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Expositions

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Expositions | Musée Guggenheim Bilbao

Yoshitomo Nara

Guide-audio

Plano audioguía

Conférence inaugurale

Fundación BBVA

Un lieu solitaire

À la recherche de ce qui manquait

Ici, j’ai tout ce qu’il me faut

Après le tremblement de terre

Penser en silence

Sous un ciel brumeux

Yoshitomo Nara est l’un des artistes les plus célèbres de sa génération. Son œuvre est essentiellement connue pour les audacieux portraits d’enfants à grosse tête et aux grands yeux parfois fascinants, parfois menaçants, provocants ou insolents, ou encore mélancoliques et peu sûrs d’eux, qui sont devenus au fil du temps plus sereins et pensifs. Même si Nara n’a pas obtenu une reconnaissance immédiate dans le monde de l’art, son style graphique est actuellement très en vogue.
Les personnages de Nara, humains, animaux et êtres hybrides, sont un reflet de lui-même, une représentation plastique de ses émotions et de ses pensées les plus intimes, et ils montrent en cela la profondeur de son humanisme. Ses créations, qui puisent leur source dans ses souvenirs d’enfance, restés gravés dans sa mémoire, ses connaissances en musique et littérature, en histoire de l’art japonais et européen, sont enrichies par son insatiable curiosité, ainsi que par les rencontres stimulantes et emplies d’empathie avec d’autres personnes et d’autres cultures lors de ses voyages au Japon et à l’étranger.
Connu pour son attitude décontractée et son esprit libre, Nara s’est depuis toujours passionné pour la musique folk, rock et punk underground. Partant de sa profonde implication vis-à-vis de l’humanité et de la société, son œuvre engagée vis-à-vis du monde que nous partageons examine et propose des idées sur des thèmes comme le foyer, la communauté, la nature, l’environnement et les interrelations entre eux.
Né en 1959 dans la banlieue d’Hirosaki, au nord du Japon, Nara fait des études artistiques à l’Université des Beaux-arts d’Aichi. À la fin des années 1980, il  s’installe en Allemagne et poursuit ses études à la prestigieuse Kunstakademie de Düsseldorf. Il va rester douze ans en Allemagne, période au cours de laquelle il développe son propre langage pictural. En l’an 2000, il revient au Japon, où il vit et travaille actuellement. Son art conserve des liens directs avec sa propre histoire et ses expériences vitales. Ses œuvres sont nourries par ses souvenirs d’enfance au Japon, en particulier la sensation de solitude, ainsi que par son séjour à l’étranger et l’impression d’isolement qu’il a vécue en Allemagne, ne parlant pas la langue de ce pays.
Cette rétrospective n’est pas organisée selon un ordre chronologique. Nara l’a plutôt expressément structurée par thèmes afin de révéler ses clés personnelles et émotionnelles dans le but de transmettre sa raison d’être en tant qu’artiste, ainsi que les idées qui l’intéressent et jouent un rôle essentiel dans son processus de création : thèmes récurrents, développement de son approche formelle et variété des techniques.
L’exposition nous plonge dans l’univers de Nara à travers une série d’œuvres parcourant les quarante dernières années. Original et persistante, l’iconographie de Nara illustre à la perfection la continuité des idées qui l’ont accompagné tout au long de sa carrière en mettant en lumière son évolution stylistique. Bien que Nara se considère principalement comme un peintre, il explore chaque thème en ayant également recours à d’autres techniques et d’autres formats, comme le dessin, la sculpture et les installations.
Salle : 105 
Commissaire : Lucía Agirre 
Sièges : Musée Guggenheim Bilbao ; Musée Frieder Burda, Baden-Baden ; Hayward Gallery-Southbank Centre, Londres
 
Yoshitomo Nara 
Dans la flaque la plus profonde II (In the Deepest Puddle II), 1995 
Acrylique sur coton marouflé sur toile 
120 x 110 cm 
Takahashi Collection 
© Yoshitomo Nara, courtoisie de la Yoshitomo Nara Fondation

Enfance

À L’étranger

Retour au Japon

Grand Tremblement de Terre au Japon Oriental

Au musée

Vidéo de l'exposition

Nous vous invitons à participer à une visite virtuelle de l’exposition Yoshitomo Nara. Cette promenade comprend toutes les œuvres et les textes d’explication présentés au sein de l’accrochage.

