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Expositions

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Expositions | Musée Guggenheim Bilbao

Yoshitomo Nara

Guide-audio

Plano audioguía

Conférence inaugurale

Fundación BBVA

Un lieu solitaire

À la recherche de ce qui manquait

Ici, j’ai tout ce qu’il me faut

Après le tremblement de terre

Penser en silence

Sous un ciel brumeux

Yoshitomo Nara est l’un des artistes les plus célèbres de sa génération. Son œuvre est essentiellement connue pour les audacieux portraits d’enfants à grosse tête et aux grands yeux parfois fascinants, parfois menaçants, provocants ou insolents, ou encore mélancoliques et peu sûrs d’eux, qui sont devenus au fil du temps plus sereins et pensifs. Même si Nara n’a pas obtenu une reconnaissance immédiate dans le monde de l’art, son style graphique est actuellement très en vogue.
Les personnages de Nara, humains, animaux et êtres hybrides, sont un reflet de lui-même, une représentation plastique de ses émotions et de ses pensées les plus intimes, et ils montrent en cela la profondeur de son humanisme. Ses créations, qui puisent leur source dans ses souvenirs d’enfance, restés gravés dans sa mémoire, ses connaissances en musique et littérature, en histoire de l’art japonais et européen, sont enrichies par son insatiable curiosité, ainsi que par les rencontres stimulantes et emplies d’empathie avec d’autres personnes et d’autres cultures lors de ses voyages au Japon et à l’étranger.
Connu pour son attitude décontractée et son esprit libre, Nara s’est depuis toujours passionné pour la musique folk, rock et punk underground. Partant de sa profonde implication vis-à-vis de l’humanité et de la société, son œuvre engagée vis-à-vis du monde que nous partageons examine et propose des idées sur des thèmes comme le foyer, la communauté, la nature, l’environnement et les interrelations entre eux.
Né en 1959 dans la banlieue d’Hirosaki, au nord du Japon, Nara fait des études artistiques à l’Université des Beaux-arts d’Aichi. À la fin des années 1980, il  s’installe en Allemagne et poursuit ses études à la prestigieuse Kunstakademie de Düsseldorf. Il va rester douze ans en Allemagne, période au cours de laquelle il développe son propre langage pictural. En l’an 2000, il revient au Japon, où il vit et travaille actuellement. Son art conserve des liens directs avec sa propre histoire et ses expériences vitales. Ses œuvres sont nourries par ses souvenirs d’enfance au Japon, en particulier la sensation de solitude, ainsi que par son séjour à l’étranger et l’impression d’isolement qu’il a vécue en Allemagne, ne parlant pas la langue de ce pays.
Cette rétrospective n’est pas organisée selon un ordre chronologique. Nara l’a plutôt expressément structurée par thèmes afin de révéler ses clés personnelles et émotionnelles dans le but de transmettre sa raison d’être en tant qu’artiste, ainsi que les idées qui l’intéressent et jouent un rôle essentiel dans son processus de création : thèmes récurrents, développement de son approche formelle et variété des techniques.
L’exposition nous plonge dans l’univers de Nara à travers une série d’œuvres parcourant les quarante dernières années. Original et persistante, l’iconographie de Nara illustre à la perfection la continuité des idées qui l’ont accompagné tout au long de sa carrière en mettant en lumière son évolution stylistique. Bien que Nara se considère principalement comme un peintre, il explore chaque thème en ayant également recours à d’autres techniques et d’autres formats, comme le dessin, la sculpture et les installations.
Salle : 105 
Commissaire : Lucía Agirre 
Sièges : Musée Guggenheim Bilbao ; Musée Frieder Burda, Baden-Baden ; Hayward Gallery-Southbank Centre, Londres
 
Yoshitomo Nara 
Dans la flaque la plus profonde II (In the Deepest Puddle II), 1995 
Acrylique sur coton marouflé sur toile 
120 x 110 cm 
Takahashi Collection 
© Yoshitomo Nara, courtoisie de la Yoshitomo Nara Fondation

Enfance

À L’étranger

Retour au Japon

Grand Tremblement de Terre au Japon Oriental

Au musée

Nous vous invitons à participer à une visite virtuelle de l’exposition Yoshitomo Nara. Cette promenade comprend toutes les œuvres et les textes d’explication présentés au sein de l’accrochage.

