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Expositions

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Expositions | Musée Guggenheim Bilbao

Les Arts de la Terre

Conférence inaugurale

Guide-audio

Plan des audioguides

Iberdrola

Galerie 205

Galerie 206

Gallerie 207

Galerie 209

Galerie 201 et 203

Galerie 202

L'exposition Les Arts de la Terre propose une réinterprétation des transformations qu'ont connu les pratiques artistiques ces dernières décennies, avec, pour toile de fond, une crise environnementale de plus en plus évidente et inextricable. Dressant une cartographie multidisciplinaire et diversifiée, l'exposition propose un inventaire possible d'outils, de prototypes et d'hypothèses. Ces éléments ne sont pas présentés de manière « prescriptive », dictant ce qui doit être fait, pensé ou ressenti, mais plutôt de manière documentaire afin de déployer les signes du changement qui, au cours des 60 dernières années au moins, a impacté la production esthétique, aussi bien en ce qui concerne les matériaux que la conscience des matériaux. Pour témoigner de cette transformation, un certain nombre d'œuvres historiques, partiellement ou totalement reconstruites, recréées ou réactivées, ont été rassemblées. Mais aussi des pièces contemporaines qui, loin de vouloir durer éternellement, ouvrent la voie à une économie circulaire de l'art. Leur existence est ainsi subordonnée à la préservation des écosystèmes dont elles proviennent et de ceux vers lesquels elles retourneront.
Des artistes de plusieurs générations du passé récent et de cultures radicalement diverses se sont demandé comment travailler avec la terre lorsque celle-ci nécessite le plus de soins et de réparations ; comment apprécier et lui rendre ses dons ; comment apprendre de ce qu’elle nous offre, alors qu’elle semble dépouillée de sa richesse originale. Le potentiel constructif du sol et des substances qui le composent nous emmène bien au-delà des formulations classiques de la sculpture, de l’architecture, du design ou de l’aménagement paysager. Le sol, au sens concret, proche et dynamique du terme, est le théâtre d'incessants échanges et communications, d'une solidarité essentielle entre les espèces, constamment transcendées pour le bien de l’ensemble. Outre les œuvres d'art, les projets, les documents et les objets du savoir ancestral réunis, Les Arts de la Terre fait appel à une muséographie qui utilise de nouveaux matériaux locaux, compostables ou recyclés, et une approche innovante de la logistique des expositions, qui réaffirme et développe l'engagement du Musée Guggenheim Bilbao en faveur du développement durable.
Salles : 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Commissaire : Manuel Cirauqui
 
Giuseppe Penone 
Ongle et feuilles de laurier (Unghia e foglie di alloro), 1989 
Verre et feuilles de laurier 
Courtoisie de l'artiste et de la Marian Goodman Gallery 
Photo : Alex Yudzon

Le substrat de l'art

Emblèmes de la diversité

Pratiques ancestrales

Des œuvres qui retournent à l'écosystème

Réparer l'écosystème

Œuvres vivantes et renouvelables

Vidéo de l'exposition

Au musée

Nous vous invitons à participer à une visite virtuelle de l’exposition. Cette promenade comprend toutes les œuvres et les textes d’explication présentés au sein de l’accrochage.

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L'exposition Les Arts de la Terre propose une réinterprétation des transformations qu'ont connu les pratiques artistiques ces dernières décennies, avec,

