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Exposiciones | Guggenheim Bilbao Museoa

Pasadas

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“La naturaleza, la flora y la fauna nos enseñan infinidad de cosas y de valores si observamos con atención&#8230;”

Artistas

Elssie Ansareo

“La Arboleda es uno de esos lugares en los que nuestra presencia e interacción con el entorno se evidencian de una manera diferente&#8230;”

Ibon Garagarza

“La experiencia de este año ha sido apasionante. La participación activa del alumnado y profesorado ha orientado todo el proyecto&#8230;&#8221;

Zaloa Ipiña

“Explorar la intersección entre la historia del arte y la alimentación ha sido el eje central de nuestro trabajo en este curso&#8230;&#8221;

Nerea Lekuona

“En mi trabajo de educadora hay convergencias con mi trabajo de artista. A través de proyectos educativos, experimento preocupaciones e intereses que estoy desarrollando en mi propia labor artística&#8230;&#8221;

Maider López

“Esta práctica se sirve de conceptos y modos de hacer propios del arte, como la abstracción, lo simbólico o las metáforas, que permiten contemplar el mundo desde otro punto de vista&#8230;&#8221;

Manu Muniategi

Aprendiendo a través del arte

Audioguia

10 alumnos de 5º y 6º curso, Colegio Escolapios Calasanz, Vitoria-Gasteiz

Arte que se come

16 alumnos de 1er a 6º curso, Colegio La Arboleda, Trápaga

Huellas del pasado y del futuro

21 escolares de 2º curso, Colegio Artatse, Bilbao

Paisajes que cobran vida

21 escolares de 2º curso, Colegio Eretza Berri, Sodupe

Naturaleza en transformación

17 escolares de 5 y 6º curso, Colegio Manuela Zubizarreta, Etxebarria

Al cuidado de la huerta

13 escolares de 6º curso, Colegio Katalin Erauso, Donostia/San Sebastián 

Lo que tenemos en común

Aprendiendo a través del arte es un programa educativo que, a través de una metodología única y singular, utiliza el arte como herramienta para reforzar el currículo de Educación Primaria. Durante el curso escolar 2023–2024, seis artistas del Museo han acompañado en esta aventura creativa al alumnado de otros tantos colegios a lo largo de veinte sesiones. En ellas, se han planteado proyectos artísticos que han abordado contenidos como la importancia de una alimentación saludable, la búsqueda de vínculos entre las personas o miradas innovadoras a la naturaleza y al entorno. El vídeo, la pintura, la fotografía o la escultura han servido a estos escolares para explorar y entender la realidad y reforzar su capacidad colaborativa, su creatividad y su imaginación. Hemos animado a niñas y niños a participar en sus propios procesos artísticos, invitándoles a pensar, valorar, elegir, probar, dudar, divertirse, a veces también a perderse y, por supuesto, a equivocarse, ya que sin error no hay avance.
La exposición de los proyectos de estos escolares en el Museo constituye el último paso del programa artístico y educativo. En esta ocasión, los cambios y procesos de la naturaleza, la identidad local, la relación entre lo común y lo propio o la importancia de los cuidados han inspirado muchas de las propuestas que se exhiben en este espacio. En el exterior de la sala, un vídeo muestra el proceso creativo del curso, ofreciendo un resumen de lo que se fue gestando en los colegios a lo largo del año.
Como broche final la muestra pone en escena el trabajo realizado. Visitarla brinda la inesperada posibilidad de contemplar puntos de vista originales y frescos, explorar ideas inspiradoras y sentir la misma emoción que experimentaron los escolares participantes haciendo sus descubrimientos y lanzándose a la creación. La programación artística del Museo suele incluir oportunidades para reflexionar sobre el medio ambiente; Aprendiendo a través del arte sigue esta misma línea de sostenibilidad ambiental, tanto en la selección de los materiales empleados para su presentación como en la temática de muchos de los proyectos.

Intercambio

EN EL MUSEO

Vídeo de la Exposición

Aprendiendo a través del arte es un programa educativo que, a través de una metodología única y singular, utiliza el arte como herramienta para reforzar

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Martha Jungwirth

Audioguía

Plano audioguía

Conferencia

Entrevista a la artista y a la comisaria

Occident

205. Objetos y personas

206. Viajes y evasión

207. El animal como iconografía

209. Historia del arte

Martha Jungwirth (Viena, 1940) ha definido su arte como una especie de diario que registra su implicación corporal en el proceso creativo. Considera cada dibujo y pintura como una extensión dinámica de su propio ser donde surgen estructuras inteligentes de líneas y manchas impulsadas por sus movimientos y emociones. Su trabajo se centra en lo fluido, lo transparente, lo abierto, apartándose del afán de grandeza en pos de una exploración de lo que se halla en estado bruto, sin censurar y sin embellecer.
La obra de Jungwirth existe en un ámbito donde dialogan memoria y representación. La artista traduce sus vivencias en formas plásticas que reflejan percepciones profundamente personales. A través de colores cargados de emoción y de formas gestuales que evocan aquello que le sirve de fuente, sus pinturas ocupan un lugar que trasciende cualquier categorización estilística simple, oscilando entre la abstracción y una sutil figuración. Dentro de este espectro artístico, algunos lienzos presentan una densa profusión de pinceladas, mientras que otros destacan por su economía de trazos. El resultado es una exploración de la tensión existente entre la abstracción y la representación del mundo físico.
Las obras tempranas de Jungwirth revelan un inconfundible enfoque de lo visceral y lo subjetivo, dominado por una fusión entre expresionismo abstracto y una cualidad cruda y emotiva que será el fundamento para el desarrollo de su singular estética. Marcada por la evolución constante, su producción aborda temas que abarcan desde el autorretrato introspectivo o el paisaje hasta acontecimientos globales contemporáneos como los incendios forestales que sufrió Australia en 2019–20.
Constituida por 70 obras, esta exposición se inicia con los primeros dibujos de Jungwirth —en los que la autora explora los límites entre figuración y abstracción— y concluye con sus más recientes series inspiradas en Francisco de Goya y Édouard Manet. Organizada de manera temática, la muestra incluye dibujos, acuarelas, óleos y libros de artista realizados sobre diversos soportes, como papel hecho a mano, libros de contabilidad, cartulina, etc. Estos materiales inusuales introducen el azar en el proceso creativo, potenciando la espontaneidad y el dinamismo. La dedicación de Jungwirth a la exploración temática y a la innovación plástica, con la que trasciende y amplía constantemente los límites de su expresión artística, determina su singular posición en el mundo del arte.
Salas: 205, 206, 207 y 209 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller
 
