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Expositions | Musée Guggenheim Bilbao

Mark Leckey

Conférence inaugurale

Guide-audio

Mark Leckey. Et la ville se dressait dans toute sa splendeur constitue la deuxième exposition du programme du Musée Guggenheim Bilbao in situ, qui invite des artistes à créer des œuvres spécifiquement pour la salle 208, en interaction avec l’architecture de l’espace. Proposant une intersection entre culture populaire, technologie et mémoire collective, Mark Leckey (Birkenhead, Royaume-Uni, 1964) recontextualise les images historiques pour créer un dialogue entre le passé et le présent. Son travail, une invitation à réfléchir sur la nostalgie et la classe sociale, explore comment les médias et la technologie façonnent notre sentiment d’identité et d’appartenance.
Leckey, qui a grandi près de Liverpool à la fin des années 1970 et pendant les années 1980, a été témoin du déclin des cités industrielles anglaises et de la fragmentation sociale qu’il a entraînée. Les usines ont fermé, les communautés se sont divisées et la culture de masse que la télévision et la publicité contribuaient à diffuser est devenue un nouveau type de paysage. C’est dans ce climat agité et médiatisé qu’est née la fascination de l’artiste pour la manière dont les images, les sons et les technologies construisent un imaginaire et un sentiment d’appartenance partagés.
Pour cette exposition, Leckey s’est inspiré du tableau de Sassetta Une ville au bord de la mer (1424), l’un des premiers paysages de l’art occidental dans lequel un paysage urbain devient le sujet principal. L’oeuvre montre, dans un espace géométriquement complexe mais aplati, une cité médiévale fortifiée, juchée sur une colline. Selon Leckey, « la ville transcende les lois de la physique ; c’est une ville du passé et de l’avenir. » Son interprétation part de l’image bidimensionnelle pour arriver à la forme sculpturale, habitant le seuil entre la réalité matérielle et le royaume de l’immatériel, du réel et de l’imaginaire.
Dans cette installation, la sculpture fait partie d’un récit imaginaire dont le rythme temporel est défini par une boucle de six minutes de son et de lumière composée par l'artiste lui-même. Construit à partir de morceaux superposés d'enregistrements audio récupérés, de musique et parfois de voix, l’environnement sonore se déploie comme un courant, interrompu par des éclats soudains de voix ou de mélodie. Sa progression se manifeste à travers un cycle de lumière en mutation, de l'aube au crépuscule. À mi-parcours, un effet stroboscopique intense coïncide avec le point culminant de la bande son, inondant momentanément la pièce d'une lueur presque éblouissante. Projetée directement sur la sculpture, la lumière anime sa surface, transformant un objet solide en une apparition intermittente. Ensemble, ces éléments immatériels — le son et la lumière — articulent l'arc narratif et l'atmosphère de l'œuvre, enveloppant le public dans un espace temporel chargé qui oscille entre révélation et effacement.
L’installation invite à réfléchir sur la manière dont l’espace physique, le son et la lumière convergent avec des forces intangibles — systèmes numériques ou expériences transcendantes — pour évoquer une sensation de transformation et instabilité. En combinant des éléments matériels et immatériels, Leckey crée un lieu où le visible et l’invisible entrent en collision dans une rencontre à la fois immédiate, étrange et transcendante.
Salles : 204, 208 
Commissaire : Lekha Hileman
Mark Leckey 
Vue de l'installation Et la ville se dressait dans toute sa splendeur (And the City Stood in its Brightness, 2025) au Musée Guggenheim Bilbao

in situ : Mark Leckey, le processus de création

Engagement envers la musique

Au musée

in situ: Mark Leckey. Et la ville se dressait dans toute sa splendeur

Mark Leckey. Et la ville se dressait dans toute sa splendeur constitue la deuxième exposition du programme du Musée Guggenheim Bilbao in situ, qui invite

in situ: Mark Leckey. Et la ville se dressait dans toute sa splendeur | Musée Guggenheim Bilbao

