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Exposiciones | Guggenheim Bilbao Museoa

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June Crespo. Vascular

Conferencia

Audioguía

June Crespo

La práctica escultórica de June Crespo (Pamplona, 1982) se sitúa voluntariamente en la encrucijada de múltiples caminos y líneas de investigación contemporáneas. Por un lado, establece un diálogo transformador con los conceptos que han marcado el arte vasco de las últimas décadas, “pares móviles” como la abstracción y el gesto, lo trágico y lo opaco, la ligereza y la extrañeza. Igualmente se hace cargo de cuestiones cuya urgencia estaba ausente de los grandes debates hasta hace relativamente poco, particularmente en lo que respecta a la sensibilidad feminista y la conciencia de la devastación que el modo de vida moderno ha llevado a la naturaleza, ya plenamente sometida a los ciclos de producción y reproducción industrial y posindustrial, y a las abrasiones del Antropoceno.
El carácter vivo y activo de la materialidad ha acompañado la práctica de Crespo hasta hoy y se encuentra en la base del proyecto de la exposición Vascular, que se presenta en el Museo Guggenheim Bilbao con la idea de ofrecer una perspectiva sobre la obra de la artista invitándola, a la vez, a explorar dimensiones hasta hoy inéditas en su práctica. Acaparando y amalgamando elementos de muy diverso orden —moldes extraídos de plantas, ropas o telas usadas, piezas de construcción, vaciados de hormigón, revistas— y llevándolos a drásticos ensamblajes y alteraciones de escala, las esculturas de June Crespo subrayan el fuerte contraste del material vivido con los elementos estructurales que cercan y canalizan nuestra existencia, ya sean conductos, chapas, moldes o encofrados. En ellos se acoplan tallos o quedan atrapados en sus junturas piezas textiles o papeles, y también pueden leerse rastros de operaciones técnicas, erosiones y accidentes. Unidos por tensores o simplemente apoyados unos sobre otros, tales elementos se interrogan mutua e incesantemente.
Junto a una selección de obras de los últimos siete años, la exposición Vascular se articula en torno a una nueva y extraordinaria producción en la cual convergen formas, gestos y preguntas recurrentes en muchas series de Crespo. Ejemplos de ello pueden ser el uso escultórico o incluso arquitectónico de las imágenes fotográficas, convertidas en grandes impresiones de suelo; o la presentación de soportes de la producción industrial o la construcción, como mesas de trabajo, escaleras o plataformas elevadoras, que sirven de base a la proliferación de formas vegetales, tubulares y cilíndricas en el espacio. Vascular no solo quiere indicar la comunicación interna dentro de cada pieza de June Crespo, sino que también sugiere transmisiones entre todas las obras incluidas en el proyecto. Estas actúan como vasos comunicantes y redes capilares tanto a nivel de los materiales como de las escarificaciones y marcas que Crespo hace emerger a la superficie de la escultura.
Sala: 105 
Comisario: Manuel Cirauqui
 
June Crespo 
Vascular (5), 2024 
Chapa lagrimada de acero curvada y alfombras 
150 × 300 × 293 cm 
Cortesía de la artista 
© June Crespo, Bilbao, 2024 
Imagen © FMGB Guggenheim Bilbao Museoa, foto Erika Barahona Ede

Biografía

Audiovisual

Vídeo de la Exposición

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de JUNE CRESPO. VASCULAR. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

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Visita Virtual

La práctica escultórica de June Crespo (Pamplona, 1982) se sitúa voluntariamente en la encrucijada de múltiples caminos y líneas de investigación

