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Expositions | Musée Guggenheim Bilbao

Oskar Kokoschka. Un rebelle de Vienne 

Audioguide

Oskar Kokoschka. Un rebelle de Vienne

Introduction à l'exposition

Fundación BBVA

Peintre, poète, écrivain, essayiste et dramaturge, Oskar Kokoschka (1886–1980) débute à Vienne, au début du XX e siècle, à l’instar de Gustav Klimt (1862–1918) et d’Egon Schiele (1890–1918). Ses premières productions scandalisent le public et la critique qui le qualifient aussitôt de « sauvageon en chef » (Oberwildling). Sa riche trajectoire personnelle et artistique, qui s’étale sur la majeure partie du XX e siècle, est étroitement liée aux événements historiques de l’époque.
L’indépendance qu’il a voulu préserver tout au long de sa vie a fait de lui un artiste inclassable. Ainsi, le seul adjectif que Kokoschka acceptait pour lui-même était celui d’expressionniste : « Je suis expressionniste parce que je ne sais rien faire d’autre qu’exprimer la vie. » Chacune de ses œuvres témoigne de son engagement envers son art et fait du peintre un témoin essentiel de son temps et des transformations qui s’y sont opérées.
En raison du radicalisme de ses débuts, il devient la bête noire du régime nazi qui le qualifie d’« artiste dégénéré ». Ouvertement engagé contre le fascisme à travers ses œuvres, il a une grande influence dans la réconciliation européenne après la Seconde Guerre mondiale et participe activement à la reconstruction culturelle d’un continent dévasté
Salles : 205, 206, 207 et 209 
Commissaires : Dieter Buchhart et Anna Karina Hofbauer en collaboration avec Fabrice Hergott et Fanny Schulmann 
Exposition organisée par le Musée Guggenheim Bilbao et le Musée d’Art Moderne de Paris, Paris Musées
Oskar Kokoschka 
Le Peintre II (Le Peintre et son modèle II) [Der Maler II (Maler und Modell II)], 1923 
Huile sur toile, sur bois 
85,5 × 130,5 cm 
Saint Louis Art Museum, Saint-Louis, legs de Morton D. May, 1983 
© Fondation Oskar Kokoschka, 2023, VEGAP, Bilbao

Oskar Kokoschka. Un artiste polyvalent

Kokoschka, Observateur

Kokoschka, Rebelle

Kokoschka, Peintre

Kokoschka, Artiste Dégénéré

Kokoschka, Professeur

Kokoschka, Humaniste

Kokoschka, Socialement engage

Peintre, poète, écrivain, essayiste et dramaturge, Oskar Kokoschka (1886–1980) débute à Vienne, au début du XX e siècle, à l’instar de Gustav Klimt

Oskar Kokoschka. Un rebelle de Vienne | Musée Guggenheim Bilbao

Joan Miró. La réalité absolue 

De Barcelone à Paris

Tableaux oniriques et paysages

Expressionnismes. Vers les Constellations. Peintures blanches de 1945

Joan Miró (Barcelone, 1893 – Palma de Majorque, 1983) est considéré comme l’un des plus grands artistes du XXe siècle. Son oeuvre est admirée pour ses innovations formelles radicales, développées dans le contexte des premières avant-gardes, notamment le dadaïsme et le surréalisme. Fasciné par le mysticisme, les visions et les rêves, Miró s’intéressait également aux questions spirituelles. Son oeuvre peut également faire l’objet d’une lecture politique, étant donnée sa sympathie pour le nationalisme catalan et son opposition à la dictature franquiste. Quarante ans après sa disparition, son art n’a rien perdu de sa séduction énigmatique.
La réalité absolue explore une période clé de son parcours : celle qui va de 1920 — date de son premier voyage à Paris — à 1945, marquée par un bouillonnement constant d’idées, allant du réalisme magique initial à un vocabulaire personnel de signes en constellation ou flottants, sur un fond ambigu. Dans cette évolution, la passion de Miró pour l’art préhistorique — notamment pour les peintures rupestres, les pétroglyphes et les statuettes — est particulièrement perceptible. L’artiste, en effet, préconisait de remonter aux racines de l’art pour retrouver son sens spirituel originel.
Miró transforme en permanence l’expérience vécue en art. Toutes les marques qu’il peint dans ses oeuvres évoquent quelque chose de concret et sont ancrées dans une réalité profonde qui fait partie de la réalité elle-même.
Salle : 105 
Commissaire : Enrique Juncosa
Joan Miró 
Peinture (Le Soleil), 1927 
Huile sur toile 
38,3 x 46,2 cm 
Avec l'aimable autorisation de la collection David &amp; Ezra Nahmad 
© Successió Miró, 2023