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VISITE VIRTUELLE

Yoshitomo Nara est l’un des artistes les plus célèbres de sa génération. Son œuvre est essentiellement connue pour les audacieux portraits d’enfants à

Yoshitomo Nara | Musée Guggenheim Bilbao

Anthony McCall : Fraction de seconde

Conférence d'ouverture

À l'occasion du dixième anniversaire du programme d'expositions consacré aux œuvres artistiques de l'image en mouvement, la galerie Film &amp; Vidéo accueillera l'œuvre, à la fois cinématographique et radicalement abstraite, d'Anthony McCall (Orpington, Royaume-Uni, 1946). Le travail de cet artiste britannique résidant à New York conjugue de façon originale et toujours énigmatique projections cinématographiques et sculptures, mais il peut aussi être abordé sous l'angle du dessin dans l'espace ou celui de l'art lumineux. Des années 1970 à maintenant, McCall articule son travail autour du concept de " lumière solide ", notion qui fait référence à l'effet de volume que la projection contrôlée de plans lumineux produit dans une salle d'exposition.
L'artiste réalise ainsi des formes qui se déplacent de manière hypnotique et intangible dans la pénombre de la salle. Dialoguant résolument avec les œuvres de Richard Serra et Lucio Fontana dans la Collection, cette exposition réunit un ensemble d’œuvres dans une configuration sans précédent, conçue spécifiquement pour le Musée. Elles seront agrémentées de documents entièrement inédits issus de ses archives, qui permettront de replacer ses recherches dans leur contexte au fil des dernières décennies.
Salle :103 
Commissaire : Manuel Cirauqui
 
Anthony McCall 
Face à face (Face to Face), 2018 
Vue de l'exposition à Hepworth Wakefield, Royaume-Uni, 2018 
Photo : Darren O’Brien/Guzelian Pictures. Courtoisie de l’artiste

À l'occasion du dixième anniversaire du programme d'expositions consacré aux œuvres artistiques de l'image en mouvement, la galerie Film &amp; Vidéo

Anthony McCall : Fraction de seconde | Musée Guggenheim Bilbao

3ème étage

Audioguide

Cette présentation de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao présente une sélection d’oeuvres fondamentales qui cristallisent des moments clé de l’histoire de l’art après la Seconde Guerre mondiale. Geste ambitieux visant à amplifier la résonance entre art et architecture, cette installation, faite de plusieurs des pièces majeures de la Collection, met en valeur l’architecture originale du bâtiment et elle est un chant aux espaces lumineux et dégagés du troisième étage du Musée.
Cette exposition s’inspire tout autant du fonds d’oeuvres singulières d’artistes individuels que des mouvements de l’histoire de l’art, bien illustrés par notre Collection. Ainsi, l’accrochage met en lumière des auteurs qui ont travaillé à l’avant-garde de leur époque et dont la contribution a été réellement déterminante dans leur domaine. Chaque salle donne l’occasion de contempler la production d’un artiste, ou de plusieurs, qui explorent des préoccupations partagées depuis différentes perspectives.
Certaines salles sur cet étage montrent des installations conçues pour un emplacement spécifique ou des pièces uniques à caractère expérientiel, comme les espaces dédiés à Sol LeWitt et El Anatsui. L’oeuvre de ce dernier, Mer montante, est une sculpture contemporaine d’une grande importance dans la carrière de l’artiste africain. C’est aussi la dernière acquisition de la Collection. D’autres salles accueillent des montages thématiques sur l’émergence de l’art abstrait après la Seconde Guerre mondiale, ainsi que sur les rapprochements effectués entre art abstrait et spiritualité. Certaines salles abordent des langages artistiques ultérieurs, déployés de 1960 à 1980, par exemple l’art pop et la présence du populaire dans la création contemporaine. Une documentation historique sur ces courants artistiques et sur les auteurs qui y ont contribué vient compléter le tout.
Salles : Troisième étage 
Commissaire : Lekha Hileman Waitoller

Si les murs pouvaient parler...

