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Expositions

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Expositions | Musée Guggenheim Bilbao

Helen Frankenthaler : Peindre sans règles

Conférence inaugurale

Helen Frankenthaler : Peindre sans règles 

Guide-audio

Plan des audioguides

Fundación BBVA

Son empreinte personnelle : les années 1950

Suivre le courant : les années 1960

La découverte d’une nouvelle liberté : les années 1970

Seuils : les années 1980

À la recherche de la beauté : les années 1990

Peindre jusqu’au bout : les années 2000

Amitiés

Une invitation à la sculpture

Helen Frankenthaler (1928–2011) a joué un rôle majeur dans la transition de l’expressionnisme abstrait au color-field painting (littéralement « peinture du champ coloré »). Reconnue pour avoir inventé la technique du soak stain (tremper-tacher) sur laquelle elle expérimente pendant des décennies, l’artiste a conçu un corpus considérable d’oeuvres sur toile et sur papier, ainsi que des sculptures, des céramiques, des tapisseries et des oeuvres graphiques. Ses créations novatrices, présentes dans les collections des plus grands musées du monde, continuent d’inspirer les artistes contemporains.
Née à New York, Frankenthaler étudie l’art avec une approche classique sous la direction de Paul Feeley, au Bennington College, dans le Vermont, avant de rentrer à Manhattan, où elle s'est tournée vers l’abstraction. Au début des années 1950, elle rencontre les figures phares de l’École de New York, des icônes de l’art américain d’après-guerre qui partagent avec Frankenthaler un engagement en faveur de l’expérimental et qui, dans certains cas, intégreront son cercle social le plus proche.
Helen Frankenthaler : Peindre sans règles met en lumière la pratique créative de l’artiste à travers ses affinités artistiques, ses influences et ses relations dans le milieu artistique. Rassemblant une trentaine d’abstractions poétiques signées par l’artiste entre 1953 et 2002, l’exposition comprend également une sélection de peintures et de sculptures de certains de ses contemporains — Anthony Caro, Morris Louis, Robert Motherwell, Kenneth Noland, Jackson Pollock, Mark Rothko et David Smith —, qui viennent souligner les synergies liant ces artistes. L’exposition trace un parcours chronologique qui commence dans les années 1950 et se termine dans la première décennie du 21e siècle. Chaque section, accompagnée d’un texte explicatif, constitue un chapitre de la carrière prolifique de Frankenthaler. Peindre sans règles rend hommage à l’héritage d’une artiste pionnière qui n’a jamais interrompu sa quête de nouvelles voies de création dans le champ de l'art abstrait.
Cette exposition est organisée par la Fondazione Palazzo Strozzi, Florence et l’Helen Frankenthaler Foundation, New York en collaboration avec le musée Guggenheim Bilbao ; et conçue par le commissaire Douglas Dreishpoon, directeur du catalogue raisonné de Helen Frankenthaler.
Salle : 105
 
Helen Frankenthaler 
Bleu mobile&lt;/em &gt; (Moveable Blue), 1973 
Acrylique sur toile 
177,8 x 617,8 cm 
ASOM Collection 
© 2025 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York / VEGAP 
Photo : © ASOM Collection

IN FOCUS Helen Frankenthaler

Chronologie

Au musée

Helen Frankenthaler (1928–2011) a joué un rôle majeur dans la transition de l’expressionnisme abstrait au color-field painting (littéralement « peinture