COMMENCEZ MAINTENANT

VISITE VIRTUELLE

Yoshitomo Nara est l’un des artistes les plus célèbres de sa génération. Son œuvre est essentiellement connue pour les audacieux portraits d’enfants à

Yoshitomo Nara | Musée Guggenheim Bilbao

Anthony McCall : Fraction de seconde

Conférence d'ouverture

À l'occasion du dixième anniversaire du programme d'expositions consacré aux œuvres artistiques de l'image en mouvement, la galerie Film &amp; Vidéo accueillera l'œuvre, à la fois cinématographique et radicalement abstraite, d'Anthony McCall (Orpington, Royaume-Uni, 1946). Le travail de cet artiste britannique résidant à New York conjugue de façon originale et toujours énigmatique projections cinématographiques et sculptures, mais il peut aussi être abordé sous l'angle du dessin dans l'espace ou celui de l'art lumineux. Des années 1970 à maintenant, McCall articule son travail autour du concept de " lumière solide ", notion qui fait référence à l'effet de volume que la projection contrôlée de plans lumineux produit dans une salle d'exposition.
L'artiste réalise ainsi des formes qui se déplacent de manière hypnotique et intangible dans la pénombre de la salle. Dialoguant résolument avec les œuvres de Richard Serra et Lucio Fontana dans la Collection, cette exposition réunit un ensemble d’œuvres dans une configuration sans précédent, conçue spécifiquement pour le Musée. Elles seront agrémentées de documents entièrement inédits issus de ses archives, qui permettront de replacer ses recherches dans leur contexte au fil des dernières décennies.
Salle :103 
Commissaire : Manuel Cirauqui
 
Anthony McCall 
Face à face (Face to Face), 2018 
Vue de l'exposition à Hepworth Wakefield, Royaume-Uni, 2018 
Photo : Darren O’Brien/Guzelian Pictures. Courtoisie de l’artiste

À l'occasion du dixième anniversaire du programme d'expositions consacré aux œuvres artistiques de l'image en mouvement, la galerie Film &amp; Vidéo

Anthony McCall : Fraction de seconde | Musée Guggenheim Bilbao

« La nature, la flore et la faune nous apprennent une infinité de choses et de valeurs si nous les observons avec attention&#8230; »

Artistes

Elssie Ansareo

« La Arboleda est l&#8217;un de ces lieux où notre présence et notre interaction vis-à-vis de l&#8217;environnement sont visibles et variées&#8230; »

Ibon Garagarza

« Mon activité d&#8217;éducatrice converge avec mon travail d&#8217;artiste. À travers les projets éducatifs, je mets en pratique certaines préoccupations et certains centres d&#8217;intérêt qui nourrissent ma propre démarche artistique&#8230; »

Maider López

« Ce projet repose sur des concepts et des méthodes artistiques, notamment l&#8217;abstraction, le symbolisme et les métaphores qui nous permettent de voir le monde sous un angle nouveau&#8230; »

Manu Muniategi

« Étudier le point commun entre l&#8217;histoire de l&#8217;art et l&#8217;alimentation a été au cœur de notre travail pendant cette année scolaire&#8230; »

Nerea Lekuona

« Cette année, nous avons vécu une expérience passionnante. La participation dynamique des élèves et des enseignants a inspiré la totalité du projet&#8230; »