Les Arts de la Terre | Musée Guggenheim Bilbao

Mark Leckey

Mark Leckey. Et la ville se dressait dans toute sa splendeur constitue la deuxième exposition du programme du Musée Guggenheim Bilbao in situ, qui invite des artistes à créer des œuvres spécifiquement pour la salle 208, en interaction avec l’architecture de l’espace. Proposant une intersection entre culture populaire, technologie et mémoire collective, Mark Leckey (Birkenhead, Royaume-Uni, 1964) recontextualise les images historiques pour créer un dialogue entre le passé et le présent. Son travail, une invitation à réfléchir sur la nostalgie et la classe sociale, explore comment les médias et la technologie façonnent notre sentiment d’identité et d’appartenance.
Leckey, qui a grandi près de Liverpool à la fin des années 1970 et pendant les années 1980, a été témoin du déclin des cités industrielles anglaises et de la fragmentation sociale qu’il a entraînée. Les usines ont fermé, les communautés se sont divisées et la culture de masse que la télévision et la publicité contribuaient à diffuser est devenue un nouveau type de paysage. C’est dans ce climat agité et médiatisé qu’est née la fascination de l’artiste pour la manière dont les images, les sons et les technologies construisent un imaginaire et un sentiment d’appartenance partagés.
Pour cette exposition, Leckey s’est inspiré du tableau de Sassetta Une ville au bord de la mer (1424), l’un des premiers paysages de l’art occidental dans lequel un paysage urbain devient le sujet principal. L’oeuvre montre, dans un espace géométriquement complexe mais aplati, une cité médiévale fortifiée, juchée sur une colline. Selon Leckey, « la ville transcende les lois de la physique ; c’est une ville du passé et de l’avenir. » Son interprétation part de l’image bidimensionnelle pour arriver à la forme sculpturale, habitant le seuil entre la réalité matérielle et le royaume de l’immatériel, du réel et de l’imaginaire.
Dans cette installation, la sculpture fait partie d’un récit imaginaire dont le rythme temporel est défini par une boucle de six minutes de son et de lumière composée par l'artiste lui-même. Construit à partir de morceaux superposés d'enregistrements audio récupérés, de musique et parfois de voix, l’environnement sonore se déploie comme un courant, interrompu par des éclats soudains de voix ou de mélodie. Sa progression se manifeste à travers un cycle de lumière en mutation, de l'aube au crépuscule. À mi-parcours, un effet stroboscopique intense coïncide avec le point culminant de la bande son, inondant momentanément la pièce d'une lueur presque éblouissante. Projetée directement sur la sculpture, la lumière anime sa surface, transformant un objet solide en une apparition intermittente. Ensemble, ces éléments immatériels — le son et la lumière — articulent l'arc narratif et l'atmosphère de l'œuvre, enveloppant le public dans un espace temporel chargé qui oscille entre révélation et effacement.
L’installation invite à réfléchir sur la manière dont l’espace physique, le son et la lumière convergent avec des forces intangibles — systèmes numériques ou expériences transcendantes — pour évoquer une sensation de transformation et instabilité. En combinant des éléments matériels et immatériels, Leckey crée un lieu où le visible et l’invisible entrent en collision dans une rencontre à la fois immédiate, étrange et transcendante.
Salles : 204, 208 
Commissaire : Lekha Hileman
Mark Leckey 
Vue de l'installation Et la ville se dressait dans toute sa splendeur (And the City Stood in its Brightness, 2025) au Musée Guggenheim Bilbao

in situ : Mark Leckey, le processus de création

Engagement envers la musique

in situ: Mark Leckey. Et la ville se dressait dans toute sa splendeur

Mark Leckey. Et la ville se dressait dans toute sa splendeur constitue la deuxième exposition du programme du Musée Guggenheim Bilbao in situ, qui invite

in situ: Mark Leckey. Et la ville se dressait dans toute sa splendeur | Musée Guggenheim Bilbao

Œuvres de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao

Galerie 305. Abstraction et espace

Galerie 306. Geste et action

Galerie 307. Art et langage

Galerie 304. El Anatsui

Galerie 301. Yayoi Kusama

Galerie 302. Art et conflit

Galerie 303. Échos du pop art

Avec cette exposition, le Musée Guggenheim Bilbao présente ses nouveaux fonds, obtenus grâce à ses récentes acquisitions, aux dons de la D. Daskalopoulos Collection et de la Fondation Al Held, ainsi qu’au dépôt à long terme d’une cinquantaine de pièces de la Collection Inge Rodenstock. Désormais, les mouvements artistiques et certaines figures clés de la seconde moitié du xxe siècle tels que Jean-Michel Basquiat, Yves Klein, Jeff Koons, Antoni Tàpies, Cy Twombly et Andy Warhol sont mieux représentés dans le Musée. En outre, la Collection enrichit son récit en intégrant divers styles et artistes, tels que Hanne Darboven, Al Held, Damien Hirst, Martin Kippenberger ou Robert Ryman, entre autres. Cet ensemble d’oeuvres représente une contribution exceptionnelle à l’institution et met en avant des connexions singulières entre différents artistes, courants et périodes.
À l’exception des salles 301 et 304, dédiées à un seul artiste — Yayoi Kusama et El Anatsui, respectivement — tous les espaces sont conçus comme des mises en scène collectives indépendantes qui favorisent une multiplicité de lectures et des échanges inédits entre les oeuvres. Cette approche renforce l’ambition du Musée qui veut créer un récit dynamique et diversifié, à l’image de l’art contemporain, de sa richesse et de sa complexité, que contribuera à la recherche et à la diffusion de l’histoire de l’art des années 1950 à nos jours.
La conception de l’exposition est en harmonie avec le projet original du bâtiment, signé Frank Gehry, dans lequel l’architecture remplit une fonction dynamique cruciale dans l’expérience artistique.
Commissaire : Marta Blàvia
Andy Warhol 
Cent cinquante Marilyns multicolores (One Hundred and Fifty Multicolored Marilyns), 1979 
Acrylique et encre de sérigraphie sur toile 
201 x 1,055 x 6 cm 
Guggenheim Bilbao Museoa

