaur egunera arteko hungariar artea ere. Haren funtsetan bereziki aipagarria da Estanpa eta Marrazki Bilduma, bai hartzen duen denbora-tarteagatik bai biltzen duen obra-kopuruagatik: europar egileen 9.000 marrazkiz eta 100.000 grabatu inguruz osatuta dago.
Erakusketa honek XV. mendetik gaurdainoko paper gaineko artearen ikuspegi zabala aurkezten du lan-sorta ugari eta oparo baten bidez. Hautatutako ia 150 maisulanak izen handiko artistenak dir —hala nola Albrecht Dürer, Leonardo da Vinci, Rafael, Rembrandt, Francisco de Goya, Miklós Barabás, Henri de Toulouse-Lautrec, Pablo Picasso, Egon Schiele, Victor Vasarely, Vera Molnar, Judit Reigl, Dóra Maurer, Georg Baselitz, Katharina Grosse eta Gerhard Richter—, eta marrazkigintzaren eta grabatugintzaren mende luzeko tradizioaren erakusle dira. Lanek agerian uzten dute genero biak etengabe egon direla berrikuntzetara zabalik eta askotariko irtenbide formalen bila, eta marrazkiaren eta grabatuaren funtsezko ezaugarriak eta efektu estetiko bereizgarriak azpimarratzen dituzte.
Hamabi atal tematikotan dago antolatuta erakusketa. Horietako bakoitzean, garaian garaiko ezaugarri nagusiak azaltzeaz gain, marrazkigintzaren eta estanpagintzaren alorrean egondako gai eta interakzio nagusiak jorratzen dira. Hala, marrazkiak eta estanpak berezkoa duten teknika-aniztasuna aurkezten da jendaurrean eta, maila sakonagoan, haien funtzioak ere jartzen dira agerian, dena helburu nagusi batekin: marrazkiak eta grabatuak artearen historian izan duten garrantzia erakustea eta, mendeen joanean eta joera eta estilo aldaketa ugariak gorabehera, beren funtsari leial eutsi diotela nabarmentzea.
Era berean, Budapesteko Arte Ederren Museoaren Estanpa eta Marrazki Bildumaren historia aberats eta gorabeheratsuaren ikuspegi orokorra eskaintzen du erakusketak, hau da, Hungariako paper gaineko obra- bildumarik garrantzitsuenarena. Osagarri gisa, artxiboko hainbat dokumentu ere jasotzen ditu Esterházy hungariar noble familiaren funtsetatik abiatuta jaio zen bildumaren jatorria azaltzeko eta museoaren zuzendari, arte-arduradun eta komisario askoren ahaleginari esker erdietsitako lorpenen berri emateko.
Aretoak: 205, 206, 207, 209 
Komisarioak: Kinga Bódi eta Marta Blàvia
 
Peter Paul Rubens (1577–1640) 
Artistaren seme Albert Rubensen soslai-erretratua, ca. 1618–19 
Klarion beltza eta sangina, lumaz eta pintzelez emandako tinta arrea eta ur-kolore arrea paper 
gainean, 
246 × 203 mm 
AEM EMB; inb. zkia. 1745 
Esterházy Bildumari erosia, 1871 
© 2025 Museum of Fine Arts, Budapest

Ideiak eta irudiak zabaltzen

Gubila eta akuafortea

Litografia

Xilografia

Museoan

Erakusketa bideoa

Budapesteko paper gaineko maisulanak erakusketa ezagutzeko bisita birtualaz gozatzera gonbidatzen zaitugu. Ibilbide honek erakusketan dauden artelan eta azalpen-testu guztiak barne hartzen ditu.

HASI

BISITA BIRTUALA

Budapesteko paper gaineko maisulanak erakusketa Guggenheim Bilbao Museoaren eta Budapesteko Arte Ederren Museoa – Hungariako Galeria Nazionalaren arteko

Budapesteko paper gaineko maisulanak | Guggenheim Bilbao Museoa

Tarsila do Amaral

Paris/São Paulo: modernitaterako pasaporteak

“Poiretek jantzitako caipiratxo” bat

Brasilgo paisaia asmatzea

Primitibismoa eta identitatea(k)

