Une journée au musée

1^er étage, Atrium

L’Atrium, le cœur du bâtiment, combine l’extérieur et l’intérieur. Les passerelles qui l’entourent offrent de superbes points de vue sur les œuvres d’art.

Premier étage, salle 104

On peut expérimenter et agir sur le temps et l’espace en parcourant l’intégralité de l’installation de Richard Serra, intitulée La Matière du temps (1994-2005).

Premier étage, Atrium

Les œuvres à emplacement spécifique réalisées par des artistes contemporains dialoguent avec les espaces intérieurs et extérieurs du bâtiment conçu par Frank Gehry et constituent une part importante de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao.

Plaza

Si vous avez besoin d’une pause ou d’une collation, arrêtez-vous au Bar Guggenheim Bilbao, situé à côté du Bistró, place du Musée.

Extérieur

De la terrasse qui surplombe l’estuaire, à côté de l’Atrium, on peut voir à quel point le Musée épouse parfaitement l’environnement urbain, grâce aux matériaux utilisés (titane, verre et calcaire) et grâce au dialogue entretenu entre les édifices et structures des alentours.

3ème étage

Au troisième étage est présentée l’exposition Œuvres de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao, qui nous plonge au cœur de certains des mouvements les plus importants de la seconde moitié du XXe siècle et du début du XXIe siècle, à travers les réalisations d’artistes aussi prestigieux que Cristina Iglesias, Sol LeWitt et Mark Rothko de la collection du Musée Guggenheim Bilbao.

Restaurants

Le Musée dispose aussi de deux restaurants pour vous permettre de vivre des expériences culinaires de qualité : le Nerua Guggenheim Bilbao, un restaurant de haute cuisine et le plus cool Bistró du Guggenheim Bilbao.

Premier étage

La librairie-boutique du musée propose un large éventail d’objets design, de catalogues, publications et cadeaux en tout genre. Les Amis du Musée y bénéficieront de réductions. Pour plus de confort, vous pouvez également visiter la boutique en ligne.

11.04.2025–28.09.2025

L’exposition Helen Frankenthaler : Peinture sans règles, présentée dans la salle 105, rend hommage à l’une des grandes figures de la peinture abstraite nord-américaine du XXe siècle. À travers un parcours en plusieurs étapes retraçant sa vie et son œuvre, vous découvrirez la liberté créative de Helen Frankenthaler (1928–2011) qui a repoussé les frontières de l’abstraction et ouvert de nouvelles voies artistiques.

La visite débute dans les années 1950, quand la jeune Helen Frankenthaler, influencée par Jackson Pollock, met au point la technique révolutionnaire du soak-stain (tremper et tâcher) qui consiste à verser de la peinture diluée directement sur la toile brute. Cette méthode permet de créer des surfaces fluides, translucides et immersives. Dans les années 1960, sa peinture gagne en lisibilité et en structure : les grands formats de cette période montrent des couleurs qui évoluent librement, portées par un rythme qui leur est propre. Puis, dans les années 1970 et 1980, ses œuvres s’imprègnent de lumière, d’éléments marins et d’une certaine quiétude, comme en témoigne Lumière orientale (Eastern Light, 1982), qui illustre une période empreinte de douceur et d’une grande sensibilité aux atmosphères.

L’exposition retrace par ailleurs une histoire parallèle : celle des liens personnels et artistiques qu’elle a tissés avec des artistes comme Mark Rothko, Robert Motherwell, David Smith ou Anthony Caro. Leurs œuvres, aussi présentées ici, témoignent d’une amitié profonde, d’échanges d’idées et d’une admiration réciproque. Dans la dernière phase de sa carrière, ses œuvres sur papier deviennent plus intimes, plus épurées — une manière pour l’artiste de rester fidèle, jusqu’au bout, à son crédo artistique : peindre sans règles.

Living Architecture : Gehry

7 mars – 19 octobre 2025

La salle 208 inaugure In Situ, un programme d’expériences artistiques innovantes conçues spécifiquement pour ce lieu, en interaction avec l’architecture du musée.

À cette occasion, l’œuvre “Architecture vivante : Gehry” (Living Architecture : Gehry, 2025), de Refik Anadol, un artiste pionnier dans l’esthétique des données, s’inspire du langage architectural de Frank Gehry pour créer une expérience immersive unique, où l’intelligence artificielle réinterprète et réinvente les formes des bâtiments.