Œuvres de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao

Plan des audioguides

Galerie 305. Abstraction et espace

Galerie 306. Geste et action

Galerie 307. Art et langage

Galerie 304. El Anatsui

Galerie 301. Yayoi Kusama

Galerie 302. Art et conflit

Galerie 303. Échos du pop art

Avec cette exposition, le Musée Guggenheim Bilbao présente ses nouveaux fonds, obtenus grâce à ses récentes acquisitions, aux dons de la D. Daskalopoulos Collection et de la Fondation Al Held, ainsi qu’au dépôt à long terme d’une cinquantaine de pièces de la Collection Inge Rodenstock. Désormais, les mouvements artistiques et certaines figures clés de la seconde moitié du xxe siècle tels que Jean-Michel Basquiat, Yves Klein, Jeff Koons, Antoni Tàpies, Cy Twombly et Andy Warhol sont mieux représentés dans le Musée. En outre, la Collection enrichit son récit en intégrant divers styles et artistes, tels que Hanne Darboven, Al Held, Damien Hirst, Martin Kippenberger ou Robert Ryman, entre autres. Cet ensemble d’oeuvres représente une contribution exceptionnelle à l’institution et met en avant des connexions singulières entre différents artistes, courants et périodes.
À l’exception des salles 301 et 304, dédiées à un seul artiste — Yayoi Kusama et El Anatsui, respectivement — tous les espaces sont conçus comme des mises en scène collectives indépendantes qui favorisent une multiplicité de lectures et des échanges inédits entre les oeuvres. Cette approche renforce l’ambition du Musée qui veut créer un récit dynamique et diversifié, à l’image de l’art contemporain, de sa richesse et de sa complexité, que contribuera à la recherche et à la diffusion de l’histoire de l’art des années 1950 à nos jours.
La conception de l’exposition est en harmonie avec le projet original du bâtiment, signé Frank Gehry, dans lequel l’architecture remplit une fonction dynamique cruciale dans l’expérience artistique.
Commissaire : Marta Blàvia
Andy Warhol 
Cent cinquante Marilyns multicolores (One Hundred and Fifty Multicolored Marilyns), 1979 
Acrylique et encre de sérigraphie sur toile 
201 x 1,055 x 6 cm 
Guggenheim Bilbao Museoa

Collections en dialogue

Collection privée

Collection Guggenheim Bilbao

Collectionnisme d’entreprise

Avec cette exposition, le Musée Guggenheim Bilbao présente ses nouveaux fonds, obtenus grâce à ses récentes acquisitions, aux dons de la D. Daskalopoulos

Œuvres de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao | Musée Guggenheim Bilbao

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomie de l'espace

Maria Helena et Arpad

Anatomie de l’espace

Échec et mat : danseurs, joueurs d’échecs et joueurs de cartes

La Seconde Guerre Mondiale depuis Rio de Janeiro

Le retour à Paris

Villes Réelles et imaginées

Extérieurs et intérieurs

Nuances de blanc

Maria Helena Vieira da Silva est née le 13 juin 1908 au sein d’une famille aisée. Lorsque son père décède, alors qu’elle n’avait que 2 ans, sa mère l’élève avec l’aide de sa famille. Vieira da Silva grandit dans un environnement qui l’a encouragée à cultiver une passion pour l’art, le théâtre et la musique qui la marquera fortement. Après avoir étudié la peinture et le dessin à l’Académie des beaux-arts de Lisbonne, en 1928, elle s’installe à Paris pour poursuivre sa formation à l’Académie de la Grande-Chaumière, où elle rencontrera son futur mari, le peintre hongrois Arpad Szenes. Ils vivent tous deux à Paris jusqu’au déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, qui les conduit à se réfugier à Rio de Janeiro, jusqu’à leur retour à Paris, sept ans plus tard. Dès la fin des années 1950, Vieira da Silva devient une artiste célèbre et reconnue par ses abstractions complexes. L’artiste continuera à peindre jusque dans les années 1980. Lauréate de nombreux prix, elle a notamment été nommée Commandeure de l’ordre des Arts et des Lettres par le gouvernement français en 1960. L’artiste décède à Paris le 6 mars 1992.
Cette exposition se penche sur le travail de l’artiste des années 1930 aux années 1980, en explorant son rapport avec les paysages architecturaux urbains ainsi que l’importance de la mémoire dans son oeuvre. L’exposition s’appuie sur une sélection de peintures clés qui révèlent le déploiement constant et itératif de formes abstraites et d’illusions d’optique au cours de sa carrière. Un autre aspect clé abordé ici est la relation entre l’abstraction et la figuration dans son oeuvre, telle qu’elle se manifeste dans ses espaces architecturaux, où la distinction entre le paysage urbain réel et imaginé reste floue. L’oeuvre de l’artiste mêle différents styles et influences, tels que la géométrie décorative des carreaux hispano-arabes, les nappes à carreaux des tableaux de Pierre Bonnard ou l’abstraction du Cubisme et du Futurisme. Son vocabulaire personnel est composé d’échiquiers, de lignes qui s’entrecroisent, de perspectives insaisissables et d’espaces qui s’éloignent, suggérant qu’ « un tableau n’est jamais terminé », comme elle l’a elle-même déclaré.
L’oeuvre de Vieira da Silva est historiquement liée à l’héritage artistique de Peggy Guggenheim et de Solomon R. Guggenheim. Elle figurait parmi les 31 artistes choisies par Peggy Guggenheim pour son exposition de 1943, 31 Women, à son musée-galerie Art of This Century ; et Hilla Rebay fut l’une des premières à soutenir le travail de Vieira da Silva, ayant acheté en 1937 l’oeuvre Composition (1936) pour la Collection Fondatrice Solomon R. Guggenheim.
Vieira da Silva parlait rarement de son travail. Elle disait souvent : « Nous, les peintres, pouvons paraître stupides quand nous parlons. Nous savons beaucoup de choses, mais nous parlons à travers nos peintures ». À une occasion, cependant, elle a été contrainte d’expliquer sa méthode ; elle a alors réalisé une synthèse mordante : « En général, je n’aime pas les oeuvres qui font étalage de leur difficulté. Je préfère ces autres oeuvres raffinées qui nous permettent de sentir, de deviner de loin, la complexité des choses du monde ».
Salle : 105 
Commissaire : Flavia Frigeri 
Sièges : Peggy Guggenheim Collection, Venise ; Musée Guggenheim Bilbao
 