Brasil kanibala

Langileak

Paisaia berriak

Tarsila do Amaral (Tarsila izen artistikoz ezaguna) Brasilgo modernismoaren figura nagusietako bat izan zen, eta obra original eta iradokitzailea sortu zuen iruditeria indigena eta herrikoian ez ezik, eraldaketa bizian zegoen herrialde hartako dinamika modernizatzaileetan ere oinarrituta.
1920ko hamarkadan, São Pauloren eta Parisen artean bizi zela, Tarsilak bi kultura-hiriburu horietako abangoardien arteko zubi gisa jardun zuen, eta garai hartan Frantziako hiriburuan modan zeuden kubismoaren eta primitibismoaren galbahetik pasatu zuen bere unibertso ikonografiko brasildarra. Tarsilaren pintura Pau-Brasil eta antropofagia mugimenduen inspirazio-iturri izan zen. Mugimendu horiek kultura eta arraza anitzeko “benetako” Brasil bat bilatzen zuten herrialdearen eta Europako kolonizazioaren “zentroen” arteko harremana berregiteko helburuarekin.
Tarsilaren 1930eko hamarkadako obren dimentsio militanteak eta hirurogeiko hamarkadara arte haren gizarte- eta hiri-ingurunearen eraldaketa sakonetan laguntzeko izan zuen gaitasunak berretsi egiten dute bere garaiarekin bat zetorren obra haren indarra. Gainera, Tarsila beti agertu zen berritzeko prest, emakume artista emantzipatu eta independente gisa sasoiaren eta testuinguruaren arabera bizi behar izan zituen baldintza ezegonkorrak gorabehera.
Tarsila do Amaralek hain ongi irudikatu zuen eta sortzen lagundu zuen Brasilgo modernitatean murgiltzeko gonbidapena luzatzen digu artistaren lanak, eta Brasilen zein Europan oraindik ere gaurkotasun handia duten identitate- eta gizarteauziak pizten dituen eta beti eztabaidagai den kontzeptu horren konplexutasun osoa jartzen digu agerian.
Erakusketa Guggenheim Bilbao Museoak eta le GrandPalaisRmn-ek antolatu dute
Aretoak: 201, 202, 203 
Komisarioak: Cecilia Braschi eta Geaninne Gutierrez-Guimarães 
Egoitzak: Musée du Luxembourg, Paris; Guggenheim Bilbao Museoa
 
Tarsila do Amaral 
Posta-txartela (Cartão postal), 1929 
Olio-pintura mihise gainean, 127,5 x 142,5 cm 
Bilduma pribatua, Rio de Janeiro 
© Tarsila do Amaral Licenciamento e Empreendimentos SA 
Argazkia: Jaime Acioli

Kronologia

Tarsila do Amaral. Brasil modernoa margotuz erakusketa ezagutzeko bisita birtualaz gozatzera gonbidatzen zaitugu. Ibilbide honek erakusketan dauden artelan eta azalpen-testu guztiak barne hartzen ditu.

Tarsila do Amaral. Brasil modernoa margotuz

Tarsila do Amaral (Tarsila izen artistikoz ezaguna) Brasilgo modernismoaren figura nagusietako bat izan zen, eta obra original eta iradokitzailea sortu

Tarsila do Amaral. Brasil modernoa margotuz | Guggenheim Bilbao Museoa

Paul Pfeiffer

Produktu hutsak erotu egin dira

Kontaketa luzea (Burrunba oihanean)

Gaiztakeria zuzen-zuzenean (Kuala Lumpur)