Zaloa Ipiña

Apprendre à travers l’art

10 élèves de CM2 et 6ème, Colegio Escolapios Calasanz, Vitoria-Gasteiz  

De l’art qui se mange

16 élèves du CP à la 6ème, Colegio La Arboleda, Trápaga

Empreintes du passé et de l’avenir

21 élèves de CE1, Colegio Artatse, Bilbao

Paysages qui s’animent

21 élèves de CE1, Colegio Eretza Berri, Sodupe

Nature en transformation

17 élèves de CM2 et 6ème, Colegio Manuela Zubizarreta, Etxebarria

Prenons soin du potager

13 élèves de 6ème, Colegio Katalin Erauso, Donostia/San Sebastián

Ce qui nous unit

Apprendre à travers l’art est un programme pédagogique qui, au moyen d'une méthodologie à la fois originale et unique, fait de l'art un outil qui étaye le programme dispensé à l'école primaire. Pendant l'année scolaire 2023-2024, six artistes du Musée ont accompagné des élèves de 20 écoles différentes dans cette aventure créative au cours de 20 séances. Lors de ces rencontres, une série de projets artistiques ont permis d'aborder plusieurs thématiques notamment l'importance d'une alimentation équilibrée, la nécessité de tisser des liens ou encore avoir un regard innovant sur la nature et l'environnement. La vidéo, la peinture, la photographie et la sculpture ont été utilisées par ces écoliers pour explorer et appréhender la réalité et pour encourager leur esprit collaboratif, leur créativité et leur imagination. Nous avons invité les enfants à participer à leurs propres créations artistiques, tout en les poussant à s'interroger, à juger, à choisir, à essayer, à douter, à s'amuser, parfois aussi à se perdre et, même, à se tromper, puisque les erreurs sont la clé de toute évolution.
L'exposition des projets de ces élèves au Musée est la dernière phase de ce programme artistique et pédagogique. Pour l'occasion, les transformations et les phénomènes qui affectent la nature, l'identité locale, le rapport entre ce que nous avons en commun et ce qui est individuel, de même que la nécessité de prendre soin des autres, ont inspiré un grand nombre des propositions exposées ici. À l'extérieur de la salle, une vidéo retrace le cheminement artistique de cette année, et restitue l'essentiel de ce qui a été développé au sein des écoles et ce dès le début du projet. 
Pour clore cette aventure, l'exposition met en scène le travail accompli. C'est pour les visiteurs une occasion inespérée de découvrir des points de vue inédits, d'explorer des idées inspirantes et de ressentir la même excitation que les écoliers qui ont participé à ce projet au fur et à mesure qu'ils avançaient dans leurs réflexions et qu'ils se lançaient dans leurs créations. Le programme artistique du Musée associe régulièrement des activités liées à la réflexion sur l'environnement. Apprendre à travers l'art s'inscrit dans cette même logique de respect de l'environnement, aussi bien en matière des matériaux utilisés que des thématiques de travail de ces multiples projets.

Échange

AU MUSÉE

Vidéo de l'exposition

Apprendre à travers l’art est un programme pédagogique qui, au moyen d'une méthodologie à la fois originale et unique, fait de l'art un outil qui étaye le programme dispensé à l'école primaire. Pendant l'année scolaire 2023-2024, six artistes du Musée ont accompagné des élèves de 20 écoles différentes dans cette aventure créative au cours de 20 séances.

Apprendre à travers l’art | Musée Guggenheim Bilbao

Martha Jungwirth

Conférence

Occident

205. Objets et personnes

206. Voyages et évasion

207. L’animal comme iconographie

209. Histoire de l’art

Martha Jungwirth (Vienne, 1940) a défini son art comme une sorte de journal intime qui reflète son implication corporelle dans le processus de création. Chaque dessin, chaque toile est, à ses yeux, une extension dynamique de sa personne qui extériorise des structures intelligentes de lignes et de taches résultant de ses mouvements et ses émotions. Dans son travail, elle accorde de l’importance à la fluidité, à la transparence et à l’ouverture. La grandeur ne l’intéresse pas car elle préfère l’exploration des choses à l’état brut, sans embellissement ni censure.
L’œuvre de Jungwirth se situe là où le dialogue se noue entre la mémoire et la représentation. L’artiste traduit ses expériences vitales en formes plastiques qui reflètent des perceptions profondément personnelles. Par le biais de couleurs chargées d’émotion et d’une gestuelle qui évoque la source de son inspiration, on voit naître des compositions qui transcendent toute catégorisation stylistique, oscillant entre l’abstraction et une figuration subtile. Dans ce spectre artistique, certaines toiles présentent une profusion dense de coups de pinceau, 
tandis que d’autres se distinguent par l’économie des traits. Le résultat est une exploration de la tension patente entre l’abstraction et la représentation du monde physique.
Les premières œuvres de Jungwirth révèlent une approche singulière du viscéral et du subjectif, dominée par une fusion entre l’expressionnisme abstrait et une qualité brute et émotive qui sera le germe du développement de son esthétique personnelle. Marquée par une évolution constante, sa production aborde des thèmes très variés allant de l’autoportrait introspectif au paysage, en passant par des événements mondiaux contemporains tels que les feux de forêt qui ont ravagé l’Australie en 2019 et 2020.
Composée de 70 œuvres, l’exposition débute par les premiers dessins de Jungwirth — une exploration des limites entre figuration et abstraction — et se termine par ses séries les plus récentes inspirées de Francisco de Goya et d’Édouard Manet. Suivant un parcours thématique, sont présentés dessins, aquarelles, peintures à l’huile et livres d’artiste réalisés sur divers supports, tels que le papier artisanal, les livres de comptabilité ou le carton. Ces matériaux insolites introduisent le hasard dans le processus créatif, favorisant la spontanéité et le dynamisme. La passion de Jungwirth pour l’exploration thématique et l’innovation plastique, qui lui permet de transcender et de repousser en permanence les limites de son expression artistique, explique sa position singulière dans le monde de l’art.
Salles : 205, 206, 207 Et 209 
Commissaire : Lekha Hileman Waitoller
 