Helen Frankenthaler : Peindre sans règles | Musée Guggenheim Bilbao

Vito Acconci / Sergio Prego: YOU

Charla inaugural

Le programme d’exposition Film &amp; Video du Musée Guggenheim Bilbao est résolument engagé envers les pratiques artistiques contemporaines liées à l’image en mouvement.
Cette exposition est issue de la collaboration et de l’amitié développées entre Vito Acconci (New York, 1940–2017) et l’artiste basque Sergio Prego (Donostia/Saint-Sébastien, 1969), dont les chemins artistiques se sont croisés à une période clé de l’activité de l’agence de design spéculatif et d’architecture Acconci Studio. L’exposition retrace un itinéraire subjectif à travers les vidéos et les performances d’Acconci. Et ce, à l’aide d’un système de présentation créé par Prego, dont la conception de la sculpture intègre la manière unique dont Acconci imagine l’espace construit et les forces qui animent les corps au sein de cet espace. Ces deux artistes partagent une attention particulière à l’interaction entre les sens, les médias audiovisuels et l’architecture ; comme si la dimension corporelle tentait de s’adapter en permanence aux normes et aux structures du monde physique capturé par la caméra. Pour les deux artistes, les oeuvres d’art agissent comme des manifestations concrètes de tensions et de paradoxes dont l’impact affecte directement la conscience physique du spectateur.
Dans la première partie de l’exposition, plusieurs vidéos de Prego sont diffusées simultanément, alors que dans un coin de la salle résonne la pièce sonore d’Acconci Cassette courant (1969). L’activité enregistré par Acconci — compter ses pas sans arrêt tout en courant jusqu’à être à bout de souffle, encore et encore — a une influence sur le temps, alors que Prego emploie des astuces simples de montage d’images pour présenter des positions et des mouvements impossibles dans l’espace. La voix d’Acconci se fait également entendre à l’autre bout de la salle, cette fois en tant que narrateur d’un documentaire qui résume sa pratique radicale du design. Dans l’espace principal, deux grandes structures gonflables de Prego font office d’écrans de projection pour une sélection de vidéos historiques d’Acconci. Dans ses performances enregistrées, Acconci utilisait la caméra non comme un moyen d’autoportrait mais comme un instrument de provocation. On y voit l’artiste pointer directement du doigt ou chuchoter sur un ton intime dans Centres (1971) et dans Allumer (1974) et tester agressivement son propre corps dans Trois études d’adaptation (1970). Dans ces oeuvres, Acconci cherchait désespérément à attirer l’attention, comme s’il avait imaginé les utilisations futures de la caméra dans les réseaux sociaux. Plus de cinq décennies après leur création, on ne peut s’empêcher de penser que les oeuvres vidéo d’Acconci nous pointent du doigt, souvent d’une manière inconfortable.
Salle : 103 
Commissaire : Manuel Cirauqui
 
Vito Acconci 
Three Adaptation Studies, 1970 
Film Super 8mm transferido a video (fotograma) 
Courtesy Electronic Arts Intermix, New York

Le programme d’exposition Film &amp; Video du Musée Guggenheim Bilbao est résolument engagé envers les pratiques artistiques contemporaines liées à

Vito Acconci / Sergio Prego: YOU | Musée Guggenheim Bilbao

Partner de l’exposition :

1of1

Partenaire technologique : 

Euskaltel (Anadol)

Cette exposition marque le lancement de in situ, une nouvelle série consacrée à des  installations conçues et réalisées en interaction avec le lieu qui les accueille et qui  repoussent les limites des pratiques contemporaines. Faisant appel à des artistes de  disciplines variées — arts visuels, technologie, musique et performance —, in situ explore  de nouvelles manières de percevoir et d’habiter l’espace.
in situ : Refik Anadol accueille Architecture vivante : Gehry, une installation audiovisuelle  révolutionnaire qui réimagine — à l’aide de l’intelligence artificielle et de l’art génératif —  l’héritage architectural de Frank Gehry. Pour la réaliser, un logiciel personnalisé de  technologie avancée fondé sur l’IA, appelé Large Architecture Model (LAM), a été entraîné  pendant des mois avec un grand nombre d’images, de croquis et de plans en libre accès  afin de traduire le vocabulaire architectural de Gehry en un paysage numérique de formes,  de couleurs et de mouvements dynamiques en constante évolution. Ce spectacle visuel  est accompagné d’un paysage sonore immersif composé par Kerim Karaoglu, basé sur des  sons générés par l’IA et des enregistrements réalisés dans le Musée lui-même.
Architecture vivante : Gehry comprend six chapitres interconnectés, chacun représentant  une étape différente de l’évolution des données vers l’imagination architecturale :
<ul>
<li>Chapitre I Univers des données – Une myriade de matériaux numérisés — photographies  d’archives, plans et documents structurels — sont compilés dans un espace  de mémoire.</li>
<li>Chapitre II Représentation graphique des données – Des motifs commencent à émerger  au fur et à mesure que l’IA traite les matières premières et établit des  relations entre la forme, la texture et la composition spatiale.</li>
<li>Chapitre III Tunnel des données – Les données se transforment en environnements  visuels immersifs dans l’espace latent, invitant les spectateurs à s’engager  dans le processus évolutif de la collaboration humain-machine.</li>
<li>Chapitre IV Large Architecture Model – En transformant les formes de Gehry, l’IA génère  de nouvelles possibilités architecturales qui repoussent les limites de  l’imagination et de la conception.</li>
<li>Chapitre V Hallucination de la machine – Un moment d’abstraction, où les structures  générées par l’IA s’affranchissent des contraintes spatiales conventionnelles.</li>
<li>Chapitre VI Rêves – Un retour au monde de l’architecture — réinterprété à travers  l’imagination illimitée de l’IA —, où l’architecture se transforme en temps réel,  générant continuellement de nouvelles formes qui émergent et évoluent à  chaque instant.</li>
</ul>
En tant qu’exposition inaugurale de la série in situ, l’installation Architecture vivante : Gehry  illustre la manière dont Anadol explore l’avenir de l’art créé spécifiquement pour un espace  et piloté par l’IA, où les données deviennent des matériaux et l’espace, une toile numérique  qui traduit le cheminement de la mémoire, des formes et de l’imagination.
Construite à partir de données issues de sources éthiques exploités par des pratiques informatiques durables, cette installation témoigne d’une approche réfléchie de la création numérique qui allie innovation et responsabilité.
Salles : 204, 208 
Commissaire : Lekha Hileman Waitoller
 