Uholdearen ondorengo goiza

Apokalipsiaren lau zaldunak

Santuak

Justin Bieberren soina

Paul Pfeifferren jardun artistikoak sakon aztertzen ditu ikuskizunaren berezko izaera, identitatea eta kultura garaikidean irudiak eraikitzeko baliatzen diren mekanismo korapilatsuak. Bere lanean hainbat bitarteko erabiltzen ditu —bideoa, argazkia, eskultura, instalazioa—, eta irudiek gure pertzepzioa eta esperientzia zehazteko dauzkaten modu konplexuak arakatzeko aukera ematen dio horrek artistari.
Pfeifferren lanaren muina mugimendudun irudien manipulazioa da. Kirol-ekitaldien, musika-kontzertuen eta filmen irudiak hartu, eta trebetasunez editatzen ditu teknologia digitalaren bidez. Bere sorkuntzek, sarritan, gurtzaren eta kosifikazioaren arteko dikotomiari buruzko gogoeta egiten dute, bereziki ikono globalei dagokienez, nola diren kirolariak edo pop izarrak. Pfeifferrek azpimarratu egiten ditu figura horiek masa-kulturan betetzen dituzten rolak, eta hedabideek zabaltzen dituzten errepresentazioen artifizialtasunari erreparatzen dio. Era horretan, iruditeria horien kontsumitzaile gisa bakoitzak duen posizioa kritikoki aztertzera bultzatzen du publikoa.
Pfeifferren instalazioek eskalarekin lotutako elementuak izaten dituzte askotan: elkarren ondoan jarrita aurkezten dituzte formatu txiki-txikiak eta tamaina handikoak, eta obrarekin dugun harremana aldarazten dute horrela. Ikuspegi horrek areagotu egiten du behatzaileak bere presentzia fisikoaz duen pertzepzioa ikuskizunari dagokionez. Gainera, Pfeifferrek estadioen eta antzeko beste esparru batzuen forma arkitektonikoa erabiltzen du prisma kritiko gisa, eta hortik behatuta aztertzen du ikusle izateak dakarren esperientzia kolektiboa. Pfeifferren iritziz, espazio horiek ez dira entretenimendurako leku soilak, identitate sozialak eta politikoak definitzen eta zalantzan jartzen dituzten agertokiak baizik.
Artistaren lanak Europan orain arte izan duen erakustaldirik handiena da Paul Pfeiffer: Askatasunaren sorrerari buruzko kondairaren hitzaurrea, izan ere, haren ibilbide osoko hogeita hamarren bat lan biltzen ditu, eta egungo sortzailerik garrantzitsuenetako bat dela berresten du. Gela honetan hasi eta 103 aretoan (solairu honetan bertan) jarraitzen duen erakusketa honek Pfeifferren bilakaera azaleratzen du kirolaren eta erlijioaren arloan erabiltzen diren narratiba sutsuetan oinarritutako pieza adierazgarrien bidez; horiekin batera, kolonialismoak utzitako ondarea eta hari lotutako identitate-auziak jorratzen dituzten beste obra berri batzuk ere jartzen ditu jendaurrean. Azken batean, erakusketa honek, Pfeifferrek arte garaikideari egindako ekarpen erabakigarria goretsi ez ezik, esparru kritiko bat eskaintzen du hainbat gai konplexu aztertzeko, hala nola identitatea, pertenentzia eta ospea gurtzen duen kulturaren eragin orokortua. Hedabideek erabat hartua duten gizarte honetan Pfeifferren lanak duen garrantzia ere azpimarratzen du erakusketak.
Erakusketa Los Angeleseko The Museum of Contemporary Art-ek antolatu du Guggenheim Bilbao Museoarekin lankidetzan.
Aretoak: 105 eta 103
 
Paul Pfeiffer 
Apokalipsiaren lau zaldunak (Four Horsemen of the Apocalypse) (07), 2000/24 
Koloretako inprimaketa matea 
146,3 x 182,9 cm 
© Paul Pfeiffer, Bilbao, 2024. 
Artistaren eskaintza; Paula Cooper Gallery, New York; carlier | gebauer, Berlin/Madril; Perrotin; eta Thomas Dane Gallery, Londres

Paul Pfeiffer: Askatasunaren sorrerari buruzko kondairaren hitzaurrea

Masen arkitektura

Pfeifferren jarduna

Paul Pfeiffer erakusketa ezagutzeko bisita birtualaz gozatzera gonbidatzen zaitugu. Ibilbide honek erakusketan dauden artelan eta azalpen-testu guztiak barne hartzen ditu.

Paul Pfeiffer. Askatasunaren sorrerari buruzko kondairaren hitzaurrea

Paul Pfeifferren jardun artistikoak sakon aztertzen ditu ikuskizunaren berezko izaera, identitatea eta kultura garaikidean irudiak eraikitzeko baliatzen

Paul Pfeiffer. Askatasunaren sorrerari buruzko kondairaren hitzaurrea | Guggenheim Bilbao Museoa

Hilma af Klint

Iberdrola

205 aretoa

Hastapenak

Marrazki espiritualak, Bostak taldea (1896–1908)

Jatorrizko kaosa (1906–07)

Eros (1907)

206 aretoa

Figura-Pintura Handiak (1907)

207 aretoa

Zazpi puntako izarra (1908)

Eboluzioa (1908)

209 aretoa

Hamar nagusiak (1907)

203 aretoa

Usoa (1915)

Erretaulak eta Azken Koadroa (1915)

202 aretoa

Pertzeval saila eta Atomoa saila (1916–17)

Serie geometrikoak eta akuarelak (1920–22)