Formation

Paris - Montroig

Exil et reconnaissance

Expérimentation et œuvre tardive

Au musée

Joan Miró. La réalité absolue. Paris, 1920–1945

Joan Miró (Barcelone, 1893 – Palma de Majorque, 1983) est considéré comme l’un des plus grands artistes du XXe siècle. Son oeuvre est admirée pour ses

Joan Miró. La réalité absolue. Paris, 1920–1945 | Musée Guggenheim Bilbao

3ème étage

BBK Secciones/Intersecciones

Cette présentation de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao présente une sélection d’oeuvres fondamentales qui cristallisent des moments clé de l’histoire de l’art après la Seconde Guerre mondiale. Geste ambitieux visant à amplifier la résonance entre art et architecture, cette installation, faite de plusieurs des pièces majeures de la Collection, met en valeur l’architecture originale du bâtiment et elle est un chant aux espaces lumineux et dégagés du troisième étage du Musée.
Cette exposition s’inspire tout autant du fonds d’oeuvres singulières d’artistes individuels que des mouvements de l’histoire de l’art, bien illustrés par notre Collection. Ainsi, l’accrochage met en lumière des auteurs qui ont travaillé à l’avant-garde de leur époque et dont la contribution a été réellement déterminante dans leur domaine. Chaque salle donne l’occasion de contempler la production d’un artiste, ou de plusieurs, qui explorent des préoccupations partagées depuis différentes perspectives.
Certaines salles sur cet étage montrent des installations conçues pour un emplacement spécifique ou des pièces uniques à caractère expérientiel, comme les espaces dédiés à Sol LeWitt et El Anatsui. L’oeuvre de ce dernier, Mer montante, est une sculpture contemporaine d’une grande importance dans la carrière de l’artiste africain. C’est aussi la dernière acquisition de la Collection. D’autres salles accueillent des montages thématiques sur l’émergence de l’art abstrait après la Seconde Guerre mondiale, ainsi que sur les rapprochements effectués entre art abstrait et spiritualité. Certaines salles abordent des langages artistiques ultérieurs, déployés de 1960 à 1980, par exemple l’art pop et la présence du populaire dans la création contemporaine. Une documentation historique sur ces courants artistiques et sur les auteurs qui y ont contribué vient compléter le tout.
Salles : Troisième étage 
Commissaire : Lekha Hileman Waitoller

Si les murs pouvaient parler...

El Anatsui

Jenny Holzer

Jeff Koons

Sol Lewitt

Œuvres de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao

Cette présentation de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao présente une sélection d’oeuvres fondamentales qui cristallisent des moments clé de

Œuvres de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao | Musée Guggenheim Bilbao