El Anatsui

Jenny Holzer

Jeff Koons

Sol Lewitt

Œuvres de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao

Cette présentation de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao présente une sélection d’oeuvres fondamentales qui cristallisent des moments clé de

Œuvres de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao | Musée Guggenheim Bilbao

Iberdrola

En 1906, Hilma af Klint (Stockholm, 1862–1944) entreprend son projet le plus important et le plus innovant, Peintures pour le temple. En près d’une décennie, elle crée 193 peintures et dessins qui se démarquent complètement des représentations connues jusqu’alors. Audacieuses, colorées et souvent dépourvues de références au monde visible, ces pièces explorent les forces et les structures qui, selon Af Klint, étaient cachées à la vue de tous. Dans ce travail, l’artiste abandonne les conventions de la tradition académique suédoise et s’inspire des courants scientifiques et spirituels de son époque. Elle intègre des idées et l’iconographie de ces deux domaines et développe simultanément un langage artistique personnel et singulier. Af Klint s’impose ainsi comme une pionnière de la représentation de l’invisible.
Alors qu’elle fait son chemin en tant qu’artiste, elle est témoin des profonds changements sociaux de son époque, et notamment des mouvements pour les droits des femmes. Malgré les restrictions auxquelles les femmes doivent faire face à la fin du XIXème et au début du XXème siècle, Af Klint se forme à l’Académie royale suédoise des Beaux-Arts et expose ses œuvres figuratives les plus traditionnelles, mais elle devra se battre pour développer son art en toute liberté. En effet, à une époque où l’on considère que les femmes artistes ne sont pas capables d’innover mais seulement de copier, elle expose très rarement ses créations les plus abstraites et radicales et peine à trouver son public. Très déterminée, elle organise, préserve et catalogue son œuvre en détail, dans le but de la partager avec le public du futur. Elle exige même que son œuvre ne soit exposée que vingt ans après sa mort, estimant que le monde serait alors prêt à la comprendre. Ses peintures seront finalement exposées en 1986, quarante-deux ans après sa mort. Mais il faudra encore plusieurs décennies pour que son magnifique héritage soit apprécié à sa juste valeur.
Cette exposition retrace la carrière de l’artiste suédoise, incluant, outre 110 de ses Peintures pour le temple, plusieurs créations précoces plus conventionnelles, des dessins automatiques réalisés avec le groupe spiritiste des Cinq, ses séries à dominante géométrique créées après la série des Peintures pour le temple, et des aquarelles et des carnets de sa dernière période.
Salles : Deuxième Étage 
Commissaires : Tracey R. Bashkoff, directrice senior des collections et conservatrice senior, Solomon R. Guggenheim Museum, et Lucía Agirre, conservatrice, Musée Guggenheim Bilbao
 
Hilma af Klint 
Groupe VI, Évolution, no. 16, Série WUS/Étoile à sept branches (Grupp VI, 
Evolutionen, nr 16, Serie WUS/Sjustjärnan), 1908 
Huile sur toile 
102 x 133 cm 
The Hilma af Klint Foundation, Stockholm HaK 84

Hilma af Klint

En 1906, Hilma af Klint (Stockholm, 1862–1944) entreprend son projet le plus important et le plus innovant, Peintures pour le temple. En près d’une