Refik Anadol Studio 
Vue de l’installation Architecture vivante : Gehry (Living Architecture: Gehry) au Musée Guggenheim Bilbao 
© Refik Anadol, Bilbao 2025

Le processus de création de Architecture vivante : Gehry

in situ: Refik Anadol

Cette exposition marque le lancement de in situ, une nouvelle série consacrée à des  installations conçues et réalisées en interaction avec le lieu qui

in situ: Refik Anadol | Musée Guggenheim Bilbao

Chefs-d'œuvre sur papier de Budapest 

Études de tête, ca. 1504–05

Vue de Sarmingstein sur le Danube, 1511

Vénus désarmant Cupidon, ca. 1527–30

Ferme néerlandaise en lumière et ombre, 1635–36

Feuille d’étude, Deux figures de femmes et drapés, ca. 1717

Vue de Budapest, 1881

Le Jardin du presbytère à Nuenen en hiver, 1884

Deux femmes s'embrassant, 1915

Composition, 1922

13 traces, 2016

Chefs-d’œuvre sur papier de Budapest est le résultat d’un partenariat entre le Musée Guggenheim Bilbao et le Musée des Beaux-Arts – Galerie Nationale Hongroise de Budapest, une institution renommée qui abrite des collections d’art international de l’Antiquité au XXIe siècle, et des œuvres d’art hongroises datant du Moyen Âge jusqu’à aujourd’hui. Parmi les collections qui composent son fonds, celle des Estampes et dessins se distingue par son ampleur et son étendue temporelle. Elle comprend, en effet, environ 9000 dessins et 100 000 gravures d’auteurs européens. Réunissant une sélection large et variée d’œuvres de grands artistes, tels que Albrecht Dürer, Léonard de Vinci, Raphaël, Rembrandt, Francisco de Goya, Miklós Barabás, Henri de Toulouse-Lautrec, Pablo Picasso, Egon Schiele, Victor Vasarely, Vera Molnar, Judit Reigl, Dóra Maurer, Georg Baselitz, Katharina Grosse et Gerhard Richter, cette exposition offre un panorama complet de la création graphique, du XVe siècle à nos jours. Les quelque 150 chefs-d’œuvre sélectionnés retracent la tradition séculaire du dessin et de la gravure, deux genres ouverts en permanence au renouvellement, mettant en avant différentes solutions formelles, leurs traits essentiels et leurs effets esthétiques caractéristiques.
Articulée en douze sections thématiques, l’accrochage met en lumière les différentes tendances de chaque époque, les interactions et les questions clé qui se posent dans les domaines du dessin et de la gravure. Si l’exposition présente au public la diversité technique caractéristique de ces médiums, elle va bien au-delà. Elle explore, en effet, la fonction du dessin et de la gravure dans l’histoire de l’art, ainsi que leur fidélité à leur essence au fil des siècles et à travers les nombreux changements de tendances et de styles.
L’exposition donne également un aperçu de l’histoire — riche et mouvementée — de la Collection d’Estampes et dessins du Musée des Beaux-Arts la plus précieuse collection d’œuvres sur papier de Hongrie. Différents documents d’archives racontent ses origines, liées aux fonds des Esterházy, grande famille noble hongroise, et présentent les résultats des efforts réalisés par de nombreux directeurs, restaurateurs et conservateurs du musée.
Salles : 205, 206, 207, 209 
Commissaires : Kinga Bódi et Marta Blàvia
 