Maria Helena Vieira da Silva (1908 – 1992) 
Figure de ballet, 1948 
Huile et graphite sur toile, 27 × 46 cm 
Courtoisie de la Galerie Jeanne Bucher Jaeger, Paris - Lisbonne 
N° d’inventaire : CR587

Maria Helena Vieira da Silva

L’atelier de l’artiste

Nous vous invitons à participer à une visite virtuelle de l’exposition Maria Helena Vieira da Silva. Cette promenade comprend toutes les œuvres et les textes d’explication présentés au sein de l’accrochage.

COMMENCEZ MAINTENANT

VISITE VIRTUELLE

Maria Helena Vieira da Silva est née le 13 juin 1908 au sein d’une famille aisée. Lorsque son père décède, alors qu’elle n’avait que 2 ans, sa mère

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomie de l&#039;espace | Musée Guggenheim Bilbao

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomie de l'espace | Musée Guggenheim Bilbao

Sky Hopinka

Sky Hopinka explore la culture, l’histoire et les croyances traditionnelles amérindiennes à travers l’identité, la mémoire, la langue et les mythes. Membre de la nation Ho-Chunk du Wisconsin et descendant du groupe Pechanga du peuple Luiseño du sud de la Californie, Hopinka est né et a grandi à Ferndale, Washington, dans les États-Unis. Le nord-ouest du Pacifique joue un rôle clé dans ses oeuvres, en particulier lorsqu’il aborde des concepts tels que la patrie, l’identité personnelle et le paysage. Ses films, qui invitent à réfléchir sur les complexités de la vie actuelle des amérindiens, mêlent le cinéma non narratif, la poésie et l’imagerie abstraite avec une approche ethnopoétique, une réaction face au regard ethnographique qui a longtemps chosifié les cultures amérindiennes au format audiovisuel.
Le cinéma ethnopoétique évoque les thèmes de l’identité culturelle, le déplacement et la vie quotidienne à travers une combinaison de techniques de cinéma documentaire et expérimental, mettant ainsi en évidence les aspects artistiques et performatifs de l’expression culturelle. À travers son oeuvre, Hopinka témoigne d’un engagement profond, de sa volonté de raconter des histoires du point de vue amérindien, un récit longtemps délaissé par la tradition occidentale. L’artiste l’explique ainsi : « Le désir que j’avais de faire des films était en partie dû à la nécessité de raconter des histoires amérindiennes, propres à ma communauté et à mon identité ».
Dans Évanouissements (2018), Hopinka explore l’histoire de la création de la Xąwįska, ou Pipe indienne, également connue sous le nom de « fleur fantôme » ou « plante cadavre ». Traditionnellement employée par le peuple Ho-Chunk pour ranimer une personne après un évanouissement, cette plante médicinale est également emblématique de l’identité, du savoir et de la culture amérindiens. En outre, son symbolisme peut être lié aux cycles de la vie et de la mort, ainsi qu’au monde spirituel. Lorsque Hopinka, malgré de longues recherches, n’a pas réussi à trouver un mythe sur l’origine de cette plante, il en a inventé un lui-même, contribuant ainsi à la pratique de la création et de la préservation de mythes de sa propre culture indigène.