Hilma af Klint | Musée Guggenheim Bilbao

Paul Pfeiffer : Prologue à l'histoire de la naissance de la liberté retrace vingt-cinq ans de pratique artistique de Paul Pfeiffer, artiste né en 1966 à Honolulu, Hawaï, et vivant à New York. Cette exposition rend hommage à un pionnier réputé pour son travail percutant, qui interroge les notions de spectacle, d'appartenance et de différence. S’inspirant des grands événements télévisés autour du sport et du divertissement, l'œuvre de Pfeiffer se sert d’un habile montage de séquences vidéo récupérées pour déconstruire notre obsession et notre fascination pour le culte de la célébrité et dévoile la manière dont la conscience collective est façonnée et manipulée. En retraçant la trajectoire mondiale de la circulation des images, Pfeiffer démontre comment le désir, l’héroïsme et le culte font partie des mécanismes de l’art, de la religion, de la politique et de la nationalité.
De ses premières vidéos les plus marquantes aux œuvres les plus récentes et révolutionnaires dans le domaine de la photographie, l'installation et la sculpture, l'exposition place Pfeiffer au rang des artistes les plus influents d'aujourd'hui. Ses œuvres les plus emblématiques sur des moniteurs LCD et des projecteurs miniatures, notamment Fragments de la crucifixion (d'après Francis Bacon) [Fragments of a Crucifixion (After Francis Bacon), 1999], Jean 3:16 (John 3 :16, 2000), et la trilogie Le long compte (The Long Count, 2000–01), sont présentées à côté des projections à grande échelle et des installations immersives, telles que Les Saints (The Saints, 2007), une reconstitution audiovisuelle de la finale de la Coupe du monde 1966 entre l'Angleterre et la République Fédérale d’Allemagne, et Rouge Vert Bleu (Red Green Blue, 2022), l'œuvre vidéo la plus récente de l'artiste. L’exposition permet également d’admirer pour la première fois des sculptures récemment commandées pour la série Incarnator, sur laquelle Pfeiffer travaille actuellement, en collaboration avec des « encarnadores » (« incarnateurs ») ou sculpteurs des Philippines, d’Espagne et du Mexique. Pfeiffer représente la popstar Justin Bieber sous les traits du Christ, le convertissant ainsi en icône religieuse. La production de ces sculptures fait le lien entre les routes commerciales coloniales du XVIe siècle et les réseaux mondiaux actuels.
Il s'agit de la première rétrospective de l'artiste aux États-Unis, et la présentation au Musée Guggenheim Bilbao sera la plus grande exposition européenne de l'artiste.
Salles : 103 Et 105 
Sièges : Moca, Los Ángeles; Musée Guggenheim Bilbao
 
Paul Pfeiffer 
Four Horsemen of the Apocalypse (07)], 2002 
DuraFlex Digital print, 121.9 x 152.4 cm 
© Paul Pfeiffer, Bilbao, 2024. Courtesy of the artist; Paula Cooper Gallery, Nueva York; carlier | gebauer, Berlín/Madrid; Perrotin; and Thomas Dane Gallery, London

Paul Pfeiffer. Prologue à l’histoire de la naissance de la liberté

Paul Pfeiffer : Prologue à l'histoire de la naissance de la liberté retrace vingt-cinq ans de pratique artistique de Paul Pfeiffer, artiste né en 1966 à

Paul Pfeiffer. Prologue à l’histoire de la naissance de la liberté | Musée Guggenheim Bilbao

12€ Adulte - 6€ Retraité - 6€ Étudiants

L&#8217;initiative TopARTE du Musée Guggenheim Bilbao confirme son engagement auprès  des organisations et des institutions culturelles de notre environnement immédiat. Le résultat de cette collaboration fructueuse est un programme varié, multidisciplinaire, riche en contenu et en formats qui s’adresse à tous les publics.
Dans le cadre de ce projet, plusieurs activités sont ainsi présentées au Musée couvrant des disciplines aussi diverses que l&#8217;architecture, le cinéma, la danse, le design, la gastronomie, la musique, les performances et le théâtre.

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Yoshitomo Nara

28.06.2024 - 03.11.2024

Anthony McCall : Fraction de seconde

19.06.2024 - 10.11.2024

Œuvres de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao

24.01.2023 - 31.12.2024

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