En utilisant des données en accès libre obtenues de manière éthique et des modèles avancés d’IA développés par son studio, Anadol explore la capacité des machines à “rêver”, produisant des images qui évoluent en permanence, transformant l’information en configurations abstraites fascinantes. Divisée en six volets thématiques, cette œuvre, pensée pour immerger le visiteur dans la grande salle 208, remet en question notre perception et nous invite à réfléchir à l’impact de l’intelligence artificielle, sur la créativité dans le futur et sur notre manière d’analyser le monde à travers la technologie. Cette exposition s’accompagne également de l’espace éducatif Didaktika, situé dans la salle 204, où des ressources audiovisuelles permettent d’approfondir le processus créatif que Refik Anadol développe avec son équipe pluridisciplinaire.

03.04.2025 – 07.09.2025

La salle Film & Vidéo, destinée à l’art vidéo et à l’image en mouvement, présente une nouvelle rencontre entre les travaux de Vito Acconci (New York, 1940-2017) et Sergio Prego (Donostia-San Sebastián, 1969), fruit de l’amitié et de la collaboration qui s’est nouée entre eux alors qu’ils collaboraient au Studio Acconci, à New York, entre 1996 et 2002.

Bien qu’appartenant à des générations différentes, ces deux artistes partagent l’idée que l’action du corps ne fait pas qu’occuper un lieu, mais le transforme également. Acconci a abordé cette notion en s’intéressant aux gestes de la vie quotidienne, tandis que Prego le fait à travers ses célèbres interventions sculpturales qui modifient les espaces.

La visite commence dans le vestibule de la salle 103, où le document sonore Running Tape (1969) de Vito Acconci interagit avec plusieurs vidéos monocanal de Sergio Prego. Dans la partie principale, la salle se transforme en un espace interactif à travers une scénographie conçue par Prego pour l’occasion. Le visiteur est invité à déambuler dans l’espace, laissant le corps, l’architecture, l’image et l’action dialoguer avec les œuvres d’Acconci, projetées sur les surfaces inhabituelles de l’installation.

28 février–1^er juin

L’exposition Chefs-d’œuvre sur papier à Budapest invite les visiteurs à découvrir sept siècles d’art européen tout en appréciant l’histoire des fonds du Musée des beaux-arts de Budapest. Une sélection d’œuvres rarement exposées pour des raisons de fragilité illustre l’évolution des techniques du dessin, de la gravure, de la xylographie et de la lithographie sur papier à travers l’histoire.

La salle 205 regroupe des dessins de peintres comme Raphaël et Rubens, qui recherchaient la perfection anatomique et la dramaturgie de la composition. Leurs études et esquisses nous offrent un aperçu du processus créatif qui a abouti à la réalisation de leurs chefs d’œuvres.

La visite se poursuit dans la salle 206, qui nous plonge au XVIIIe siècle : le papier devient alors un espace d’expérimentation pour saisir la nature et la vie quotidienne avec une grande délicatesse. Les paysages et les scènes de voyage sont autant de regards sensibles et ouverts sur l’environnement dans lequel évoluaient les artistes.

Dans la salle 207, des artistes comme Van Gogh et Schiele ont exploré les émotions humaines en utilisant un style libre et expressif, saisissant comme jamais auparavant une vision profonde de la psyché humaine.

L’exposition a pour point culminant la salle 209, qui montre la rupture de la tradition qui eut lieu au 20e siècle. Des artistes comme Vasarely et Richter étudient l’abstraction, la ligne et la forme pour ouvrir de nouvelles voies d’expression qui ont été reprises dans l’art de notre époque.

21 février–1^er juin 2025

Dans les salles 202 et 203 du premier étage, vous découvrirez l’exposition rétrospective consacrée à l’une des pionnières du mouvement moderniste au Brésil, Tarsila do Amaral (1886-1973).

L’exposition retrace l’ensemble de la carrière de cette artiste brésilienne, allant de ses premières œuvres, qui incluent des exercices académiques et des paysages impressionnistes, à ses représentations saisissantes de la campagne brésilienne et différentes scènes montrant l’urbanisation galopante du pays à partir des années 1920.

Tarsila a vécu et s’est formée en Europe durant de longues périodes. Ses années à Paris, alors capitale artistique de l’avant-garde, marquée par l’innovation et l’expérimentation, l’ont amenée à intégrer le cubisme, en fragmentant les formes pour réinterpréter ses propres origines : elle a relevé le défi qui consistait à adopter le style parisien tout en s’efforçant de définir son identité brésilienne selon une approche moderne, reposant sur le métissage des cultures.

Ses voyages au Brésil ont ravivé le lien vis-à-vis de son pays d’origine et lui ont inspiré des œuvres comme Carnaval à Madureira (1924), qui illustrent par des couleurs vives et des formes géométriques certaines traditions précoloniales et des scènes populaires. Par la suite, son œuvre devient plus critique et poétique. Des tableaux comme Ouvriers (1933) témoignent de la réalité sociale brésilienne dans des tons plus sobres, reflétant la réalité des travailleurs.