Martha Jungwirth 
Maja I, de la série Francisco de Goya, Maja 
(Maja I, aus der Serie Francisco de Goya, Maja), 2021 
Huile sur papier, marouflé sur toile 
238,8 x 299,6 cm 
Brauner Collection 
© Martha Jungwirth, Bilbao, 2024 
Photo Sebastiano Pellion

Martha Jungwirth, geste et couleur

D´après des grands maitres

Dans l’atelier de Jungwirth à Vienne

Nous vous invitons à participer à une visite virtuelle de l’exposition Martha Jungwirth. Cette promenade comprend toutes les œuvres et les textes d’explication présentés au sein de l’accrochage.

Martha Jungwirth (Vienne, 1940) a défini son art comme une sorte de journal intime qui reflète son implication corporelle dans le processus de création.

Martha Jungwirth | Musée Guggenheim Bilbao

Pop Art de la collection Guggenheim 

Signes et objets. Pop Art de la Collection Guggenheim

Audio-guide

Visite guidée

BBK_new

Salles 203

Salles 202

Salles 208

"Apparu en Angleterre à la fin des années 1950, le mouvement pop s’est développé aux États-Unis, soutenu par certains critiques comme Lawrence Alloway. Écrivain et curateur d’art britannique, c’est lui qui, en 1958, invente le terme « Pop art » et qui organise, en 1963, l’exposition pionnière Six Painters and the Object au musée Guggenheim de New York. Et c’est précisément le titre qui avait été initialement prévu pour cette exposition, Signs and Objects, qui a été retenu pour présenter la sélection d’œuvres des Collections Guggenheim qui nous occupe.
Dans le contexte d’une Après-Guerre marqué par le dynamisme économique et l’émergence du consumérisme, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist et Andy Warhol, entre autres artistes, explorent le langage visuel de la culture populaire — terme dont est issu le nom de ce mouvement plastique — et s’inspirent de la publicité, des journaux, peu coûteuses et très populaires, des panneaux publicitaires, des films, des bandes dessinées et des vitrines des magasins. Par sa froideur détachée et son aspect dur et impersonnel, le Pop Art constitue une attaque directe contre la tradition vénérée du « grand art » et contre l’importance attribuée à la gestuelle ou au coup de pinceau plus libre et personnel défendu par les expressionnistes abstraits de la génération précédente, comme Jackson Pollock et Willem de Kooning. Les œuvres de cette exposition, dominées et parfois transformées par l’humour, l’esprit et l’ironie, peuvent être interprétées à la fois comme une célébration 
sans complexe et une critique cinglante de la culture populaire."
Salles : 201, 202, 203, 204 et 208 
Commissaires : Joan Young et Lauren Hinkson
 
Roy Lichtenstein 
Grrrrrrrrrrr !!, 1965 
Huile et Magna sur toile 
172,7 x 142,5 cm 
Solomon R. Guggenheim Museum, New York 
Donation de l’artiste, 1997 
© Solomon R. Guggenheim Foundation, New York. Tous droits réservés

Signes et Objets

Carton cycle de vie

Pop Artworks

Nous vous invitons à participer à une visite virtuelle de l’exposition SIGNES ET OBJETS. POP ART DE LA COLLECTION GUGGENHEIM. Cette promenade comprend toutes les œuvres et les textes d’explication présentés au sein de l’accrochage.

"Apparu en Angleterre à la fin des années 1950, le mouvement pop s’est développé aux États-Unis, soutenu par certains critiques comme Lawrence Alloway.