Collections en dialogue

Collection privée

Collection Guggenheim Bilbao

Collectionnisme d’entreprise

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Avec cette exposition, le Musée Guggenheim Bilbao présente ses nouveaux fonds, obtenus grâce à ses récentes acquisitions, aux dons de la D. Daskalopoulos

Œuvres de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao | Musée Guggenheim Bilbao

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomie de l'espace

Maria Helena et Arpad

Anatomie de l’espace

Échec et mat : danseurs, joueurs d’échecs et joueurs de cartes

La Seconde Guerre Mondiale depuis Rio de Janeiro

Le retour à Paris

Villes Réelles et imaginées

Extérieurs et intérieurs

Nuances de blanc

Maria Helena Vieira da Silva est née le 13 juin 1908 au sein d’une famille aisée. Lorsque son père décède, alors qu’elle n’avait que 2 ans, sa mère l’élève avec l’aide de sa famille. Vieira da Silva grandit dans un environnement qui l’a encouragée à cultiver une passion pour l’art, le théâtre et la musique qui la marquera fortement. Après avoir étudié la peinture et le dessin à l’Académie des beaux-arts de Lisbonne, en 1928, elle s’installe à Paris pour poursuivre sa formation à l’Académie de la Grande-Chaumière, où elle rencontrera son futur mari, le peintre hongrois Arpad Szenes. Ils vivent tous deux à Paris jusqu’au déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, qui les conduit à se réfugier à Rio de Janeiro, jusqu’à leur retour à Paris, sept ans plus tard. Dès la fin des années 1950, Vieira da Silva devient une artiste célèbre et reconnue par ses abstractions complexes. L’artiste continuera à peindre jusque dans les années 1980. Lauréate de nombreux prix, elle a notamment été nommée Commandeure de l’ordre des Arts et des Lettres par le gouvernement français en 1960. L’artiste décède à Paris le 6 mars 1992.
Cette exposition se penche sur le travail de l’artiste des années 1930 aux années 1980, en explorant son rapport avec les paysages architecturaux urbains ainsi que l’importance de la mémoire dans son oeuvre. L’exposition s’appuie sur une sélection de peintures clés qui révèlent le déploiement constant et itératif de formes abstraites et d’illusions d’optique au cours de sa carrière. Un autre aspect clé abordé ici est la relation entre l’abstraction et la figuration dans son oeuvre, telle qu’elle se manifeste dans ses espaces architecturaux, où la distinction entre le paysage urbain réel et imaginé reste floue. L’oeuvre de l’artiste mêle différents styles et influences, tels que la géométrie décorative des carreaux hispano-arabes, les nappes à carreaux des tableaux de Pierre Bonnard ou l’abstraction du Cubisme et du Futurisme. Son vocabulaire personnel est composé d’échiquiers, de lignes qui s’entrecroisent, de perspectives insaisissables et d’espaces qui s’éloignent, suggérant qu’ « un tableau n’est jamais terminé », comme elle l’a elle-même déclaré.
L’oeuvre de Vieira da Silva est historiquement liée à l’héritage artistique de Peggy Guggenheim et de Solomon R. Guggenheim. Elle figurait parmi les 31 artistes choisies par Peggy Guggenheim pour son exposition de 1943, 31 Women, à son musée-galerie Art of This Century ; et Hilla Rebay fut l’une des premières à soutenir le travail de Vieira da Silva, ayant acheté en 1937 l’oeuvre Composition (1936) pour la Collection Fondatrice Solomon R. Guggenheim.
Vieira da Silva parlait rarement de son travail. Elle disait souvent : « Nous, les peintres, pouvons paraître stupides quand nous parlons. Nous savons beaucoup de choses, mais nous parlons à travers nos peintures ». À une occasion, cependant, elle a été contrainte d’expliquer sa méthode ; elle a alors réalisé une synthèse mordante : « En général, je n’aime pas les oeuvres qui font étalage de leur difficulté. Je préfère ces autres oeuvres raffinées qui nous permettent de sentir, de deviner de loin, la complexité des choses du monde ».
Salle : 105 
Commissaire : Flavia Frigeri 
Sièges : Peggy Guggenheim Collection, Venise ; Musée Guggenheim Bilbao
 
Maria Helena Vieira da Silva (1908 – 1992) 
Figure de ballet, 1948 
Huile et graphite sur toile, 27 × 46 cm 
Courtoisie de la Galerie Jeanne Bucher Jaeger, Paris - Lisbonne 
N° d’inventaire : CR587

Maria Helena Vieira da Silva

L’atelier de l’artiste

Nous vous invitons à participer à une visite virtuelle de l’exposition Maria Helena Vieira da Silva. Cette promenade comprend toutes les œuvres et les textes d’explication présentés au sein de l’accrochage.