204 aretoa

Jakintzaren zuhaitza (1913)

208 aretoa

Beltxarga (1915)

Hilma af Klint (Stockholm, 1862–1944) margolariak bere proiekturik garrantzitsu eta berritzaileenenari ekin zion 1906an: Tenplurako pinturak. Ia hamarkada batean zehar, 193 margolan eta marrazki egin zituen, ordura arteko irudikapen-moldeetatik nabarmen aldentzen zirenak. Kolorez beteriko pieza ausartak ziren guztiak ere, ageriko errealitateari erreferentzia egin beharrak dakartzan loturetatik askeak sarritan, Af Klinten arabera bistatik ezkutuan ziren indar eta egiturak esploratzen zituztenak. Lan horiek egiterakoan artistak Suediako tradizio akademikoaren konbentzioak alde batera utzi zituen eta bere garaiko korronte zientifiko-espiritualetan jarri zuen arreta. Bere obran eremu horietako ideiak eta ikonografia txertatu zituen, eta, aldi berean, hiztegi artistiko pertsonal eta bakarra sortu zuen. Ikusezina irudikatzeko eta ikusgai egiteko zeregin horretan aitzindari izan zen Af Klint.
Artista gisa bere bidea egin bitartean, Af Klintek bertatik bertara bizi izan zituen bere garaiko aldaketa sozial sakonak, emakumeen eskubideen aldeko mugimenduak barne. XX. mendearen bueltan emakumeek debekuak eta eragozpenak pairatuagatik, Af Klintek Suediako Arte Ederren Errege Akademian ikasteko eta bere lan figuratibo tradizionalenak erakusteko modua izan zuen. Hori bai, gogor borrokatu behar izan zuen bere artea askatasun osoz garatu ahal izateko. Emakume artistak kopiatzeko bai baina berritzeko gai ez zirela uste zen testuinguru batean, Af Klintek oso gutxitan jarri zuen ikusgai bere arterik abstraktu eta erradikalena; asko kostatu zitzaion, gainera, arte hori aintzat hartzeko gai zen publiko bat aurkitzea. Langile saiatua eta nekaezina izaki, Af Klintek xehetasunez antolatu, kontserbatu eta katalogatu zuen bere obra, betiere etorkizuneko ikusleengan jarrita gogoa. Are gehiago, bere margolanak bera hil eta hogei urte igaro arte ez erakusteko agindu zuen, pentsatzen baitzuen mundua prestatuago egongo zela orduan bere obra ulertzeko. Azkenik, 1986an antolatu zuten haren obraren lehen erakusketa, hura hil eta berrogeita bi urtera. Dena dela, beste zenbait hamarkada igaro behar izan dira Hilma af Klintek utzitako ondare bikainak merezitako lekua har dezan.
Erakusketa honetan, artista suediarraren ibilbidearen panoramika zabal bat aurkezten da: funtsezko obra duen Tenplurako pinturak saileko 110 margolan, lehenagoko lan konbentzionalago batzuk, Bostak talde espiritistarekin egindako marrazki automatikoak, Tenplurako pinturak sailaren ondorengo margolan geometrikoak, eta azken aldiko akuarelak eta ohar-koadernoak.
Aretoak: bigarren solairua 
Komisarioak: Tracey R. Bashkoff, Bildumen zuzendari seniorra eta arte-arduradun seniorra, Solomon R. Guggenheim Museum, eta Lucía Agirre, arte-arduraduna, Guggenheim Bilbao Museoa
 
Hilma af Klint 
VI taldea, Eboluzioa, 16. zk., WUS/zazpi puntako izarra saila (Grupp VI, 
Evolutionen, nr 16, Serie WUS/Sjustjärnan), 1908 
Olio-pintura mihise gainean 
102 x 133 cm 
The Hilma af Klint Foundation, Stockholm HaK 84

Sinesmen espiritualak eta teosofia. Mundu espiritualetarako ateak

Aurrerapen zientifikoak. Materiaren indarren atzean

Emakumeen ahotsa. Ilunpetik eremu publikora

Obra figuratiboak eta abstraktuak. Behaketa eta asmamena

Hilma af Klint erakusketa ezagutzeko bisita birtualaz gozatzera gonbidatzen zaitugu. Ibilbide honek erakusketan dauden artelan eta azalpen-testu guztiak barne hartzen ditu.