Artiste et écrivaine, Lynette Yiadom-Boakye (Londres, 1977), est connue pour ses peintures de personnages atemporels capturés dans des moments quotidiens de joie, de camaraderie ou de solitude. Ses exubérantes huiles sur toile ou sur lin rugueux, à la touche fluide, représentent des personnages fictifs sur des fonds dramatiques. L’artiste ne travaille pas avec des modèles ; ses figures sont des compositions inspirées de différentes sources (scrapbooks et dessins, souvenirs et observations de la vie quotidienne). Les détails tels que les vêtements ou les chaussures (ou leur absence) ne permettent pas de situer les personnages dans un espace-temps concret. Les tableaux invitent le spectateur à s’arrêter et à observer attentivement, à plonger dans les récits visuels imaginaires tissés par l’artiste. Les titres poétiques des oeuvres invitent à la réflexion et confirment que l’interprétation dépend, dans une grande mesure, de l’imagination du spectateur.
Nul crépuscule n’est trop puissant présente une sélection de plus de 70 peintures et dessins au fusain réalisés entre 2020 et 2023 qui sont montrés au public pour la première fois. L’exposition constitue donc une occasion extraordinaire de découvrir le fondement de la démarche de l’artiste : créer des peintures évocatrices qui reflètent l›expérience humaine. Récemment, Yiadom-Boakye s’est remise aux dessins au fusain, intimes et apparemment improvisés, qui produisent une impression d‘immédiateté. Exposés à côté des peintures, ces dessins témoignent de l’extrême dextérité de l’artiste dans l’utilisation des différents techniques artistiques.
Cette exposition a été conçue comme une réponse à la relation et au dialogue qui s’instaure entre les dessins et les peintures de Lynette Yiadom-Boakye. Le visiteur peut commencer sa visite dans l’une quelconque des quatre salles qui composent l’exposition, et contempler, le long du parcours, les traits, les gestes et les réflexions qui définissent Nul crépuscule n’est trop puissant. Une playlist sélectionnée par l’artiste spécifiquement pour cette exposition est mise à la disposition du public pour fournir un contexte plus large autour des sources qui inspirent son travail.
Salles : 201, 202, 203, 204, 208 
Commissaire : Lekha Hileman Waitoller
Lynette Yiadom-Boakye 
Divine Repose, 2021 
Huile sur lin 
90 x 85 x 3,6 cm 
Courtesy the Artist, Corvi-Mora, Londres, et Jack Shainman Gallery, New York

Lynette Yiadom-Boakye. Nul crépuscule n’est trop puissant

Artiste et écrivaine, Lynette Yiadom-Boakye (Londres, 1977), est connue pour ses peintures de personnages atemporels capturés dans des moments quotidiens

Lynette Yiadom-Boakye. Nul crépuscule n’est trop puissant | Musée Guggenheim Bilbao

Iberdrola

Exposition rétrospective sur l'artiste et écrivaine japonaise Yayoi Kusama (Matsumoto, Nagano, 1929), une voix singulière que l'histoire de l'art a reconquise et placée à sa juste place parmi les icônes culturelles internationales. Au cours des sept dernières décennies, Kusama a poursuivi sans relâche sa vision avant-gardiste, affinant une esthétique personnelle unique et une philosophie de vie essentielle. Son travail nous captive à travers ses espaces sans limites et ses réflexions sur les cycles naturels de régénération.
Yayoi Kusama raconte l'histoire de la vie et de l'œuvre de cette artiste, mettant en lumière son désir profond d'interconnexion et les interrogations sur l'existence qui impulsent ses explorations créatives. Cette exposition est la plus grande rétrospective de l'artiste organisée ces dix dernières années dans l’État espagnol. Elle réunit près de 200 œuvres — peintures, dessins, sculptures, installations et matériel d'archives documentant ses happenings et ses performances — et analyse le travail de Kusama depuis les premiers dessins qu'elle a réalisés adolescente pendant la Seconde Guerre mondiale jusqu'à ses créations immersives les plus récentes. Articulée de manière chronologique et thématique, l'exposition retrace ses principaux centres d'intérêt : l'infini, l'accumulation, la connectivité radicale, la nature cosmique, la mort et l'énergie vitale. Une approche approfondie de l'univers obsessionnel de Yayoi Kusama, une créatrice qui, depuis des décennies, cherche à ébranler notre univers à travers ses œuvres afin de « guérir l'humanité tout entière ».
Salles : 103 et 105 
Commissaires : Doryun Chong, Mika Yoshitake et Lucía Agirre 
Musées : M+, Hong Kong et Musée Guggenheim Bilbao
Yayoi Kusama 
Auto-oblitération, 1966-1974 
Peinture sur mannequins, table, chaises, perruques, sac, tasses, assiettes, 
cruche, cendrier, plantes en plastique, fleurs en plastique et fruits en plastique 
Dimensions variables 
H+, Hong-Kong 
© YAYOI KUSAMA

Yayoi Kusama : de 1945 à nos jours

Exposition rétrospective sur l'artiste et écrivaine japonaise Yayoi Kusama (Matsumoto, Nagano, 1929), une voix singulière que l'histoire de l'art a