Maria Helena Vieira da Silva est née le 13 juin 1908 au sein d’une famille aisée. Lorsque son père décède, alors qu’elle n’avait que 2 ans, sa mère

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomie de l&#039;espace | Musée Guggenheim Bilbao

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomie de l'espace | Musée Guggenheim Bilbao

Sky Hopinka

Sky Hopinka explore la culture, l’histoire et les croyances traditionnelles amérindiennes à travers l’identité, la mémoire, la langue et les mythes. Membre de la nation Ho-Chunk du Wisconsin et descendant du groupe Pechanga du peuple Luiseño du sud de la Californie, Hopinka est né et a grandi à Ferndale, Washington, dans les États-Unis. Le nord-ouest du Pacifique joue un rôle clé dans ses oeuvres, en particulier lorsqu’il aborde des concepts tels que la patrie, l’identité personnelle et le paysage. Ses films, qui invitent à réfléchir sur les complexités de la vie actuelle des amérindiens, mêlent le cinéma non narratif, la poésie et l’imagerie abstraite avec une approche ethnopoétique, une réaction face au regard ethnographique qui a longtemps chosifié les cultures amérindiennes au format audiovisuel.
Le cinéma ethnopoétique évoque les thèmes de l’identité culturelle, le déplacement et la vie quotidienne à travers une combinaison de techniques de cinéma documentaire et expérimental, mettant ainsi en évidence les aspects artistiques et performatifs de l’expression culturelle. À travers son oeuvre, Hopinka témoigne d’un engagement profond, de sa volonté de raconter des histoires du point de vue amérindien, un récit longtemps délaissé par la tradition occidentale. L’artiste l’explique ainsi : « Le désir que j’avais de faire des films était en partie dû à la nécessité de raconter des histoires amérindiennes, propres à ma communauté et à mon identité ».
Dans Évanouissements (2018), Hopinka explore l’histoire de la création de la Xąwįska, ou Pipe indienne, également connue sous le nom de « fleur fantôme » ou « plante cadavre ». Traditionnellement employée par le peuple Ho-Chunk pour ranimer une personne après un évanouissement, cette plante médicinale est également emblématique de l’identité, du savoir et de la culture amérindiens. En outre, son symbolisme peut être lié aux cycles de la vie et de la mort, ainsi qu’au monde spirituel. Lorsque Hopinka, malgré de longues recherches, n’a pas réussi à trouver un mythe sur l’origine de cette plante, il en a inventé un lui-même, contribuant ainsi à la pratique de la création et de la préservation de mythes de sa propre culture indigène.
Le court métrage à trois canaux commence par un poème manuscrit qui traverse des scènes d’un paysage coloré qui s’étale avec, en toile de fond, une musique fort évocatrice. Le texte du poème, qui est également affiché sur un des murs dans cet espace, s’adresse directement à la Xąwįska, personnifiée sous la forme d’une figure enveloppée dans un manteau, qui nous emmène dans un voyage à travers le monde des esprits dans différents états de conscience. Dans cette oeuvre, créée à Washington, Colorado, Wisconsin, Oregon et Nouveau-Mexique, Hopinka crée un récit onirique dans lequel la musique, la poésie, les sons, les couleurs et les images se superposent dans une expérience immersive unique, spécialement conçue dans cette nouvelle édition pour le Musée Guggenheim Bilbao.
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Poème Évanouissements (2018)
Xąwįska, Mamu Landare, berriro galdu duzu kordea. 
Lore bat erauzi dizut sorbaldatik 
eta hatz artean kiribildu dut 
birrin griskara bihurtu den arte. 
Su eman diot, eta zure aurpegirantz egin diot putz keari. 
Zu noiz esnatuko zain, gogoeta egin dut zenbatetanez ote nauen 
esnatu ameskeriatik zure barre-algarak. 
Zer dira berde-urdin horiek, laranja horiek, arrosa horiek? 
Altxatzeko erregutzen dizun ke-laino zurrunbilotsua? 
Beti egin nahi izan ditut galdera hauek. 
Behingoz altxatu zarenean, eskuetara bota duzu arnastutako kea 
eta nire amaz mintzatu zara.
Xąwįska, luzaroegi daramazu kanpoan eserita. 
Iluntzen ari du eta espirituek ikusi egin gaitzakete. 
Etxera joateko ordua da. 
Behinola esan zenidan: “Haritz gorriak ikustean, jarraitu urari. 
Gero, ibaia bitan banatzen dela ikusiko duzu: 
lursail eder bat aurkituko duzu han. 
Kendu daramazun gauza distiratsu oro eskuetatik, 
lepotik, gorputzetik, 
eta egizu igeri hurbilen duzun ibaiertzera”.
Xąwįska, berriro galdu duzu kordea. 
Zu suspertzen saiatu naiz, dakidan moduan. 
Baina ez duzu ez altxatzeko asmorik. Hor jarraitzen duzu, geldi. 
Gure anaien kantuak kantatzen irakatsi zenidan 
gure ahaideek nor garen jakin ahal izateko. 
“Ozen entzungo dira bai gure ahotsak! Izarrartera goratu arte!” 
Hori esan zenidan. Hori dut gogoan.
Xąwįska, berriro erori zara. Loreak erauzi dizkizut sorbaldatik, 
besotik, hankatik. 
Birrindu eta su eman diet. 
Xąwįska, hain zaude isil. 
Ondoan naukazu, zure kea ahokadaka arnasten. 
Zure gainera egin dut hats. 
Erretzen, errausten, amiltzen zaude. 
Berriro geratu naiz bakarrik. 
Behin aipatu zenidan leku hura dut gogoan, 
haritz artean ibaia bitan banatzen den lekua, 
bitartean gorritzen ari da zerua. 
Hemen egon naiz orain arte. 
Luze daramat berton. 
Orain, neu ibiliko naiz alderrai laku-ertzaren inguruan.
Salle : 103 
Commissaire : Geaninne Gutiérrez-Guimarães
 