Hilma af Klint (Stockholm, 1862–1944) margolariak bere proiekturik garrantzitsu eta berritzaileenenari ekin zion 1906an: Tenplurako pinturak. Ia hamarkada

Hilma af Klint | Guggenheim Bilbao Museoa

Yoshitomo Nara

Bisita pribatua komisarioarekin

Fundación BBVA

Leku bakarti bat

Falta zenaren bila

Hementxe daukat behar dudan guztia

Lurrikararen ostean

Isil-isilik gogoetan

Tradizioarekin elkarrizketan

Lerroak marraztuz eta bakea defendatuz

Yoshitomo Nara bere belaunaldiko artistarik ezagunenetako bat da. Haren lanaren bereizgarri dira buru eta begi handidun karikatura-itxurako haur-irudi ausartak, liluragarri bezain desafiatzaile eta lotsagabeak batzuetan, malenkoniatsu eta zalantzatiak besteetan, denboraren poderioz gero eta lasaiago eta gogoetatsuago bihurtu direnak. Narak artearen munduan berehalako onespenik jaso ez bazuen ere, haren estilo grafiko berritzailea erabat finkatuta dago gaur egun.
Nararen pertsonaiak —haren haurrak, animaliak eta izaki hibridoak— bere buruaren isla dira, bere emozioen eta barru-barruko pentsamenduen irudikapen plastikoa, eta agerian uzten dute bere humanismoaren sakontasuna. Hainbat dira Nararen sorkuntza-iturriak: haurtzaroko oroitzapenak —memorian betiko gordeak—, musikaz eta literaturaz duen ezagutza, Japoniako eta Europako artearen historia —artistaren jakin-min aseezinarekin aberastua—, bai eta Japonian eta atzerrian egindako bidaietan aurkitutako jende eta kultura ezberdinekin izan dituen enpatiaz betetako hartu-eman aberatsak ere.
Jarrera ausarta eta espiritu librea izateagatik ezaguna den artista honek beti sentitu izan du grina folk, rock eta underground punk musikarekiko. Gizatasunarekiko eta gizartearekiko duen inplikazio sakona abiapuntu hartuta, guztiona den mundu honekin konprometitutako lanak sortzen ditu Narak, eta hainbat gairi buruzko ideiak aztertzen eta proposatzen ditu horietan, nola diren etxea, komunitatea, natura, ingurumena eta esparru horien arteko loturak.
Nara 1959an jaio zen Hirosaki kanpoaldean, Japonia iparraldean. Pintura ikasi zuen Aichi prefekturako Arte Ederren Unibertsitatean, eta 1980ko hamarkadaren amaieran Alemaniara joan zen Düsseldorfeko Kunstakademie entzutetsuan ikastera. Hamabi urte igaro zituen herrialde hartan, eta urte haietan bere lengoaia piktoriko berezia garatzen jarraitu zuen. 2000. urtean Japoniara itzuli zen, eta bertan bizi da gaur egun; lan ere bertan egiten du. Nararen arteak harreman zuzena du artistaren historiarekin eta haren bizi-esperientziekin. Japonian igarotako haurtzaro-garaiko oroitzapenez —batez ere bakardade-sentsazioaz— eta atzerrian egindako egonaldiaren gomutaz —bertako hizkuntza ez hitz egiteagatik Alemanian ezagutu zuen isolamendu-sentsazioa ahaztu gabe— elikatzen da Nararen lanaren muina.
Atzerabegirako hau ez dago kronologikoki antolatuta, gaika baizik. Narak berariaz egituratu du horrela bere gako pertsonalak eta emozionalak ezagutarazi ahal izateko. Bere asmoa bere artista-nortasuna erakustea da, baita bere sorkuntza-prozesuan interesgarriak eta funtsezkoak diren ideiak ere: behin eta berriz errepikatzen dituen gaiak, bere ikuspegi formalaren garapena eta baliatzen dituen tekniken aniztasuna.
Erakusketak “Nararen mundu” iradokitzailean murgiltzen gaitu azken lau hamarkadetan egindako hainbat lanen bitartez. Nararen ikonografia originala eta iraunkorra da: ondo erakusten du artistak bere ibilbide osoan izandako pentsamendu-jarraitutasuna, eta haren bilakaera estilistikoa azpimarratzen du. Narak margolaritzat du bere burua, baina gaietako bakoitza jorratzeko bestelako bitartekoak edo formatuak ere erabiltzen ditu, hala nola marrazkia, eskultura eta instalazioa.
Aretoa: 105 
Komisarioa: Lucía Agirre 
Egoitzak: Guggenheim Bilbao Museoa; Frieder Burda, Baden-Baden Museoa; Hayward Gallery-Southbank Centre, Londres
 