June Crespo. Vascular | Guggenheim Bilbao Museoa

Curso de arte online: Film & Video. La imagen en movimiento como medio artístico

Metahaven: Teoría del caos

Charla inaugural

Film & Video. La imagen en movimiento como medio artístico

Curso de arte online

Bajo el nombre Metahaven opera el afamado dúo de artistas afincados en Ámsterdam Vinca Kruk y Daniel van der Velden, fundadores en 2007 de un colectivo cuyos trabajos traspasan las fronteras del arte, la cinematografía y el diseño. Abarcando una amplia variedad de medios como la imagen en movimiento, la museografía, el grafismo y el discurso teórico, Metahaven es considerado un generador influyente de formas en el contexto de la cultura crítica y post-digital contemporánea.
Entre sus más recientes producciones cinematográficas, Teoría del caos (Chaos Theory, 2021) es un conmovedor poema audiovisual centrado en el diálogo y evoluciones de dos personajes: X (Valentina Di Mondo) e Y/Z (Georgina David/Luciede Bréchard), en su reflexiva confrontación con el mundo contemporáneo y sus flujos de eventos interconectados. Evitando el lenguaje narrativo convencional y las lógicas binarias de la tecnología de la información, Teoría del caos opera como un relato no lineal que desafía las divisiones entre ficciones y hechos, realidades y sueños compartidos. Filmado en las afueras de Ámsterdam, el definido paisaje de la película contrasta con sus escenas de ensoñación y el carácter abierto y poético de su guión. Asimismo, el planteamiento inédito de la instalación de esta obra rompe las fronteras físicas de la pantalla por medio de una pieza textil que se expande en la galería principal del Museo. Los materiales tejidos se hacen eco de los objetos y patrones visuales que aparecen en la historia, haciendo referencia a puntos de datos y vectores gráficos que se funden en una gruesa textura que recuerda, también en sus colores, a las tapicerías de uso habitual en los transportes públicos.
La video instalación de Metahaven está igualmente asociada a una multiplicidad de piezas bordadas y objetos presentados en la antesala y entendidos como documentos y fotogramas del proyecto fílmico. De este modo, la presentación de Teoría del caos viene acompañada por una selección de piezas de las series Flechas (Arrows, 2020) y Brotes (Blossoms, 2021), las cuales incluyen numerosos tapices de pequeño formato y bordados sobre bolsas de plástico y chaquetas deportivas, así como el tríptico de video y textil Vivir juntos en las historias (Living Together in Stories, (2022). En su yuxtaposición de paisajes oníricos, abstracciones gráficas y símbolos del mundo orgánico, los artistas nos invitan a revisar nuestras certezas y a imaginar un futuro definido por la empatía, las identidades fluidas y la interdependencia.
Sala: 103 
Comisario: Manuel Cirauqui
 
Metahaven 
Teoría del caos (Chaos Theory), 2021 
Película monocanal, 25 min (fotograma) 
Cortesía de los artistas

Bajo el nombre Metahaven opera el afamado dúo de artistas afincados en Ámsterdam Vinca Kruk y Daniel van der Velden, fundadores en 2007 de un colectivo

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Giovanni Anselmo: Más allá del horizonte

Giovanni Anselmo

Visita Guiada

Conferencia Inaugural

Plano de la exposición

Guía didáctica

Dirección (Direzione), 1967–68

Torsión (Torsione), 1968

Sin título (El algodón empapado se arroja contra el cristal y ahí permanece), 1968

Interferencia en la gravitación universal, 1969–2016

Invisible (Invisibile), 1971

Panorama con mano que lo indica, 1982–84

Hacia ultramar (Verso oltremare), 1984

Sin título, 1984

Giovanni Anselmo (Borgofranco d’Ivrea, 1934–Turín, 2023) comenzó su andadura artística en la Italia de la década de 1960. La reveladora experiencia que vivió en la cima del volcán Estrómboli una mañana de 1965 influyó radicalmente en su obra. Cuando los tempranos rayos de sol que apenas despuntaban en el horizonte proyectaron su sombra en la inmensidad del cielo, el artista tomó conciencia de ser parte integrante de un infinito universo en constante transformación. A partir de entonces, Anselmo centró su interés en el orden y el curso cíclico de los fenómenos naturales, de modo que la energía, el espacio, el tiempo, la orientación, los campos magnéticos o las fuerzas gravitacionales del planeta se convirtieron en temas recurrentes de su trabajo. Haciendo uso de materiales ya existentes, Anselmo ideó piezas que presentan, de forma activa y perceptible, tanto las energías latentes que nos rodean aquí y ahora como el carácter inconmensurable de las dinámicas que rigen el cosmos. Sus obras se sitúan en una frontera fascinante entre lo visible y lo invisible.
Esta exposición constituye un completo análisis de la práctica de un artista que, aun siendo considerado referente clave del Arte Povera, logró desarrollar su carrera eludiendo cualquier etiqueta o clasificación. Concebida como un recorrido, un flujo continuo, la muestra conecta entre sí de una manera nueva las obras más emblemáticas de la trayectoria de Anselmo con otras creadas específicamente para esta ocasión. El artista estuvo profundamente involucrado en la concepción de esta muestra hasta unos días antes de su fallecimiento, el pasado mes de diciembre. Por eso, más que nunca, el objetivo de Giovanni Anselmo. Más allá del horizonte es transmitir fielmente la profundidad de su vitalidad, la grandeza de su legado y el sentido de su aportación.
Salas: 205, 206, 207 y 209 
Comisaria: Gloria Moure 
Exposición organizada por el Museo Guggenheim Bilbao
 