Peter Paul Rubens (1577–1640) 
Portrait de profil du fils de l’artiste, Albert Rubens, ca. 1618–19 
Craie noire et rouge, plume, encre brune, lavis brun sur papier 
246 × 202 mm 
MFA CPD ; n° d’inventaire : 1745 
Acquis de la collection Esterházy, 1871 
© 2025 Museum of Fine Arts, Budapest

Diffuser des idées et des images

Burin et eau-forte

Lithographie

Xylographie

Nous vous invitons à participer à une visite virtuelle de l’exposition Chefs-d&#8217;œuvre sur papier de Budapest. Cette promenade comprend toutes les œuvres et les textes d’explication présentés au sein de l’accrochage.

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VISITE VIRTUELLE

Chefs-d'œuvre sur papier de Budapest

Chefs-d’œuvre sur papier de Budapest est le résultat d’un partenariat entre le Musée Guggenheim Bilbao et le Musée des Beaux-Arts – Galerie Nationale

Chefs-d&#039;œuvre sur papier de Budapest | Musée Guggenheim Bilbao

Chefs-d'œuvre sur papier de Budapest | Musée Guggenheim Bilbao

Tarsila do Amaral

Paris/São Paulo. Passeports pour la modernité

Une « Caipirinha habillée par Poiret »

L’invention du paysage brésilien

Primitivisme et identité(s)

Le Brésil cannibale

Travailleurs et travailleuses

Nouveaux paysages

Figure centrale du modernisme brésilien, Tarsila do Amaral (ou Tarsila, de son nom d’artiste) est la créatrice d’une œuvre originale et évocatrice, puisant dans les imaginaires indigéniste et populaire autant que dans les instances modernisatrices d’un pays en pleine transformation.
Dans les années 1920, évoluant entre São Paulo et Paris, elle est une passeuse entre les avant-gardes de ces deux capitales culturelles, mettant son univers iconographique brésilien à l’épreuve du cubisme et du primitivisme, en vogue dans la capitale française. Sa peinture inspire alors les mouvements Pau-Brasil et Anthropophage, dont la quête d’un Brésil « authentique », multiculturel et multiracial, vise à refonder sa relation avec les « centres » européens de la colonisation.
La dimension militante de ses peintures des années 1930 et sa capacité à accompagner, jusqu’aux années 1960, les évolutions profondes de son environnement social et urbain confirment la puissance d’une œuvre ancrée dans son temps et toujours prête à se renouveler, malgré les conditions instables que peut rencontrer, en fonction des époques et des contextes, une artiste femme émancipée et indépendante.
Nous invitant au cœur d’une modernité brésilienne qu’elle a contribué à forger plus qu’elle ne l’a illustrée, l’œuvre de Tarsila do Amaral dévoile toute la complexité de ce concept toujours ouvert à débat, soulevant des questions identitaires et sociétales qui demeurent très actuelles, au Brésil comme en Europe.
Exposition organisée par le Musée Guggenheim Bilbao et le GrandPalaisRmn
Salles : 201, 202, 203 
Commissaires : Cecilia Braschi et Geaninne Gutiérrez-Guimarães 
Sièges : Musée du Luxembourg, Paris ; Musée Guggenheim Bilbao
 
Tarsila do Amaral 
Carte postale (Cartão postal), 1929 
Huile sur toile, 127,5 x 142,5 cm 
Collection particulière, Rio de Janeiro 
© Tarsila do Amaral Licenciamento e Empreendimentos S.A. 
Photo : Jaime Acioli

Vidéo de l'exposition

Nous vous invitons à participer à une visite virtuelle de l’exposition Tarsila do Amaral. Peindre le Brésil moderne. Cette promenade comprend toutes les œuvres et les textes d’explication présentés au sein de l’accrochage.