Yoshitomo Nara 
Putzurik sakonenean (In the Deepest Puddle II), 1995 
Akrilikoa kotoi gainean mihise gainean muntatua 
120 x 110 cm 
Takahashi Collection 
© Yoshitomo Nara, eskaintza: Yoshitomo Nara Foundation

Haurtzaroa

Atzerrian

Japoniara bueltan

Japoniako ekialdeko lurrikara handia

Yoshitomo Nara erakusketa ezagutzeko bisita birtualaz gozatzera gonbidatzen zaitugu. Ibilbide honek erakusketan dauden artelan eta azalpen-testu guztiak barne hartzen ditu.

Yoshitomo Nara bere belaunaldiko artistarik ezagunenetako bat da. Haren lanaren bereizgarri dira buru eta begi handidun karikatura-itxurako haur-irudi

Yoshitomo Nara | Guggenheim Bilbao Museoa

Anthony McCall: Segundo-frakzioa

Mugimendudun irudiari lotutako praktika artistikoei eskainitako erakusketa-programazioaren hamargarren urteurrenarekin bat eginez, Anthony McCallen (Orpington, Erresuma Batua, 1946) obra filmiko eta erabat abstraktua izango dugu Film &amp; Video aretoan. Modu bereizgarrian eta beti ere enigmatikoan, proiekzio zinematografikoa eta fenomeno eskultorikoa bateratzen ditu New Yorken bizi den artista britainiarraren lanak; baina espazio-marrazkiaren edo argi-artearen ikuspegitik ere beha daiteke lan hori. Hirurogeita hamarreko hamarkadatik gaur arte, McCallek “argi solidoaren” kontzeptuaren inguruan egin du lan: argi-planoen proiekzio kontrolatuak erakusketa-gune batean eragiten duen bolumen-efektua adierazten du nozio horrek.
Modu horretan, artistak hipnotikoki eta modu ukiezinean mugitzen diren formak sortzen ditu aretoko ilunantzean. Bilduman dauden Richard Serraren eta Lucio Fontanaren obrekin elkarrizketa argia eginez, erakusketa honetan bildutako pieza-multzo berri-berria Museoko erakusketa-gunerako berariaz pentsatuta dago. Artelanekin batera, artistaren artxiboko elementu argitaragabeak ere egongo dira ikusgai, McCallek azken hamarkadetan egindako ikerketa testuinguruan kokatzen laguntzeko.
Aretoa:103 
Komisarioa: Manuel Cirauqui
 
Anthony McCall 
Aurrez aurre (Face to Face), 2018 
Erakusketaren ikuspegia, Hepworth Wakefield, Erresuma Batua, 2018 
Argazkia: Darren O’Brien/Guzelian Pictures. Artistaren eskaintza

Mugimendudun irudiari lotutako praktika artistikoei eskainitako erakusketa-programazioaren hamargarren urteurrenarekin bat eginez, Anthony McCallen

Anthony McCall: Segundo-frakzioa | Guggenheim Bilbao Museoa

“Naturak, florak eta faunak gauza eta balio ugari erakusten dizkigute arretaz begiratuz gero; horietako bat denborak izaki bizidunen hazkundean eta garapenean duen garrantzia da&#8230;”

Artistak

Elssie Ansareo

“Gure inguruan dugun presentzia eta harekiko daukagun elkarreragina beste inon ez bezala nabari dira Zugaztietan&#8230;”

Ibon Garagarza

“Aurtengo esperientzia zirraragarria izan da. Ikasleen eta irakasleen parte-hartze aktiboak bideratu du proiektu osoa&#8230;&#8221;

Zaloa Ipiña

“Artearen historiaren eta elikaduraren arteko elkargunea aztertzea izan da gure lanaren ardatz nagusia ikasturte honetan&#8230;&#8221;

Nerea Lekuona

“Badira konbergentziak nire hezitzaile-lanaren eta nire artista-lanaren artean. Hezkuntza-proiektuen bidez, neure lan artistikoan garatzen ditudan kezkak eta interesak esperimentatzen ditut&#8230;&#8221;

Maider López

“Artearen munduko kontzeptuek eta egiteko moduek —hala nola abstrakzioak, sinbolikotasunak edo metaforek— errealitatea beste ikuspuntu batetik behatzeko aukera ematen dute, eta horiexetan oinarritzen da praktika hau&#8230;&#8221;