Giovanni Anselmo 
Sin título (El algodón empapado se arroja contra el cristal y ahí permanece 
[Senza titolo (Il cotone bagnato viene buttato sul vetro e ci resta)], 1968 
Vidrio, algodón, cubo de zinc, saco, agua y serrín 
210 x 210 x 50 cm 
The Sonnabend Homem Collection. Préstamo a la Fundação de Serralves – 
Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Oporto 
© Giovanni Anselmo 
Foto © Filipe Braga

Didaktika

Haciendo Visible lo Invisible

En el Museo

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de Giovanni Anselmo: Más allá del horizonte. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

Giovanni Anselmo (Borgofranco d’Ivrea, 1934–Turín, 2023) comenzó su andadura artística en la Italia de la década de 1960. La reveladora experiencia que

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Gego. Midiendo el infinito

Occident

Primeras Obras (1951–55)

Líneas paralelas (1957–67)

El Taller de litografía Tamarind y estudios sobre retículas (1963–70)

Chorros, Troncos, Esferas y otras tipologías en retícula (1969-88)

Textiles (1956–88)

Dibujos sin papel (ca. 1976–88)

Últimas obras: Tejeduras, Bichos y Bichitos (1987–91)

El Museo Guggenheim Bilbao presenta la exposición Gego. Midiendo el infinito, una retrospectiva que ofrece una visión integradora del trabajo de la artista germano-venezolana Gertrud Goldschmidt (Hamburgo, 1912–Caracas, 1994), también conocida como Gego, y su singular enfoque del lenguaje de la abstracción. Organizada de forma cronológica y temática, la exposición analiza las aportaciones formales y conceptuales de la artista a través de su obra de formas orgánicas, estructuras lineales y abstracciones modulares.
La muestra incluye cerca de 150 objetos que datan de los inicios de la década de 1950 y llegan hasta el comienzo de los años noventa, como esculturas, dibujos, grabados, textiles y libros de artista, además de imágenes fotográficas de instalaciones y obra pública, bocetos, publicaciones y cartas. Este análisis sitúa la práctica de Gego en los distintos contextos artísticos latinoamericanos que atraviesa su extensa carrera y examina las intersecciones y rupturas con movimientos internacionales clave, como la Abstracción Geométrica y el Arte Cinético.
Gego nace en el seno de una familia alemana judía y se forma en arquitectura e ingeniería en la Technische Hochschule Stuttgart (actualmente, Universidad de Stuttgart). En 1939 huye de la persecución nazi y emigra a Venezuela, donde se asienta definitivamente y en 1953 inicia una carrera dedicada al arte que se prolonga durante más de cuatro décadas. En sus obras en dos y tres dimensiones, que trabaja en diversos medios, la artista explora la relación entre la línea, el espacio y el volumen. Su compromiso con otros campos relacionados, como la arquitectura, el diseño y la educación, complementa su investigación.
Gego es una de las artistas más significativas de la escena latinoamericana de la segunda mitad del siglo XX y su trayectoria artística traza un camino marcadamente individual que se resiste a cualquier categorización. Aporta ideas radicales a través de sus investigaciones de los sistemas estructurales y, en su singular corpus artístico, aborda metódicamente la transparencia, la tensión, la fragilidad, las relaciones espaciales y los efectos ópticos del movimiento. Esta retrospectiva histórica pone de relieve la amplitud de su práctica multidisciplinar y aporta una mayor comprensión y apreciación de la artista y su obra en un contexto global.
El Museo agradece a la Fundación Gego y sus directores, Tomás Gunz y Barbara Gunz, así como el Consejo y el personal de la fundación por su gran apoyo y colaboración a la exposición.
Sala: 105 
Comisaria: Geaninne Gutiérrez-Guimarães 
Sedes: Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand–MASP; Museo Jumex, Mexico City; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Museo Guggenheim Bilbao 
La exposición está organizada por el Museo Guggenheim Bilbao, en colaboración con el Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York; Museo Jumex, Ciudad de México; y Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand–MASP. La exposición fue desarrollada por Julieta González, Directora Artística, Instituto Inhotim, Brumadinho, Brasil; Geaninne Gutiérrez-Guimarães, Curator Asociada, Museo Guggenheim Bilbao y Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation, Nueva York; y Pablo León de la Barra, Curator at Large, Latinoamérica, Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation, Nueva York; en colaboración con Tanya Barson, ex Conservadora Jefa, Museu d’Art Contemporani de Barcelona; y Michael Wellen, Curator Senior, Arte Internacional, Tate Modern, Londres.
Gego en montaje de Reticulárea, Museo de Bellas Artes, Caracas, 1969 
Foto: Juan Santana 
© Fundación Gego