Tarsila do Amaral. Peindre le Brésil moderne

Figure centrale du modernisme brésilien, Tarsila do Amaral (ou Tarsila, de son nom d’artiste) est la créatrice d’une œuvre originale et évocatrice,

Tarsila do Amaral. Peindre le Brésil moderne | Musée Guggenheim Bilbao

3ème étage

Cette présentation de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao présente une sélection d’oeuvres fondamentales qui cristallisent des moments clé de l’histoire de l’art après la Seconde Guerre mondiale. Geste ambitieux visant à amplifier la résonance entre art et architecture, cette installation, faite de plusieurs des pièces majeures de la Collection, met en valeur l’architecture originale du bâtiment et elle est un chant aux espaces lumineux et dégagés du troisième étage du Musée.
Cette exposition s’inspire tout autant du fonds d’oeuvres singulières d’artistes individuels que des mouvements de l’histoire de l’art, bien illustrés par notre Collection. Ainsi, l’accrochage met en lumière des auteurs qui ont travaillé à l’avant-garde de leur époque et dont la contribution a été réellement déterminante dans leur domaine. Chaque salle donne l’occasion de contempler la production d’un artiste, ou de plusieurs, qui explorent des préoccupations partagées depuis différentes perspectives.
Certaines salles sur cet étage montrent des installations conçues pour un emplacement spécifique ou des pièces uniques à caractère expérientiel, comme les espaces dédiés à Sol LeWitt et El Anatsui. L’oeuvre de ce dernier, Mer montante, est une sculpture contemporaine d’une grande importance dans la carrière de l’artiste africain. C’est aussi la dernière acquisition de la Collection. D’autres salles accueillent des montages thématiques sur l’émergence de l’art abstrait après la Seconde Guerre mondiale, ainsi que sur les rapprochements effectués entre art abstrait et spiritualité. Certaines salles abordent des langages artistiques ultérieurs, déployés de 1960 à 1980, par exemple l’art pop et la présence du populaire dans la création contemporaine. Une documentation historique sur ces courants artistiques et sur les auteurs qui y ont contribué vient compléter le tout.
À l'automne 2025, les salles 305, 306 et 307 accueilleront une sélection d’œuvres issues de la Collection Rodenstock, en prêt de longue durée. Parmi elles, des créations d’artistes de renom comme Lucio Fontana, Yves Klein, Agnes Martin, Cy Twombly et Jeff Koons, réunies pour la première fois et présentées au public comme un ensemble cohérent.
Salles : Troisième étage 
Commissaire : Lekha Hileman Waitoller, Marta Blàvia

Si les murs pouvaient parler...

El Anatsui

Jenny Holzer

Jeff Koons

Sol Lewitt

Œuvres de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao

Cette présentation de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao présente une sélection d’oeuvres fondamentales qui cristallisent des moments clé de

Œuvres de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao | Musée Guggenheim Bilbao

Cette exposition met en lumière le travail réalisé par plus de cent enfants âgés entre 6 et 12 ans au cours de l'année scolaire 2024-2025, dans le cadre du programme éducatif Apprendre à travers l’art du Musée Guggenheim Bilbao. Cette initiative invite des artistes à intervenir directement dans les écoles, où ils collaborent avec les enseignants pour associer l'art aux apprentissages scolaires.
Grâce à l'exploration artistique et aux discussions autour de l'art, les élèves peuvent aborder les matières du programme primaire sous un angle créatif et personnel. Les activités sont conçues pour établir des ponts entre l’art et différentes disciplines comme les sciences, le français ou les mathématiques, faisant de l’art un moyen d’explorer et de mieux comprendre le monde qui les entoure.
Cette année, les six classes participantes se sont intéressées à l’influence des saisons sur la nature, à l’impact des activités humaines sur l’environnement ou encore à la manière d’interagir avec leur milieu naturel. Les élèves ont aussi découvert l’engagement dans la création et sa portée pour sensibiliser la société, tout en explorant le travail d’artistes de leur région. À travers l’art et des activités d’introspection, ils ont été amenés à réfléchir sur la notion d’identité, tant individuelle que collective.
Tout au long du projet, différentes techniques et disciplines artistiques ont été utilisées, comme la peinture, la sculpture, la photographie ou encore la performance. Ces projets éducatifs ont encouragé l’expression personnelle et sublimé l'importance de la créativité dans l’éducation.