Manu Muniategi

Artea ikasbide

5. eta 6. mailako 10 ikasle, Escolapios Calasanz ikastetxea, Vitoria-Gasteiz

Jateko moduko artea

1. eta 6. maila bitarteko 16 ikasle, La Arboleda ikastetxea, Trapagaran

Iraganaren eta etorkizunaren arrastoak

2. mailako 21 ikasle, Artatse ikastetxea, Bilbo

Bizidun paisaiak

2. mailako 21 ikasle, Eretza Berri ikastetxea, Sodupe

Naturaren aldaketak

5. eta 6. mailako 17 ikasle, Manuela Zubizarreta ikastetxea, Etxebarria

Baratzea zaintzearen ardura

6. mailako 13 ikasle, Katalin Erauso ikastetxea, Donostia

Gure ezaugarri komunak

Artea ikasbide hezkuntza-programa arteaz baliatzen da metodologia berezi baten bidez Lehen Hezkuntzako curriculuma indartzeko. 2023–24 ikasturtean, sei ikastetxetako neska-mutilek Museoko beste horrenbeste artista izan dituzte bidelagun sormenez betetako abentura batean. Proiektu artistiko ugariren bitartez, hainbat eduki jorratu dituzte hogei saiotan zehar: elikadura osasungarriaren garrantzia, pertsonen arteko hartu-emanen bilaketa, natura eta ingurunea ulertzeko begirada berritzaileak eta abar luze bat. Bideoa, pintura, argazkilaritza zein eskultura baliatuta, ikasleek errealitatea esploratu eta ulertu dute, baita elkarlanerako trebetasunak, sormena eta irudimena sendotu ere. Euren sormenprozesuak abiatu eta garatzera bultzatu ditugu ikasleak; pentsatzera, baloratzera, aukeratzera, probatzera, zalantza egitera eta dibertitzera; batzuetan baita galtzera ere, eta, jakina, huts egitera, akatsik gabe ez baitago aurrera egiterik.
Hezkuntza-programa artistiko honen azken urratsa ikasleen proiektuak Museoan ikusgai jartzea da. Oraingo honetan, naturaren aldaketak eta prozesuak, bertoko nortasuna, guztionaren eta bakoitzarenaren arteko lotura, edo zaintzaren garrantzia izan dira, besteak beste, erakusgai jarritako proposamenetako askoren abiapuntua. Aretoaren 
kanpoaldean, bideo batek ikasturtean zehar ikastetxeetan garatutako sormen-prozesuaren laburpena erakusten du. Erakusketak amaiera ematen dio ziklo artistikoari, eta jendaurrean aurkezten du egindako lana. Bisitariek ustekabeko aukera izango dute ikuspuntu original bezain freskoez gozatzeko, ideia iradokitzaileak aztertzeko eta ekimenean zehar partaideek izan duten ikasteko eta sortzeko grina bere egiteko. Museoaren programazio artistikoak ingurumenari buruzko hausnarketarako aukerak zabaldu ohi ditu, eta Artea ikasbide proiektuak ere ingurumen-jasangarritasunaren ildo horri jarraitzen dio, bai aurkezpenerako materialen hautaketan, bai proiektuetako askoren gaietan

Elkartrukea

MUSEOAN

Artea ikasbide 2024

Artea ikasbide hezkuntza-programa arteaz baliatzen da metodologia berezi baten bidez Lehen Hezkuntzako curriculuma indartzeko. 2023–24 ikasturtean, sei ikastetxetako neska-mutilek Museoko beste horrenbeste artista izan dituzte bidelagun sormenez betetako abentura batean.