Yayoi Kusama : de 1945 à nos jours | Musée Guggenheim Bilbao

Pablo Picasso s’est adonné à la sculpture pratiquement dès le début de sa longue carrière artistique, et ce, car pour le peintre de Malaga, la sculpture ne revêtait pas un rôle secondaire : il s'agissait d'une forme d'expression comparable à la peinture, au dessin, à la gravure ou à la céramique, car il ne saurait y avoir d'arts majeurs ou mineurs, mais plutôt différents langages et matériaux pour exprimer des aspects différents de son travail. Le corps, finalité ultime de la représentation et principal instrument de Picasso tout au long de sa trajectoire, est un axe majeur de cette exposition.
La sélection de sculptures présentée dans Picasso. Matière et corps couvre la diversité de styles quasiment infinie que l'artiste a envisagée pour représenter les formes du corps humain, en le déconstruisant à travers différents formats et genres, pour le reconstruire dans une nouvelle matière. Pour ce faire, il a utilisé sans distinction tous les médiums ou objets possibles à sa portée, les réunissant ainsi dans un ensemble sculptural encore jamais vu. Julio González considère que le regard sculptural de Picasso est à la source de toute son œuvre : « J'ai constaté à maintes reprises que pas une forme ne le laisse indifférent. Il observe tout, à chaque instant, parce que toutes les formes représentent quelque chose pour lui et il voit tout comme le fait un bon sculpteur [...]. À mon avis, la part de mystère, le cœur, si je puis dire, de l'œuvre de Picasso se trouve dans la "Sculpture" qui a fait parler de son travail, qui lui a apporté tant de célébrité. »
Salles : deuxième étage 
Commissaires : Carmen Giménez et Lucía Agirre 
Musées : Musée Picasso Málaga, Musée Guggenheim Bilbao
Pablo Picasso 
Figure : projet de monument à Guillaume Apollinaire, 1928 
Fil de fer et tôle 
59,5 x 13 x 32 cm 
Musée national Picasso-Paris, don de Pablo Picasso, 1979, 
# inv. : MP265 
Photographie : © RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) / Adrien Didierjean 
© Succession Pablo Picasso

Picasso sculpteur. Matière et corps

Pablo Picasso s’est adonné à la sculpture pratiquement dès le début de sa longue carrière artistique, et ce, car pour le peintre de Malaga, la sculpture

Picasso sculpteur. Matière et corps | Musée Guggenheim Bilbao

Marine Hugonnier (Paris, 1969), artiste et cinéaste française installée à Londres, tente constamment à travers son travail de modifier nos capacités à interpréter le monde.
Pour ce faire, elle utilise des stratégies documentaires et fictionnelles avec une grande fluidité, tirant parti des ambiguïtés intrinsèques de chaque registre. Dans ses productions de ces dix dernières années, l'observation directe des phénomènes sociaux est contrebalancée par des expériences filmiques dans lesquelles le dispositif traditionnel de capture de l'image — comprenant la pellicule, l'objectif et la caméra en tant qu'éléments irréductibles — est confronté à des phénomènes et des agents naturels explorant à travers eux les limites de la représentation. Dans son œuvre récente Rapport Meadow (Meadow Report, 2021), l'artiste se situe à une heure crépusculaire devant l'étang des jardins de Giverny, où Claude Monet a créé un jardin artificiel de plantes exotiques et où a peint ses célèbres nymphéas à la fin de sa vie, alors qu'il souffrait d'une perte progressive de la vue. Hugonnier aborde ces deux sujets fondamentaux — la manipulation de la nature, d'une part, et notre dépendance à la technologie pour l'observer, d'autre part — à travers un enregistrement silencieux et contemplatif du paysage. Sa recherche d'une perception directe la conduit, à un certain moment du film, à retirer l'objectif de la caméra, provoquant un fondu bleu intense de tous les détails, un éclatement chromatique. Le titre de cette œuvre joue avec le sens littéral du mot « meadow », « prairie » et avec la référence au rapport Meadows, également connu sous le titre Halte à la croissance ? (1972), l'un des premiers documents à avoir prédit une crise climatique dû à l’utilisation sans contrôle des ressources de la planète. Cette œuvre centrale de Hugonnier sera accompagnée d'autres films et photographies qui, tant dans la galerie 103 que dans le cadre d'un programme de projections à l'Auditorium du Musée, témoigneront de la démarche actuelle de cette artiste et de sa conception originale de la praxis filmique.
Salle : 103 
Commissaire : Manuel Cirauqui
Marine Hugonnier 
Rapport Prairie, 2021 
Film 35 mm, couleur, son 
Courtoisie de l'artiste 
© Marine Hugonnier