Sky Hopinka 
Évanouissements (Fainting Spells), 2018 
Vidéo couleur à trois canaux, avec son, 9 min, 45 s 
A.P. 1/2, édition de 3 
Solomon R. Guggenheim Museum, New York, acheté grâce aux fonds contribués par le Photography Council, 2021 
© Sky Hopinka

Biographie de Sky Hopinka

Sky Hopinka : Évanouissements

Sky Hopinka explore la culture, l’histoire et les croyances traditionnelles amérindiennes à travers l’identité, la mémoire, la langue et les mythes.

Sky Hopinka : Évanouissements | Musée Guggenheim Bilbao

Ruth Asawa (Norwalk, Californie, 1926-San Francisco, Californie, 2013) était l'une des artistes les plus douées et prolifiques à avoir émergé aux États-Unis après la Seconde Guerre mondiale. Élevée dans une ferme du sud de la Californie, l'adolescente et sa famille furent emprisonnées en 1942 dans des camps de détention pour Américains d'origine japonaise. En 1946, Asawa put intégrer l'école expérimentale Black Mountain College à proximité d'Asheville (Caroline du Nord). L'atmosphère créative ainsi que les encouragements de ses professeurs, notamment Josef Albers, l'incitèrent à explorer le potentiel des matériaux ordinaires, comme les tampons, les feuilles d’arbres, le papier et, plus tard, le fil de fer.
Parmi ses premières inventions, on découvre des sculptures suspendues réalisées à base de fils métalliques bouclés, aux formes organiques, sensuelles et transparentes, où elle explore la répétition, la forme, l'ombre et l'espace. En 1949, elle s'installa à San Francisco et approfondit sa production d’œuvres tridimensionnelles en créant des structures complexes en fil de fer noué évoquant des formes organiques comme des fleurs, des racines, des arbres, ou encore des systèmes nerveux. Elle construisit également des œuvres en bronze galvanisé et coulé, des peintures, des gravures et des dessins. À la fin des années 1960, Ruth Asawa était célèbre dans la baie de San Francisco pour ses commandes d'art public, son engagement en faveur de l’éducation artistique et son rôle majeur dans la défense des droits civiques. Même si l’intérêt pour l’œuvre d’Asawa n’a cessé de croitre ces dernières décennies, cette rétrospective est la première grande exposition muséale à englober toutes les dimensions de son travail, à la fois raffiné, varié et novateur.
Ruth Asawa : Rétrospective est une exposition organisée à l’initiative du Museum of Modern Art San Francisco (SFMOMA) et du Museum of Modern Art de New York (MoMA). Cet accrochage a été réalisée en collaboration avec le Musée Guggenheim Bilbao.
L’exposition a été placée sous le commissariat de Janet Bishop, curatrice en chef « Thomas Weisel Family » au SFMOMA, et Cara Manes, curatrice adjointe au département Peinture et sculpture du MoMA, assistées de Geaninne Gutiérrez-Guimarães, curatrice au Musée Guggenheim Bilbao.
Itinérance internationale avec la collaboration de The Henry Luce Foundation
Salles : 103, 105 
Commissaires : Janet Bishop, Cara Manes avec Geaninne Gutiérrez-Guimaraes 
Sièges : San Francisco Museum of Modern Art, San o Francisco ; Museum of Modern Art, New-York ; Musée Guggenheim Bilbao ; Fondation Beyeler, Riehen/Bâle.
Ruth Asawa 
Ruth Asawa réalisant des sculptures en fil métallique, Californie, États-Unis, novembre 1954 
Œuvre : © 2026 Ruth Asawa Lanier, Inc. Courtoisie de David Zwirner 
Image : Nat Farbman/The LIFE Picture Collection/Shutterstock 
© Ruth Asawa, Bilbao 2026