Apprendre à travers l'art 2025

Cette exposition met en lumière le travail réalisé par plus de cent enfants âgés entre 6 et 12 ans au cours de l'année scolaire 2024-2025, dans le cadre

Apprendre à travers l&#039;art 2025 | Musée Guggenheim Bilbao

Apprendre à travers l'art 2025 | Musée Guggenheim Bilbao

Occident

Le Musée Guggenheim Bilbao est fier de présenter la première rétrospective en Espagne de l’artiste nord-américaine Barbara Kruger, figure incontournable de l’art contemporain. Depuis plus de quarante ans, Barbara Kruger fascine par sa manière d’associer des images percutantes issues des médias avec des phrases incisives et provocantes, confrontant les spectateurs à des questions fondamentales sur l’identité, le désir et la société de consommation. Ses créations emblématiques interrogent directement nos interactions avec le monde qui nous entoure.
L’exposition met en lumière le talent de Kruger pour métamorphoser les espaces architecturaux en expériences immersives où le texte domine. Les visiteurs seront plongés dans des installations captivantes où le langage envahit entièrement l’espace grâce à des vinyles imprimés, des paysages sonores et des œuvres vidéo multicanaux. Nombre de ces créations revisitent ses œuvres antérieures, enrichies par des technologies numériques, des écrans LED monumentaux et des éléments sonores.
Conçue en étroite collaboration avec l’artiste, cette rétrospective invite à redécouvrir son approche audacieuse sur le langage, les médias et l’impact de l’ère numérique.
Salles : 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Commissaire : Lekha Hileman Waitoller
 
Barbara Kruger 
Sans titre (POUR TOUJOURS) [Untitled (FOREVER)], 2017 
Impression sur papier vinyle 
Dimensions variables 
Vue de l’installation FOREVER, Sprüth Magers, Berlin, 16 septembre 2017–20 janvier 2018 
Courtoisie de l’artiste et de Sprüth Magers 
Photo : Timo Ohler

Barbara Kruger

Le Musée Guggenheim Bilbao est fier de présenter la première rétrospective en Espagne de l’artiste nord-américaine Barbara Kruger, figure incontournable

Barbara Kruger | Musée Guggenheim Bilbao

Sky Hopinka (Ferndale, Washington, 1984) s'initie au cinéma à travers son intérêt pour les langues autochtones et les formes narratives. Membre de la nation Ho-chunk et descendant des Pechanga Band de Luiseño Mission (Californie), il réalise des vidéos où il entrelace des récits personnels, des témoignages sur la vie des peuples autochtones aujourd'hui, et une iconographie abstraite. Par son travail, il questionne les dynamiques de la communication entre cultures, en mettant en lumière ses défis et ses possibilités.
L'œuvre de Hopinka Évanouissements (Fainting Spells, 2018) est une réflexion sur la famille, la tradition, la guérison et le paysage. À travers ce film, l'artiste explore la mythologie de la Xąwįska, ou pipe indienne, une plante médicinale utilisée par le peuple Ho-chunk pour réanimer une personne après un évanouissement. Le film superpose des textes sur cette plante et son rôle dans la tradition Ho-chunk à des images abstraites d'interactions humaines, de lieux familiers et de phénomènes naturels, qui évoquent parfois l'esthétique cinématographique des avant-gardes historiques. Réalisé principalement dans les états de Washington et du Colorado, ce film incarne la pratique actuelle de Hopinka, qu'il décrit comme un art "ethno-poétique", visant à établir un lien créatif avec les cultures autochtones contemporaines.
Pour l'artiste, Évanouissements est une exploration de " ce que le mythe nous enseigne et comment il le fait, de sa présence dans les communautés autochtones aujourd'hui, et de l'influence qu'il exerce sur notre manière d'habiter le monde. " Hopinka y inclut souvent des expériences personnelles, comme ici avec l'enregistrement de la voix de son père, qui s'intègre à un paysage sonore luxuriant.
Salle : 103 
Commissaire : Geaninne Gutiérrez-Guimarães
 
Sky Hopinka 
Évanouissements (Fainting Spells), 2018 
Vidéo couleur à trois canaux, avec son, 9 min, 45 s 
A.P. 1/2, édition de 3 
Solomon R. Guggenheim Museum, New York, acheté grâce aux fonds contribués par le Photography Council, 2021 
© Sky Hopinka

Sky Hopinka : Évanouissements

Sky Hopinka (Ferndale, Washington, 1984) s'initie au cinéma à travers son intérêt pour les langues autochtones et les formes narratives. Membre de la