In Focus Gego

Biografía de Gego

Geglosario

Documental 365

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de GEGO. Midiendo el infinito. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

El Museo Guggenheim Bilbao presenta la exposición Gego. Midiendo el infinito, una retrospectiva que ofrece una visión integradora del trabajo de la

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Marine Hugonnier

Conversación con la artista

Marine Hugonnier: Informes de campo

La programación de la sala Film &amp; Video del Museo Guggenheim Bilbao está dedicada a las prácticas artísticas contemporáneas vinculadas con la imagen en movimiento.
A través de sus obras de base cinematográfica, Marine Hugonnier (París, 1969) explora la manera en que las ideologías, los deseos y los discursos confluyen en las formas de representación artística. Su trabajo, una investigación en torno a la política de la visión, pretende esclarecer los mecanismos subyacentes del poder en la época capitalista actual; un periodo en el que la aceleración económica y las tecnologías de reproducción de imágenes han evolucionado a la par, manteniendo profundos sesgos colonialistas y patriarcales.
Antropóloga de formación, Hugonnier emplea en su obra estrategias procedentes del documental y de la ficción. El elemento central de esta exposición es la película Meadow Report (‘Informe del campo’) (2021), una representación de los famosos jardines de Giverny en los que el pintor impresionista Claude Monet creó el entorno artificial donde, en las últimas décadas de su vida, pintaría sus célebres Nenúfares mientras su vista empeoraba debido a las cataratas. Hugonnier sitúa su cámara al atardecer en mitad del lago, en busca de una perspectiva que no puede identificarse con la humana, para observar el jardín, los perfiles de las hojas de los nenúfares y el icónico puente verde de Monet. En un momento decisivo, la lente de la cámara es retirada de esta con el fin de poner la película analógica directamente en contacto con el entorno. La imagen abstracta resultante refleja las luces brillantes y los movimientos de los seres presentes en la tranquila noche de verano. El título de la pieza nos invita a considerar esta operación a la luz de la actual crisis medioambiental, aludiendo a uno de los primeros documentos publicados sobre el cambio climático conocido como “Informe Meadows” (1972), que predecía las catastróficas consecuencias de la continua y desenfrenada explotación de los recursos de la Tierra.
En la antesala de esta muestra, la fotografía de gran escala Hacia el mañana (2001) ofrece una imagen tomada por Hugonnier mirando hacia Siberia (Rusia) desde el lado estadounidense del estrecho de Bering, en Alaska, y atravesando la línea internacional de cambio de fecha. A pesar de que ambos lugares están separados por apenas 65 kilómetros, el huso horario de Siberia va 24 horas por delante del de Alaska. Mientras que toda fotografía es un registro del pasado, esta captura también una vista del futuro. Frente a esta pieza se encuentra El deseo no es gran cosa, y sin embargo… (2015), un estudio de la escultura clásica romana Hermafrodito durmiente que pertenece al Museo del Louvre de París. Hijo de Afrodita y Hermes, Hermafrodito es un personaje de la mitología griega. El filme de Hugonnier revela su cuerpo a medida que la cámara recorre las curvas de la escultura de mármol, cuyos pies y labios han sido animados digitalmente. El bucle continuo de película en blanco y negro se ve interrumpido por breves secuencias en color. Socavando una vez más el “naturalismo” del registro fílmico, la película de Hugonnier trata de vislumbrar el deseo en un cuerpo que trasciende las convenciones binarias, invitando al público a considerar, de manera crítica, la posibilidad de una mirada sin sesgo de género.
Marine Hugonnier nació en París y en la actualidad reside en Londres. Su obra ha sido expuesta internacionalmente, incluyendo presentaciones individuales en instituciones como el Jeu de Paume en París, la Villa Romana en Florencia, Kunstverein Brauschweig, Die Tankstelle Berlin, Konsthall Malmö, y la 52a Bienal de Arte de Venecia. Hugonnier ostenta igualmente un doctorado y es Professor for Moving Image and Fictional Form en la Universidad de Artes y Diseño de Karlsruhe, Alemania.
Sala: 103 
Comisario: Manuel Cirauqui
Marine Hugonnier 
Meadow Report, 2021 
Film 35mm, color, sonido 
Courtesy the artist 
© Marine Hugonnier