Ruth Asawa : Rétrospective

Ruth Asawa (Norwalk, Californie, 1926-San Francisco, Californie, 2013) était l'une des artistes les plus douées et prolifiques à avoir émergé aux

Ruth Asawa : Rétrospective | Musée Guggenheim Bilbao

Igshaan Adams (Le Cap, 1982) est un artiste pluridisciplinaire dont le travail entremêle la dimension personnelle et l’engagement politique à travers les matériaux, le geste et la forme. Nourri par les souvenirs de son enfance à Bonteheuwel — une communauté profondément marquée par les divisions de l’apartheid — Adams transforme des matériaux modestes, tels que la corde, les perles ou le fil métallique, en compositions élaborées qui interrogent les liens entre la race, la religion, la sexualité et la mémoire. Il s’inspire notamment des sols en linoléum imprimé des intérieurs domestiques, transformant ces motifs familiers en abstractions qui reflètent à la fois l’intimité et le déracinement.
Adams a récemment élargi le champ de ses recherches pour y intégrer la dimension du mouvement. Sa collaboration avec le Garage Dance Ensemble à O’okiep, dans la province sud-africaine du Cap-Nord — d’où est originaire sa famille maternelle — a favorisé un échange inédit entre le textile et la danse. À travers des ateliers menés avec les danseurs, Adams a conçu un processus dans lequel les corps se déplacent sur des toiles posées sur des linoléums peints, créant des « empreintes de danse » qui matérialisent des gestes collectifs de libération et de connexion. Au fil des performances successives, ces empreintes superposées fonctionnent comme des partitions visuelles de la rencontre : autant de traces témoignant des efforts, pour selon l’artiste « libérer les empreintes psychiques accumulées et sédimentées ».
Les œuvres présentées au Musée Guggenheim Bilbao proviennent des performances réalisées à Athènes en 2024, dont les monotypes ont été transformés en une série de tapisseries tissées à grande échelle, suspendues dans l’espace afin de permettre au visiteur de circuler autour et parmi elles. Certaines sont accrochées à des crochets qui repoussent le tissu vers l’extérieur, révélant les deux faces de la tapisserie, d’autres sont accompagnées de petits « nuages » tissés, comme si des fragments de couleur et de mouvement s’étaient détachés de la composition.
À la fois ludique et solennelle, l'installation d'Adams donne forme à des forces invisibles — la mémoire, le rythme, l'empathie — et propose l'acte de tisser comme une pratique corporelle et communautaire de guérison.
Salles : 204, 208 
Commissaire : Lekha Hileman
Igshaan Adams 
Entre les lignes de quadrillage (Within grid lines), 2025 
Fil de coton, corde en polypropylène et polyester tressé, perles en métal, en pierre, en verre, en bois et en plastique, tissus en coton et soie, laine d’angora, dentelle de coton, ruban de soie, chaîne en argent et fil métallique gainé 
495 × 587 cm 
Courtoisie de l’artiste, Thomas Dane Gallery et blank projects 
© Igshaan Adams

in situ: Igshaan Adams. Soulevant la poussière : l’archive du corps

Igshaan Adams (Le Cap, 1982) est un artiste pluridisciplinaire dont le travail entremêle la dimension personnelle et l’engagement politique à travers les

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Fundación BBVA

Jasper Johns : Night Driver propose un parcours complet à travers l’œuvre de cet artiste américain, une des figures majeures de l’art d’après-guerre. Réunissant près d’une centaine d’œuvres issues de collections publiques et privées internationales, l’exposition s’ouvre sur ses peintures emblématiques des années 1950 —présentant des drapeaux, des chiffres ou des plans — qui marquèrent une véritable rupture avec l’expressionnisme abstrait. Dans les années 1960, Johns fait évoluer son langage plastique : après l’apparente neutralité de ses débuts, il crée des œuvres où affleure une émotion retenue mais puissante, empreinte de mélancolie et de tension intérieure. À la fin de cette décennie, il est déjà reconnu comme l’une des figures clés dans l’émergence du Pop Art, du Minimalisme et de l’Art Conceptuel, trois mouvements de nature analytique et autoréflexive, tout comme l'œuvre de Johns.
Le parcours se poursuit avec des œuvres des années 1970 et 1980 : des compositions abstraites structurées par des hachures entrecroisées, nourries de références et citations visuelles à d’autres artistes d’époques différentes ; sa suite sur les quatre saisons ; ainsi qu’un ensemble de créations représentant le visage d’une femme dont les yeux, le nez et la bouche semblent dériver vers les bords d’un champ rectangulaire. L’exposition s’achève par une sélection d’œuvres réalisées dans les années 1990 et 2000, où Johns revisite certains de ses thèmes les plus connus tout en explorant de nouvelles idées, notamment dans la série Catenary.
Jasper Johns : Night Driver propose ainsi un parcours à travers sept décennies d’une carrière longue et féconde. Cette exposition permet de mettre en lumière cet artiste qui non seulement a profondément renouvelé la vie artistique nord-américaine des années 1950, 1960 et 1970, mais qui a aussi exercé une influence décisive sur ses contemporains comme sur les nouvelles générations d’artistes, issus d’horizons esthétiques très variés.
Salles : 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Commissaire : Enrique Juncosa
Jasper Johns 
De 0 à 9 (0 through 9), 1961 
Huile sur toile 
1372 × 1048 mm 
Tate. Cadeau des Amis de la Tate Gallery 1961 
T00454 
© Jasper Johns, VEGAP, Bilbao, 2025