Le court métrage à trois canaux commence par un poème manuscrit qui traverse des scènes d’un paysage coloré qui s’étale avec, en toile de fond, une musique fort évocatrice. Le texte du poème, qui est également affiché sur un des murs dans cet espace, s’adresse directement à la Xąwįska, personnifiée sous la forme d’une figure enveloppée dans un manteau, qui nous emmène dans un voyage à travers le monde des esprits dans différents états de conscience. Dans cette oeuvre, créée à Washington, Colorado, Wisconsin, Oregon et Nouveau-Mexique, Hopinka crée un récit onirique dans lequel la musique, la poésie, les sons, les couleurs et les images se superposent dans une expérience immersive unique, spécialement conçue dans cette nouvelle édition pour le Musée Guggenheim Bilbao.
<img loading="lazy" class="alignnone wp-image-534378 size-full" src="http://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/12/FS-HR-07.jpg" alt="Sky hopinka" width="1920" height="1082" srcset="https://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/12/FS-HR-07.jpg 1920w, https://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/12/FS-HR-07-300x169.jpg 300w, https://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/12/FS-HR-07-1024x577.jpg 1024w, https://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/12/FS-HR-07-768x433.jpg 768w, https://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/12/FS-HR-07-1536x866.jpg 1536w" sizes="(max-width: 1920px) 100vw, 1920px" />
Poème Évanouissements (2018)
Xąwįska, Mamu Landare, berriro galdu duzu kordea. 
Lore bat erauzi dizut sorbaldatik 
eta hatz artean kiribildu dut 
birrin griskara bihurtu den arte. 
Su eman diot, eta zure aurpegirantz egin diot putz keari. 
Zu noiz esnatuko zain, gogoeta egin dut zenbatetanez ote nauen 
esnatu ameskeriatik zure barre-algarak. 
Zer dira berde-urdin horiek, laranja horiek, arrosa horiek? 
Altxatzeko erregutzen dizun ke-laino zurrunbilotsua? 
Beti egin nahi izan ditut galdera hauek. 
Behingoz altxatu zarenean, eskuetara bota duzu arnastutako kea 
eta nire amaz mintzatu zara.
Xąwįska, luzaroegi daramazu kanpoan eserita. 
Iluntzen ari du eta espirituek ikusi egin gaitzakete. 
Etxera joateko ordua da. 
Behinola esan zenidan: “Haritz gorriak ikustean, jarraitu urari. 
Gero, ibaia bitan banatzen dela ikusiko duzu: 
lursail eder bat aurkituko duzu han. 
Kendu daramazun gauza distiratsu oro eskuetatik, 
lepotik, gorputzetik, 
eta egizu igeri hurbilen duzun ibaiertzera”.
Xąwįska, berriro galdu duzu kordea. 
Zu suspertzen saiatu naiz, dakidan moduan. 
Baina ez duzu ez altxatzeko asmorik. Hor jarraitzen duzu, geldi. 
Gure anaien kantuak kantatzen irakatsi zenidan 
gure ahaideek nor garen jakin ahal izateko. 
“Ozen entzungo dira bai gure ahotsak! Izarrartera goratu arte!” 
Hori esan zenidan. Hori dut gogoan.
Xąwįska, berriro erori zara. Loreak erauzi dizkizut sorbaldatik, 
besotik, hankatik. 
Birrindu eta su eman diet. 
Xąwįska, hain zaude isil. 
Ondoan naukazu, zure kea ahokadaka arnasten. 
Zure gainera egin dut hats. 
Erretzen, errausten, amiltzen zaude. 
Berriro geratu naiz bakarrik. 
Behin aipatu zenidan leku hura dut gogoan, 
haritz artean ibaia bitan banatzen den lekua, 
bitartean gorritzen ari da zerua. 
Hemen egon naiz orain arte. 
Luze daramat berton. 
Orain, neu ibiliko naiz alderrai laku-ertzaren inguruan.
Salle : 103 
Commissaire : Geaninne Gutiérrez-Guimarães
 
Sky Hopinka 
Évanouissements (Fainting Spells), 2018 
Vidéo couleur à trois canaux, avec son, 9 min, 45 s 
A.P. 1/2, édition de 3 
Solomon R. Guggenheim Museum, New York, acheté grâce aux fonds contribués par le Photography Council, 2021 
© Sky Hopinka

Biographie de Sky Hopinka

Sky Hopinka : Évanouissements

Sky Hopinka explore la culture, l’histoire et les croyances traditionnelles amérindiennes à travers l’identité, la mémoire, la langue et les mythes.