La programación de la sala Film &amp; Video del Museo Guggenheim Bilbao está dedicada a las prácticas artísticas contemporáneas vinculadas con la imagen

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Picasso escultor. Materia y Cuerpo

Picasso escultor. Materia y cuerpo

La dama oferente

Dibujos en el espacio

Las damas de Boisgeloup

El laboratorio de escultura

La mano de Picasso

El “arte encontrado” de Picasso

Picasso y la guerra

Mujer encinta

Niña saltando a la comba

Último periodo: la escultura pictórica

Pablo Picasso (1881–1973) trabajó la escultura prácticamente desde los inicios de su dilatada trayectoria. Para el artista malagueño, no se trataba de un medio de un rango menor, sino de una forma de expresión equiparable a la pintura, el dibujo o el grabado. En su práctica, no existían artes mayores y menores, sino diferentes lenguajes y materiales que le permitían transmitir aspectos diversos de su creación. El cuerpo, objetivo último de la representación e instrumento principal de Picasso a lo largo de su carrera, es el pilar fundamental de esta exposición, que se enmarca dentro de los actos de conmemoración del 50º aniversario de su fallecimiento.
Esta selección de esculturas abarca la pluralidad de estilos que Picasso utilizó para representar las formas del cuerpo humano, deconstruyéndolo con el fin de recomponerlo. En ese empeño, se sirvió indistintamente de la totalidad de los medios y objetos a su alcance, integrándolos en un conjunto inédito hasta entonces. El escultor Julio González situaba la mirada escultórica de Picasso en la génesis de su trabajo: “He observado muchas veces que no hay forma que le deje indiferente. Él mira todo, en todo momento, porque todas las formas representan para él algo; y ve todo como escultor […]. En mi opinión, el lado misterioso, el centro neurálgico, si se le puede llamar así, de la obra de Picasso está en la ‘escultura’ […] que tanto ha dado que hablar de su obra, que tanta gloria le ha proporcionado”.
Salas: segunda planta 
Comisarias: Carmen Giménez y Lucía Agirre 
Sedes: Museo Picasso Málaga, Museo Guggenheim Bilbao 
Exposición organizada por el Museo Guggenheim Bilbao en colaboración con el Museo Picasso Málaga
Pablo Picasso 
Figura: proyecto para un monumento a Guillaume Apollinaire, 1928 
Alambre de hierro y chapa 
59,5 x 13 x 32 cm 
Musée national Picasso-Paris, donación de Pablo Picasso, 1979, 
nº. inv.: MP265 
Fotografía: © RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) / Adrien Didierjean 
© Succesión Pablo Picasso