Jasper Johns: Night Driver

Jasper Johns : Night Driver propose un parcours complet à travers l’œuvre de cet artiste américain, une des figures majeures de l’art d’après-guerre.

Jasper Johns: Night Driver | Musée Guggenheim Bilbao

Pipilotti Rist (Grabs, Suisse, 1962), est l’une des artistes vidéo les plus reconnues des trois dernières décennies, qui s’est fait remarquer dans les années 1980 en intégrant l’esthétique du clip vidéo à l’art audiovisuel, en s’inspirant d’autres influences, notamment la culture populaire, la technologie et l’art vidéo-féministe historique. Très tôt, elle développe un style personnel, intense sur le plan sensoriel et émotionnel.
L’exposition présentera l’installation vidéo Ever is Over All (1997), une double projection montrant une femme souriante, vêtue d’une robe bleu clair, qui brise les vitres des voitures en stationnement alors qu’elle se promène sur le trottoir. Cette séquence se superpose, jusqu’à se fondre, avec d’autres images oniriques où apparaissent différentes fleurs tropicales. La vidéo, accompagnée d’une bande sonore envoûtante composée par l’artiste Anders Guggisberg au ralenti, crée une atmosphère poétique qui plonge le spectateur dans une sorte de réalisme magique, où une fleur se transforme en arme destructrice, dans un geste à la fois cathartique et porteur d’espoir.
Salle: 103 
Commissaire : Mikel Onandia
Pipilotti Rist 
Ever Is Over All, 1997 
Installation audio et vidéo (capture vidéo) 
Courtoisie de l’artiste, Hauser &amp; Wirth et Luhring Augustine 
© Pipilotti Rist, VEGAP, Bilbao 2025

Ever is Over All. Pipilotti Rist

Pipilotti Rist (Grabs, Suisse, 1962), est l’une des artistes vidéo les plus reconnues des trois dernières décennies, qui s’est fait remarquer dans les

Ever is Over All. Pipilotti Rist | Musée Guggenheim Bilbao

Occident

L'artiste, cinéaste et scénariste Steve McQueen (né en 1969), résidant à Londres et Amsterdam, explore des thématiques personnelles et collectives au moyen d'images animées. Réputé pour sa capacité à transformer des émotions complexes en récits minimalistes et précis, McQueen a déclaré vouloir « amener le public à prendre conscience de lui-même et de sa respiration ». Les conditions physiques de la vision — l'échelle de projection, le son, la lumière et les relations entre le spectateur et l'espace — sont aussi importantes dans son travail que le décor, ce qui confère à sa démarche une dimension résolument sculpturale.
Salle : 105 
Commissaire : Lekha Hileman
Steve McQueen 
Bass, 2024 
Lumières LED et son 
Commande de la Laurenz Foundation, Schaulager Basel et Dia Art Foundation 
15 juin – 16 novembre 2025, Schaulager® Münchenstein/Bâle (vue de l’installation) 
Avec l’aimable autorisation de l’artiste 
Photo : Pati Grabowicz, © Steve McQueen

Steve McQueen

L'artiste, cinéaste et scénariste Steve McQueen (né en 1969), résidant à Londres et Amsterdam, explore des thématiques personnelles et collectives au