Sky Hopinka : Évanouissements | Musée Guggenheim Bilbao

L'œuvre de Maria Helena Vieira da Silva (Lisbonne, 1908 – Paris, 1992) se caractérise par une grande diversité d'influences, allant de la géométrie décorative des céramiques hispano-arabes aux motifs de damiers que l'on retrouve dans les tableaux de Pierre Bonnard. C'est pourquoi les analyses de son œuvre ont souvent privilégié ses liens avec différents mouvements artistiques, au détriment de l'évolution de son propre langage visuel. La façon dont son travail mêle abstraction et figuration, notamment à travers ses représentations d'espaces architecturaux où les frontières entre paysages urbains réels et imaginaires se dissolvent, est un aspect souvent négligé par la critique, mais que l'exposition s’efforce d’éclairer.
L’exposition se penche sur le travail de l'artiste des années 1930 aux années 1980, en explorant son rapport avec les paysages architecturaux urbains ainsi que l'importance de la mémoire et du jeu dans son œuvre. Elle ira au-delà des simples références formelles à la culture visuelle portugaise et aux mouvements d’avant-garde comme le cubisme et le futurisme. Cette analyse propose de considérer l’œuvre de Vieira da Silva indépendamment de l’esthétique gestuelle souvent associée à l'informalisme, et montre son expérience à Paris, ville devenue un centre d'attraction internationale après la Seconde Guerre mondiale. Cette exposition revient aussi sur les relations qu'elle a nouées lors de son séjour à Rio de Janeiro, où elle s'était réfugiée avec son mari, Árpád Szenès, pendant la guerre. À travers une sélection d'œuvres majeures, on verra l’évolution de son travail, caractérisé par des formes abstraites et des illusions optiques en constante transformation.
Salle : 105 
Commissaire : Flavia Frigeri 
Sièges : Peggy Guggenheim Collection, Venise ; Musée Guggenheim Bilbao
 
Maria Helena Vieira da Silva (1908 – 1992) 
Figure de ballet, 1948 
Huile et graphite sur toile, 27 × 46 cm 
Courtoisie de la Galerie Jeanne Bucher Jaeger, Paris - Lisbonne 
N° d’inventaire : CR587

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomie de l'espace

L'œuvre de Maria Helena Vieira da Silva (Lisbonne, 1908 – Paris, 1992) se caractérise par une grande diversité d'influences, allant de la géométrie

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomie de l&#039;espace | Musée Guggenheim Bilbao

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomie de l'espace | Musée Guggenheim Bilbao

Mark Leckey (Birkenhead, Royaume-Uni, 1964) est un artiste britannique contemporain, résidant et travaillant à Londres. Depuis sa reconnaissance à la fin des années 1990, le travail de Mark Leckey a marqué l'art contemporain par son exploration des liens entre culture populaire et technologie, abordant des thématiques comme la jeunesse, la classe sociale et la nostalgie. Son travail, souvent constitué d'objets trouvés et de vidéos, s'inspire d'éléments de la culture populaire. Leckey est particulièrement connu pour ses œuvres Fiorucci Made Me Hardcore (1999) et UniAddDumThs ; (2015-en actualité). En 2008, il a reçu le prix Turner pour l’exposition Industrial Light and Magic, de la même année.
Ces dernières années, il a aussi présenté un programme de musique expérimentale sur la station de radio NTS, mettant en avant des artistes confirmés et des nouveaux talents. L'exposition au Musée Guggenheim Bilbao mettra en lumière la diversité des influences qui façonnent l'œuvre de Leckey, notamment le son, la sculpture et la performance.
Salles : 204, 208 
Commissaire : Lekha Hileman Waitoller
 
Mark Leckey 
Vue de l'installation, O’ Magic Power of Bleakness, Tate Britain, Londres, du 24 septembre au 5 janvier 2020. 
Photographie de Mark Blower, avec l’aimable autorisation de l’artiste, Cabinet Gallery London et Tate.