Picasso escultor

Del Non-Finito al Cubismo

Los Yesos de Boisgeloup

Bronces Clandestinos

Cerámicas

Ensamblajes

Esculturas de chapas y esculturas monumentales

Proyectos públicos

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Pablo Picasso (1881–1973) trabajó la escultura prácticamente desde los inicios de su dilatada trayectoria. Para el artista malagueño, no se trataba de un

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Audioguia Yayoi Kusama

Audioguía Yayoi Kusama

Yayoi Kusama: desde 1965 hasta hoy

Iberdrola

Autorretrato

Infinito

Acumulación

Conectividad Radical

Lo Biocósmico

Muerte

La Fuerza de la Vida

Sala de Espejos del Infinito

“¿Qué significa vivir una vida? Me pierdo en este pensamiento cada vez que creo una obra de arte”.
“Disolución y acumulación, propagación y separación, obliteración particulada y reverberaciones ocultas procedentes del universo: estos iban a ser los cimientos de mi arte, y ya estaban cobrando forma en aquellos tiempos”. 
La artista y escritora japonesa Yayoi Kusama (Matsumoto, Nagano, 1929) es una figura singular admirada por los historiadores de arte por su pionera trayectoria, que abarca múltiples movimientos artísticos desde los años sesenta hasta el momento actual. Convertida en verdadero icono cultural a nivel global, en las últimas siete décadas Kusama se ha consagrado a su visión vanguardista con convicción, perfeccionando su personal estética, que es fiel reflejo de su filosofía vital. 
Esta exposición se centra en las cuestiones existenciales que impulsan las exploraciones creativas de Kusama. A través de sus pinturas, dibujos, esculturas, instalaciones y material documental sobre sus happenings y performances, la muestra ofrece un análisis en profundidad de su práctica, desde los primeros dibujos que realizó siendo adolescente durante la Segunda Guerra Mundial hasta sus últimas instalaciones inmersivas con espejos. Organizada siguiendo criterios cronológicos y temáticos, Yayoi Kusama: desde 1945 hasta hoy aborda los seis temas clave que atraviesan la vida de la artista: Infinito, Acumulación, Conectividad radical, Lo biocósmico, Muerte y La energía de la vida. Estos temas interrelacionados aparecen y evolucionan dentro del universo obsesivo de Kusama, quien lleva décadas agitando la escena artística y la sociedad para favorecer la “sanación de toda la humanidad”.
Salas: 103 y 105 
Comisariado: Doryun Chong y Mika Yoshitake en colaboración con Lucía Agirre 
Sedes: M+, Hong Kong y Museo Guggenheim Bilbao 
Exposición organizada por M+, Hong Kong, en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao
Yayoi Kusama 
Auto obliteración (Self Obliteration), 1966–1974 
Pintura en maniquíes, mesa, sillas, pelucas, bolso, tazas, platos, 
jarra, cenicero, plantas de plástico, flores de plástico y frutas de plástico 
Dimensiones variables 
M+, Hong Kong 
© YAYOI KUSAMA
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Yayoi Kusama

Primeras pinturas

Instalaciones, performances y moda

Reconocimiento Internacional

En la actualidad

VÍDEO DE LA EXPOSICIÓN

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Yayoi Kusama: desde 1945 hasta hoy

“¿Qué significa vivir una vida? Me pierdo en este pensamiento cada vez que creo una obra de arte”.

Yayoi Kusama: desde 1945 hasta hoy | Guggenheim Bilbao Museoa

“La experiencia de este año ha sido particularmente intensa por la fuerza de una temática tan importante en nuestro tiempo: el cuidado del medio ambiente. Hemos abarcado gran número de técnicas y soportes.

Artistas

Ansareo, Elssie

&#8220;El punto de partida ha sido el agua, un tema recurrente que hemos tratado desde un nuevo punto de vista. Siempre hay pistas que ayudan a empezar: el entorno del centro, un dibujo, un esquema, una frase… y ¡se hace la luz!