Sky Hopinka : Évanouissements | Musée Guggenheim Bilbao

Les Arts de la Terre

Iberdrola

Galerie 205

Galerie 206

Gallerie 207

Galerie 209

Galerie 201 et 203

Galerie 202

L'exposition Les Arts de la Terre propose une réinterprétation des transformations qu'ont connu les pratiques artistiques ces dernières décennies, avec, pour toile de fond, une crise environnementale de plus en plus évidente et inextricable. Dressant une cartographie multidisciplinaire et diversifiée, l'exposition propose un inventaire possible d'outils, de prototypes et d'hypothèses. Ces éléments ne sont pas présentés de manière « prescriptive », dictant ce qui doit être fait, pensé ou ressenti, mais plutôt de manière documentaire afin de déployer les signes du changement qui, au cours des 60 dernières années au moins, a impacté la production esthétique, aussi bien en ce qui concerne les matériaux que la conscience des matériaux. Pour témoigner de cette transformation, un certain nombre d'œuvres historiques, partiellement ou totalement reconstruites, recréées ou réactivées, ont été rassemblées. Mais aussi des pièces contemporaines qui, loin de vouloir durer éternellement, ouvrent la voie à une économie circulaire de l'art. Leur existence est ainsi subordonnée à la préservation des écosystèmes dont elles proviennent et de ceux vers lesquels elles retourneront.
Des artistes de plusieurs générations du passé récent et de cultures radicalement diverses se sont demandé comment travailler avec la terre lorsque celle-ci nécessite le plus de soins et de réparations ; comment apprécier et lui rendre ses dons ; comment apprendre de ce qu’elle nous offre, alors qu’elle semble dépouillée de sa richesse originale. Le potentiel constructif du sol et des substances qui le composent nous emmène bien au-delà des formulations classiques de la sculpture, de l’architecture, du design ou de l’aménagement paysager. Le sol, au sens concret, proche et dynamique du terme, est le théâtre d'incessants échanges et communications, d'une solidarité essentielle entre les espèces, constamment transcendées pour le bien de l’ensemble. Outre les œuvres d'art, les projets, les documents et les objets du savoir ancestral réunis, Les Arts de la Terre fait appel à une muséographie qui utilise de nouveaux matériaux locaux, compostables ou recyclés, et une approche innovante de la logistique des expositions, qui réaffirme et développe l'engagement du Musée Guggenheim Bilbao en faveur du développement durable.
Salles : 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Commissaire : Manuel Cirauqui
 
Giuseppe Penone 
Ongle et feuilles de laurier (Unghia e foglie di alloro), 1989 
Verre et feuilles de laurier 
Courtoisie de l'artiste et de la Marian Goodman Gallery 
Photo : Alex Yudzon

Le substrat de l'art

Emblèmes de la diversité

Pratiques ancestrales

Des œuvres qui retournent à l'écosystème

Réparer l'écosystème

Œuvres vivantes et renouvelables

L'exposition Les Arts de la Terre propose une réinterprétation des transformations qu'ont connu les pratiques artistiques ces dernières décennies, avec,

Les Arts de la Terre | Musée Guggenheim Bilbao

12€ Adulte - 6€ Retraité - 6€ Étudiants

L&#8217;initiative TopARTE du Musée Guggenheim Bilbao confirme son engagement auprès  des organisations et des institutions culturelles de notre environnement immédiat. Le résultat de cette collaboration fructueuse est un programme varié, multidisciplinaire, riche en contenu et en formats qui s’adresse à tous les publics.
Dans le cadre de ce projet, plusieurs activités sont ainsi présentées au Musée couvrant des disciplines aussi diverses que l&#8217;architecture, le cinéma, la danse, le design, la gastronomie, la musique, les performances et le théâtre.

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Du mardi au dimanche, de 10h00 à 19h00 <a href="/fr/horaires-et-tarifs">[+info]</a>

Expositions

in situ: Mark Leckey. Et la ville se dressait dans toute sa splendeur

14.11.2025 - 12.04.2026

Œuvres de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao

07.11.2025 - 31.10.2026

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomie de l'espace

16.10.2025 - 20.02.2026

Sky Hopinka : Évanouissements

18.09.2025 - 20.02.2026

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