in situ: Mark Leckey

Mark Leckey (Birkenhead, Royaume-Uni, 1964) est un artiste britannique contemporain, résidant et travaillant à Londres. Depuis sa reconnaissance à la fin

in situ: Mark Leckey | Musée Guggenheim Bilbao

Iberdrola

Ancrée dans le cadre stratégique de la durabilité environnementale que promeut Musée Guggenheim Bilbao, l’exposition Arts de la Terre propose une nouvelle lecture de l'art engagé en faveur de l’environnement des dernières décennies. Cette cartographie diversifiée et pluridisciplinaire des formes artistiques présente un aperçu des outils, des possibilités et des futurs potentiels. À travers la question cruciale de la santé de la planète, et particulièrement de la survie du sol comme élément vivant, plastique et essentiel, l’exposition nous guide à travers des œuvres qui traversent toutes les géographies. L’exposition relie des œuvres réalisées à partir de matériaux naturels comme la terre, le bois, les racines, et les plantes — médiums ancestraux qui ont retrouvé une nouvelle pertinence aujourd’hui — aux interventions terrestres qui ont été connues sous le nom de Land Art ou Earthworks au cours des dernières décennies : des anti-monuments vivants réalisés dans des lieux reculés, parfois éphémères, dont les traces résonnent aujourd’hui comme des avertissements pour l’Anthropocène.
Au fil des dernières générations, des artistes de cultures variées se sont interrogés sur la manière de traiter la terre au moment où elle nécessite le plus d’attention et de régénération. Comment honorer ses bienfaits ? Comment apprendre de ce qu’elle nous offre, alors même qu’elle semble être dépouillée de sa richesse biologique, minérale, organique et chimique ? Le potentiel créatif du sol et de ses composants va bien au-delà des pratiques traditionnelles de la sculpture, de l’architecture ou du paysagisme. Ces dernières années, de nombreux artistes ont exploré les dynamiques du substrat, mêlant processus de création et de compostage, traçant des lignes et mettant en lumière les liens entre culture et agriculture, forme, formation et terraformation. Arts de la Terre réunit des œuvres historiques depuis les années 1970 jusqu’à nos jours, en explorant des pratiques variées comme la sculpture, l’installation, le dessin et la performance, accompagnées d’une vaste sélection de documents d’archives. Il est possible d’observer des pratiques qui rassemblent collaborativement de multiples formes de connaissance issues de domaines comme l’agronomie, la botanique, la géologie, la chimie et la biologie croisent et nourrissent les arts, l’architecture et le design.
Salles : 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Commissaire : Manuel Cirauqui
 
Giuseppe Penone 
Ongle et feuilles de laurier (Unghia e foglie di alloro), 1989 
Verre et feuilles de laurier 
Courtoisie de l'artiste et de la Marian Goodman Gallery 
Photo : Alex Yudzon

Les Arts de la Terre

Ancrée dans le cadre stratégique de la durabilité environnementale que promeut Musée Guggenheim Bilbao, l’exposition Arts de la Terre propose une nouvelle

Les Arts de la Terre | Musée Guggenheim Bilbao

15€ Adulte - 7.5€ Retraité - 7.5€ Étudiants

L&#8217;initiative TopARTE du Musée Guggenheim Bilbao confirme son engagement auprès  des organisations et des institutions culturelles de notre environnement immédiat. Le résultat de cette collaboration fructueuse est un programme varié, multidisciplinaire, riche en contenu et en formats qui s’adresse à tous les publics.
Dans le cadre de ce projet, plusieurs activités sont ainsi présentées au Musée couvrant des disciplines aussi diverses que l&#8217;architecture, le cinéma, la danse, le design, la gastronomie, la musique, les performances et le théâtre.

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#MYGUGGENHEIMBILBAO

Guggenheim Bilbao Musée

Solomon R. Guggenheim Museum

Peggy Guggenheim Collection

Guggenheim Abu Dhabi

Du mardi au dimanche, de 10h00 à 19h00 <a href="/fr/horaires-et-tarifs">[+info]</a>

Expositions

Helen Frankenthaler : Peindre sans règles

11.04.2025 - 28.09.2025

Vito Acconci / Sergio Prego: YOU

03.04.2025 - 07.09.2025

in situ: Refik Anadol

07.03.2025 - 19.10.2025

Chefs-d'œuvre sur papier de Budapest

28.02.2025 - 01.06.2025

Tarsila do Amaral. Peindre le Brésil moderne

21.02.2025 - 01.06.2025

Œuvres de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao

24.01.2023 - 31.12.2025

Expositions

à venir

Apprendre à travers l'art 2025

Barbara Kruger

Sky Hopinka : Évanouissements

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomie de l'espace

in situ: Mark Leckey

Les Arts de la Terre

Expositionspassées

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