Signes et objets. Pop Art de la Collection Guggenheim | Musée Guggenheim Bilbao

3ème étage

Audioguide

Cette présentation de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao présente une sélection d’oeuvres fondamentales qui cristallisent des moments clé de l’histoire de l’art après la Seconde Guerre mondiale. Geste ambitieux visant à amplifier la résonance entre art et architecture, cette installation, faite de plusieurs des pièces majeures de la Collection, met en valeur l’architecture originale du bâtiment et elle est un chant aux espaces lumineux et dégagés du troisième étage du Musée.
Cette exposition s’inspire tout autant du fonds d’oeuvres singulières d’artistes individuels que des mouvements de l’histoire de l’art, bien illustrés par notre Collection. Ainsi, l’accrochage met en lumière des auteurs qui ont travaillé à l’avant-garde de leur époque et dont la contribution a été réellement déterminante dans leur domaine. Chaque salle donne l’occasion de contempler la production d’un artiste, ou de plusieurs, qui explorent des préoccupations partagées depuis différentes perspectives.
Certaines salles sur cet étage montrent des installations conçues pour un emplacement spécifique ou des pièces uniques à caractère expérientiel, comme les espaces dédiés à Sol LeWitt et El Anatsui. L’oeuvre de ce dernier, Mer montante, est une sculpture contemporaine d’une grande importance dans la carrière de l’artiste africain. C’est aussi la dernière acquisition de la Collection. D’autres salles accueillent des montages thématiques sur l’émergence de l’art abstrait après la Seconde Guerre mondiale, ainsi que sur les rapprochements effectués entre art abstrait et spiritualité. Certaines salles abordent des langages artistiques ultérieurs, déployés de 1960 à 1980, par exemple l’art pop et la présence du populaire dans la création contemporaine. Une documentation historique sur ces courants artistiques et sur les auteurs qui y ont contribué vient compléter le tout.
Salles : Troisième étage 
Commissaire : Lekha Hileman Waitoller

Si les murs pouvaient parler...

El Anatsui

Jenny Holzer

Jeff Koons

Sol Lewitt

Œuvres de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao

Cette présentation de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao présente une sélection d’oeuvres fondamentales qui cristallisent des moments clé de

Œuvres de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao | Musée Guggenheim Bilbao

Iberdrola

Lorsque l'artiste suédoise Hilma af Klint (1862–1944) a commencé à peindre des toiles radicalement abstraites en 1906, elles ne ressemblaient à rien de ce qui s’avait fait auparavant : il s'agissait de peintures audacieuses et colorées, sans références identifiables par rapport au monde physique. Plusieurs années s’écoulèrent avant que d'autres artistes ne suivent la même voie et expriment leur volonté de s'affranchir de la représentation dans leurs œuvres. Hilma Af Klint a rarement exposé ses peintures en public étant persuadée que le monde n'était pas prêt, elle est allée jusqu'à exiger qu'elles ne soient exposées que vingt ans après sa mort.
Son travail était devenu quasiment invisible jusqu'en 1986, et ce n'est qu'au cours des dernières décennies que ses toiles et ses œuvres sur papier ont obtenu la reconnaissance qu'elles méritaient. Hilma af Klint propose au Musée Guggenheim Bilbao de découvrir en profondeur son œuvre, en se focalisant sur des années charnières (1906–20), au cours desquelles elle a commencé à peindre des toiles non objectives et extraordinairement imaginatives. Ce corpus original nous invite à repenser la modernité et toute son évolution.
Salles : Deuxième Étage 
Commissaires : Tracey R. Bashkoff Et Lucía Agirre
 
Hilma af Klint 
Groupe VI, Évolution, no. 16, Série WUS/Étoile à sept branches (Grupp VI, 
Evolutionen, nr 16, Serie WUS/Sjustjärnan), 1908 
Huile sur toile 
102 x 133 cm 
The Hilma af Klint Foundation, Stockholm HaK 84

Hilma af Klint

Lorsque l'artiste suédoise Hilma af Klint (1862–1944) a commencé à peindre des toiles radicalement abstraites en 1906, elles ne ressemblaient à rien de ce