Garagarza, Ibon

Zaloa Ipiña 
“Ha sido tan apasionante como difícil expresar las emociones, reconocerlas, adivinarlas, representarlas, comprenderlas y hacerlas comprender.

Ipiña, Zaloa

Nerea Lekuona 
“La curiosidad y la motivación del grupo es lo que ha impulsado el trabajo realizado este año. Sus ganas de aprender y debatir sobre temas de actualidad han sido el motor del proyecto.

Lekuona, Nerea

Maider López 
“Trabajamos las emociones a través del arte. Las experimentamos en el cuerpo. Atribuimos un color a cada emoción y realizamos esferas con los colores de cada una.

López, Maider

Ibon Sáenz de Olazagoitia 
“Como descubridores de otras épocas, las chicas y chicos del colegio han sido parte de un viaje incierto en el que han buscado desvelar detalles ocultos de la naturaleza que nos rodea que, aunque maltratada,

Sáenz de Olazagoitia, Ibon

Audioguía Aprendiendo a través del arte

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14 escolares de 3º curso, Colegio Judimendi, Vitoria-Gasteiz

Naturaleza desvelada

34 escolares de 1º a 6º curso, Colegio Lauaxeta, Laukiz

Los caminos del agua

19 escolares de 2º curso, Colegio San Pedro Apóstol, Bilbao

Acción medioambiente

16 escolares de 6º, Colegio Presentación de María, Donostia/San Sebastián

Soy un león, soy un árbol

23 escolares de 5º curso, Colegio Amor Misericordioso, Bilbao 

¿Qué futuro nos espera?

12 escolares de 5º y 6º curso, Colegio Ingeniero José Orbegozo, Bilbao

Pintando emociones

Esta exposición presenta una selección de las obras de más de un centenar de escolares de entre 6 y 12 años creadas a lo largo del curso 2022-2023 en el marco del programa educativo Aprendiendo a través del arte. Esta iniciativa cumple ahora 25 años, en los que se han ido abriendo nuevos caminos en los centros educativos de la CAPV, enfocando el currículo de Primaria desde una perspectiva artística a través de una pedagogía singular.
Elssie Ansareo, Ibon Garagarza, Zaloa Ipiña, Nerea Lekuona, Maider López e Ibon Saénz de Olazagoitia son los artistas que han acompañado en esta aventura al alumnado de seis colegios y a lo largo de veinte sesiones. En ellas, se han planteado proyectos artísticos que han abordado temas curriculares, como la sostenibilidad, el cuidado del agua o la expresión de las emociones., animando a los escolares a participar en procesos creativos propios, invitándoles a pensar, valorar, elegir, probar, dudar, divertirse, a veces también a perderse y, por supuesto, a equivocarse, ya que sin error no hay avance.
La exposición cierra el ciclo de este proceso artístico y constituye la puesta en escena del trabajo realizado. El público que visite la exposición se encontrará con la inesperada posibilidad de disfrutar de puntos de vista originales y frescos, de explorar ideas inspiradoras y de compartir la emoción de descubrir y crear de los escolares participantes.
Sala: Espacio de Educación

25 años

Impacto

Intercambios con NY

Aprendiendo a través del arte 25 años

Aprendiendo a través del arte 2023

Esta exposición presenta una selección de las obras de más de un centenar de escolares de entre 6 y 12 años creadas a lo largo del curso 2022-2023 en el marco del programa educativo Aprendiendo a través del arte.

Aprendiendo a través del arte 2023 | Guggenheim Bilbao Museoa

18€ Adultos - 9€ Jubilados - 9€ Estudiantes

La iniciativa TopARTE del Museo Guggenheim Bilbao se reafirma en su compromiso con las entidades y agentes culturales de nuestro entorno más próximo. El resultado de esta fructífera colaboración es un variado programa multidisciplinar rico en contenidos y formatos, y destinado a todos los públicos.
Así, en el marco de esta iniciativa se presentan en el Museo actividades que abarcan disciplinas tan diversas como la arquitectura, el cine, la danza, el diseño, la gastronomía, la música, la performance o el teatro.