Artea ikasbide 2024 | Guggenheim Bilbao Museoa

Martha Jungwirth

Artistari eta komisarioari elkarrizketa

Occident

205. Objektuak eta pertsonak

206. Bidaiak eta ihesbidea

207. Animalia ikonografia gisa

209. Artearen historia

Martha Jungwirth (Viena, 1940) artistarentzat, bere gorputzak sorkuntzaprozesuan daukan inplikazioa jasotzen duen egunkari moduko bat da artea. Jungwirthen ustez, marrazki eta pintura bakoitza bere izaeraren luzapen dinamikoa da, non lerroz eta orbanez osatutako egitura adimendunak sortzen baitira, mugimenduek eta emozioek bultzatuta. Haren lana jariakortasunean, gardentasunean eta irekitasunean zentratzen da, eta handitasun-irrika orotatik aldentzen da landu gabe, zentsuratu gabe eta apaindu gabe dagoen hori arakatu nahian.
Jungwirthen obra, beraz, oroimena eta irudikapena elkarrekin solastatzen diren eremu batean kokatzen da. Artistak pertzepzio guztiz pertsonalak islatzen dituzten forma plastiko bihurtzen ditu bere bizipenak. Iturri gisa balio diona iradokitzen duten keinu-formen eta emozioz beteriko koloreen bidez, Jungwirthen margolanek kategorizazio estilistiko sinpleetatik harago doan leku bat hartzen dute, abstrakzioaren eta figurazio sotilaren artean kulunka. Haren espektro artistikoaren baitan, koadroetako batzuk pintzelkada ugariz hornituta daude, eta beste batzuk, berriz, trazuen urritasunagatik nabarmentzen dira. Horren emaitza zera da, abstrakzioaren eta mundu fisikoaren irudikapenaren artean dagoen tentsioaren esplorazioa.
Jungwirthen lehen lanek erraietakoa eta subjektiboa denari buruzko ikuspegi berezia erakusten dute, espresionismo abstraktuaren eta emozioz betetako tasun gordinaren arteko fusioa; uztarketa horretatik abiatuta garatu du artistak bere estetika aparta. Jungwirthen ekoizpenean etengabeko eboluzioa nabari da, eta artistak askotariko gaiak lantzen ditu, izan autorretratu introspektiboak, paisaiak edo are gaur egungo gertaera globalak (Australiak 2019–20an pairatu zituen suteak, adibidez).
Erakusketa honetan 70 lan daude ikusgai, Jungwirthen lehen marrazkiekin hasi —figurazioaren eta abstrakzioaren arteko mugen arakatze-ariketak— eta Francisco de Goya eta Édouard Manet inspiraziotzat dituzten azken margolan sailekin buka. Erakusketa gaika antolatuta dago, eta askotariko piezak aurkezten ditu: marrazkiak, akuarelak, olio-pinturak eta euskarri desberdinetan —nola diren eskuz egindako papera, kontu-liburuak, kartoi mehea eta abar— osatutako artista-liburuak. Ezohiko material horiek zoriaren aldagaia sartzen dute sortze-prozesuan, eta bat-batekotasuna eta dinamismoa sustatzen dituzte. Jungwirthek bere adierazpen artistikoaren mugak behin eta berriz gainditzeko eta zabaltzeko baliatzen dituen ikerketa tematikoak eta berrikuntza plastikoak ezinbestean baldintzatzen dute artearen munduan lortu duen toki berezia.
Aretoak: 205, 206, 207 Eta 209 
Komisarioa: Lekha Hileman Waitoller
 
Martha Jungwirth 
Maja I, Francisco de Goya, Maja sailekoa 
(Maja I, aus der Serie Francisco de Goya, Maja), 2021 
Olio-pintura paper gainean, mihise gainean muntatua 
238,8 x 299,6 cm 
Brauner Collection 
© Martha Jungwirth, Bilbao, 2024 
Argazkia Sebastiano Pellion

Martha Jungwirth, keinua eta kolorea

Maisu handiak oinarri

Jungwirthen Vienako estudioan

Martha Jungwirth erakusketa ezagutzeko bisita birtualaz gozatzera gonbidatzen zaitugu. Ibilbide honek erakusketan dauden artelan eta azalpen-testu guztiak barne hartzen ditu.

Martha Jungwirth (Viena, 1940) artistarentzat, bere gorputzak sorkuntzaprozesuan daukan inplikazioa jasotzen duen egunkari moduko bat da artea.

Martha Jungwirth | Guggenheim Bilbao Museoa

18€ Helduak - 9€ Erretiratuak - 9€ Ikasleak

Guggenheim Bilbao Museoaren TopARTE ekimenak ingurune hurbileneko erakunde eta eragile kulturalekin duen konpromisoa berretsi nahi du. Elkarlan emankor horren ondorioz, askotariko programa bat sortu da; diziplina anitz biltzen ditu, eduki eta formatu ugari, eta guztiei zuzenduta dago.
Horrenbestez, ekimen horren esparruan, hainbat diziplinatako jarduerak aurkezten dira Museoan; besteak beste, arkitektura, zinema, dantza, diseinua, gastronomia, musika, performancea eta antzerkiarekin erlazionatutakoak.