Hilma af Klint | Musée Guggenheim Bilbao

Paul Pfeiffer : Prologue à l'histoire de la naissance de la liberté retrace vingt-cinq ans de pratique artistique de Paul Pfeiffer, artiste né en 1966 à Honolulu, Hawaï, et vivant à New York. Cette exposition rend hommage à un pionnier réputé pour son travail percutant, qui interroge les notions de spectacle, d'appartenance et de différence. S’inspirant des grands événements télévisés autour du sport et du divertissement, l'œuvre de Pfeiffer se sert d’un habile montage de séquences vidéo récupérées pour déconstruire notre obsession et notre fascination pour le culte de la célébrité et dévoile la manière dont la conscience collective est façonnée et manipulée. En retraçant la trajectoire mondiale de la circulation des images, Pfeiffer démontre comment le désir, l’héroïsme et le culte font partie des mécanismes de l’art, de la religion, de la politique et de la nationalité.
De ses premières vidéos les plus marquantes aux œuvres les plus récentes et révolutionnaires dans le domaine de la photographie, l'installation et la sculpture, l'exposition place Pfeiffer au rang des artistes les plus influents d'aujourd'hui. Ses œuvres les plus emblématiques sur des moniteurs LCD et des projecteurs miniatures, notamment Fragments de la crucifixion (d'après Francis Bacon) [Fragments of a Crucifixion (After Francis Bacon), 1999], Jean 3:16 (John 3 :16, 2000), et la trilogie Le long compte (The Long Count, 2000–01), sont présentées à côté des projections à grande échelle et des installations immersives, telles que Les Saints (The Saints, 2007), une reconstitution audiovisuelle de la finale de la Coupe du monde 1966 entre l'Angleterre et la République Fédérale d’Allemagne, et Rouge Vert Bleu (Red Green Blue, 2022), l'œuvre vidéo la plus récente de l'artiste. L’exposition permet également d’admirer pour la première fois des sculptures récemment commandées pour la série Incarnator, sur laquelle Pfeiffer travaille actuellement, en collaboration avec des « encarnadores » (« incarnateurs ») ou sculpteurs des Philippines, d’Espagne et du Mexique. Pfeiffer représente la popstar Justin Bieber sous les traits du Christ, le convertissant ainsi en icône religieuse. La production de ces sculptures fait le lien entre les routes commerciales coloniales du XVIe siècle et les réseaux mondiaux actuels.
Il s'agit de la première rétrospective de l'artiste aux États-Unis, et la présentation au Musée Guggenheim Bilbao sera la plus grande exposition européenne de l'artiste.
Salles : 103 Et 105 
Sièges : Moca, Los Ángeles; Musée Guggenheim Bilbao
 
Paul Pfeiffer 
Four Horsemen of the Apocalypse (07)], 2002 
DuraFlex Digital print, 121.9 x 152.4 cm 
© Paul Pfeiffer, Bilbao, 2024. Courtesy of the artist; Paula Cooper Gallery, Nueva York; carlier | gebauer, Berlín/Madrid; Perrotin; and Thomas Dane Gallery, London

Paul Pfeiffer. Prologue à l’histoire de la naissance de la liberté

Paul Pfeiffer : Prologue à l'histoire de la naissance de la liberté retrace vingt-cinq ans de pratique artistique de Paul Pfeiffer, artiste né en 1966 à

Paul Pfeiffer. Prologue à l’histoire de la naissance de la liberté | Musée Guggenheim Bilbao

18€ Adulte - 9€ Retraité - 9€ Étudiants

L&#8217;initiative TopARTE du Musée Guggenheim Bilbao confirme son engagement auprès  des organisations et des institutions culturelles de notre environnement immédiat. Le résultat de cette collaboration fructueuse est un programme varié, multidisciplinaire, riche en contenu et en formats qui s’adresse à tous les publics.
Dans le cadre de ce projet, plusieurs activités sont ainsi présentées au Musée couvrant des disciplines aussi diverses que l&#8217;architecture, le cinéma, la danse, le design, la gastronomie, la musique, les performances et le théâtre.

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Expositions

Yoshitomo Nara

28.06.2024 - 03.11.2024

Anthony McCall : Fraction de seconde

19.06.2024 - 10.11.2024

Apprendre à travers l’art

17.06.2024 - 15.09.2024

Martha Jungwirth

07.06.2024 - 22.09.2024

Signes et objets. Pop Art de la Collection Guggenheim

16.02.2024 - 15.09.2024

Œuvres de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao

24.01.2023 - 31.12.2024

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