Marine Hugonnier : Rapports de terrain / Field Reports

Marine Hugonnier (Paris, 1969), artiste et cinéaste française installée à Londres, tente constamment à travers son travail de modifier nos capacités à

Marine Hugonnier : Rapports de terrain / Field Reports | Musée Guggenheim Bilbao

En automne 2023, le Musée Guggenheim Bilbao présentera une exposition rétrospective consacrée à l'œuvre de l'artiste germano-vénézuélienne Gego (Gertrud Goldschmidt, Hambourg, 1912-Caracas, 1994).
Cette visite chronologique retracera l'évolution de l'approche originale et abstraite de cette artiste à travers ses créations aux structures organiques, aux compositions linéaires et ses recherches systématiques liées à l'espace. L'exposition réunira notamment des sculptures, des dessins, des gravures, des livres et des tissus conçus entre le début des années 1950 et le début des années 1990. Gego est l'une des artistes les plus emblématiques de la seconde moitié du XXe siècle en Amérique latine. Diplômée en architecture et en ingénierie en Allemagne en 1939, elle a fui les persécutions nazies et a émigré au Venezuela, où sa carrière artistique a débuté. L'exposition mettra en lumière les contributions formelles et conceptuelles majeures de Gego en matière d'art moderne et contemporain, rappelant ses interactions avec des mouvements artistiques transnationaux comme l'abstraction géométrique, l'art cinétique, le minimalisme et le post-minimalisme.
Le Musée remercie vivement l'énorme soutien et l'étroite collaboration de la Fondation Gego et de ses directeurs, Tomás Gunz et Barbara Gunz, tout comme le personnel et le Conseil d'administration, qui lui ont généreusement permis un accès illimité à la collection et aux archives de la Fondation.
Cette exposition fait partie d'un parcours plus large présenté au Museo Jumex, Mexico ; Musée Solomon R. Guggenheim, New York; et Musée Guggenheim Bilbao.
Commissaire : Geaninne Gutiérrez-Guimarães
Gego lors du montage de Reticulárea, Musée des Beaux-Arts, Caracas, 1969. 
Photo : Juan Santana 
© Fundación Gego

Gego : Comment mesurer l'infini

En automne 2023, le Musée Guggenheim Bilbao présentera une exposition rétrospective consacrée à l'œuvre de l'artiste germano-vénézuélienne Gego (Gertrud

Gego : Comment mesurer l&#039;infini | Musée Guggenheim Bilbao

Gego : Comment mesurer l'infini | Musée Guggenheim Bilbao

13€ Adulte - 6.5€ Retraité - 6.5€ Étudiants

15€ Adulte - 7.5€ Retraité - 7.5€ Étudiants

L&#8217;initiative TopARTE du Musée Guggenheim Bilbao confirme son engagement auprès  des organisations et des institutions culturelles de notre environnement immédiat. Le résultat de cette collaboration fructueuse est un programme varié, multidisciplinaire, riche en contenu et en formats qui s’adresse à tous les publics.
Dans le cadre de ce projet, plusieurs activités sont ainsi présentées au Musée couvrant des disciplines aussi diverses que l&#8217;architecture, le cinéma, la danse, le design, la gastronomie, la musique, les performances et le théâtre.

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Expositions

Oskar Kokoschka. Un rebelle de Vienne

17.03.2023 - 03.09.2023

Joan Miró. La réalité absolue. Paris, 1920–1945

10.02.2023 - 28.05.2023

Œuvres de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao

24.01.2023 - 31.12.2023

Expositions

à venir

Lynette Yiadom-Boakye. Nul crépuscule n’est trop puissant

Yayoi Kusama : de 1945 à nos jours

Picasso sculpteur. Matière et corps

Marine Hugonnier : Rapports de terrain / Field Reports

Gego : Comment mesurer l'infini

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