Steve McQueen | Musée Guggenheim Bilbao

Pendant plus de trente ans, Dan Flavin (New York, 1933–1996) a développé un art radical, échappant aux contraintes du cadre, du socle et des conventions d’exposition classiques. En choisissant le néon fluorescent comme objet esthétique, il rejoint une génération d’artistes pour qui l’usage de matériaux industriels, la primauté des formes élémentaires et l’absence de hiérarchie entre les éléments sont devenus les marques distinctives du Minimalisme.
En 1963, Flavin commence à créer des œuvres à partir de simples néons fluorescents commerciaux. « La lumière électrique », disait-il, « est un instrument comme un autre ». Cette démarche constitue une rupture majeure avec les conventions et définira son mode de travail pour le reste de sa carrière. Bien que limité par les couleurs et les longueurs standard des néons fluorescents, Flavin développe rapidement un vocabulaire architectural dynamique, fait d’« angles », de « monuments », de « barrières » et de « couloirs ». Par l’usage de ce matériau industriel brut et très accessible, l’intérêt qu’il porte à l’expérience du spectateur et son goût pour les formes simples, Flavin s’est imposé rapidement comme une figure majeure du Minimalisme.
Issu des prestigieuses collections du Solomon R. Guggenheim Museum, Dan Flavin offre un aperçu des œuvres majeures qu’il a réalisées entre 1960 et 1980, en mettant l’accent sur ses premières créations.
Salles : 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Commissaire : Lauren Hinkson
Dan Flavin 
verts croisant des verts (pour Piet Mondrian, qui manquait de vert) [Greens crossing greens (to Piet Mondrian who lacked green)], 1966 
Tubes fluorescents verts 
Deux sections : section I : 122 cm de hauteur x 610 cm de largeur/ section II : 61 cm de hauteur x 670 cm de largeur 
Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Panza Collection, 1991. 91.3705 
© Stephen Flavin, VEGAP, Bilbao, 2025

Dan Flavin

Pendant plus de trente ans, Dan Flavin (New York, 1933–1996) a développé un art radical, échappant aux contraintes du cadre, du socle et des conventions

Dan Flavin | Musée Guggenheim Bilbao

Zadie Xa (Vancouver, 1983) est une artiste canado-coréenne établie à Londres dont l’art multidisciplinaire interroge l’identité, le folklore et la transmission des héritages culturels diasporiques à travers le récit, la performance et l’installation immersive. S’appuyant sur la mythologie coréenne, les rituels chamaniques, la science-fiction ainsi que sur ses propres expériences biographiques, elle construit des environnements multisensoriels où des figures hybrides et trompeuses viennent déstabiliser les récits historiques dominants. Ses expositions monographiques les plus récentes — notamment à la Whitechapel Gallery de Londres, à Space K à Séoul et chez Thaddaeus Ropac à Paris — mettent en lumière son intérêt pour les formes de communication intraespèces, les symboles de protection et de transformation, ainsi que pour la dimension spirituelle du territoire et des lieux. À travers la peinture, le textile, la sculpture, le son et la performance, Zadie Xa allie la création de mondes imaginaires à une réflexion politique et métaphysique.
L’œuvre de Zadie Xa a été présentée dans des centres d’art de renom, notamment le Moma PS1, le Palais de Tokyo, la Haus der Kunst ou encore la Biennale de Venise, où elle a participé au programme de performances en 2019. Certaines collaborations marquantes avec l’artiste Benito Mayor Vallejo ont élargi sa recherche autour du déguisement, de la mascarade et de l’archétype du charlatan. En 2025, elle a été finaliste du Prix Turner, l’une des distinctions les plus prestigieuses d’art contemporain au Royaume-Uni, pour son installation collaborative Moonlit Confessions Across Deep Sea Echoes: Your Ancestors Are Whales, and Earth Remembers Everything, présentée à la 16ᵉ Biennale de Sharjah. À travers des formes sensibles et multicouches, Zadie Xa a construit un espace où convergent savoir ancestral, fiction spéculative et récupération culturelle.
Salles : 204, 208 
Commissaire : Lekha Hileman
Zadie Xa 
Scorpion 2021, 29 octobre, 2021 
Zadie Xa et Benito Mayor Vallejo 
Commissaire : Priyesh Mistry 
The National Gallery, Londres, Royaume-Uni 
Avec le soutien du Conseil des Arts du Canada 
Image : Andrew Bruce

in situ: Zadie Xa

Zadie Xa (Vancouver, 1983) est une artiste canado-coréenne établie à Londres dont l’art multidisciplinaire interroge l’identité, le folklore et la

in situ: Zadie Xa | Musée Guggenheim Bilbao

15€ Adulte - 7.5€ Retraité - 7.5€ Étudiants

L&#8217;initiative TopARTE du Musée Guggenheim Bilbao confirme son engagement auprès  des organisations et des institutions culturelles de notre environnement immédiat. Le résultat de cette collaboration fructueuse est un programme varié, multidisciplinaire, riche en contenu et en formats qui s’adresse à tous les publics.
Dans le cadre de ce projet, plusieurs activités sont ainsi présentées au Musée couvrant des disciplines aussi diverses que l&#8217;architecture, le cinéma, la danse, le design, la gastronomie, la musique, les performances et le théâtre.

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