Martha Jungwirth 
Maja I, de la serie Francisco de Goya, Maja 
(Maja I, aus der Serie Francisco de Goya, Maja), 2021 
Óleo sobre papel, montado sobre lienzo 
238,8 x 299,6 cm 
Brauner Collection 
© Martha Jungwirth, Bilbao, 2024 
Foto Sebastiano Pellion

Martha Jungwirth, gesto y color

A partir de los grandes maestros

En el estudio de Jungwirth de Viena

En el museo

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de Martha Jungwirth. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

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Visita Virtual

Martha Jungwirth (Viena, 1940) ha definido su arte como una especie de diario que registra su implicación corporal en el proceso creativo. Considera cada

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June Crespo. Vascular

June Crespo

La práctica escultórica de June Crespo (Pamplona, 1982) se sitúa voluntariamente en la encrucijada de múltiples caminos y líneas de investigación contemporáneas. Por un lado, establece un diálogo transformador con los conceptos que han marcado el arte vasco de las últimas décadas, “pares móviles” como la abstracción y el gesto, lo trágico y lo opaco, la ligereza y la extrañeza. Igualmente se hace cargo de cuestiones cuya urgencia estaba ausente de los grandes debates hasta hace relativamente poco, particularmente en lo que respecta a la sensibilidad feminista y la conciencia de la devastación que el modo de vida moderno ha llevado a la naturaleza, ya plenamente sometida a los ciclos de producción y reproducción industrial y posindustrial, y a las abrasiones del Antropoceno.
El carácter vivo y activo de la materialidad ha acompañado la práctica de Crespo hasta hoy y se encuentra en la base del proyecto de la exposición Vascular, que se presenta en el Museo Guggenheim Bilbao con la idea de ofrecer una perspectiva sobre la obra de la artista invitándola, a la vez, a explorar dimensiones hasta hoy inéditas en su práctica. Acaparando y amalgamando elementos de muy diverso orden —moldes extraídos de plantas, ropas o telas usadas, piezas de construcción, vaciados de hormigón, revistas— y llevándolos a drásticos ensamblajes y alteraciones de escala, las esculturas de June Crespo subrayan el fuerte contraste del material vivido con los elementos estructurales que cercan y canalizan nuestra existencia, ya sean conductos, chapas, moldes o encofrados. En ellos se acoplan tallos o quedan atrapados en sus junturas piezas textiles o papeles, y también pueden leerse rastros de operaciones técnicas, erosiones y accidentes. Unidos por tensores o simplemente apoyados unos sobre otros, tales elementos se interrogan mutua e incesantemente.
Junto a una selección de obras de los últimos siete años, la exposición Vascular se articula en torno a una nueva y extraordinaria producción en la cual convergen formas, gestos y preguntas recurrentes en muchas series de Crespo. Ejemplos de ello pueden ser el uso escultórico o incluso arquitectónico de las imágenes fotográficas, convertidas en grandes impresiones de suelo; o la presentación de soportes de la producción industrial o la construcción, como mesas de trabajo, escaleras o plataformas elevadoras, que sirven de base a la proliferación de formas vegetales, tubulares y cilíndricas en el espacio. Vascular no solo quiere indicar la comunicación interna dentro de cada pieza de June Crespo, sino que también sugiere transmisiones entre todas las obras incluidas en el proyecto. Estas actúan como vasos comunicantes y redes capilares tanto a nivel de los materiales como de las escarificaciones y marcas que Crespo hace emerger a la superficie de la escultura.
Sala: 105 
Comisario: Manuel Cirauqui
 
June Crespo 
Vascular (5), 2024 
Chapa lagrimada de acero curvada y alfombras 
150 × 300 × 293 cm 
Cortesía de la artista 
© June Crespo, Bilbao, 2024 
Imagen © FMGB Guggenheim Bilbao Museoa, foto Erika Barahona Ede

Biografía

Audiovisual

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de JUNE CRESPO. VASCULAR. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

La práctica escultórica de June Crespo (Pamplona, 1982) se sitúa voluntariamente en la encrucijada de múltiples caminos y líneas de investigación

June Crespo. Vascular | Guggenheim Bilbao Museoa

Curso de arte online: Film & Video. La imagen en movimiento como medio artístico

Metahaven: Teoría del caos

Charla inaugural

Film & Video. La imagen en movimiento como medio artístico

Curso de arte online

Bajo el nombre Metahaven opera el afamado dúo de artistas afincados en Ámsterdam Vinca Kruk y Daniel van der Velden, fundadores en 2007 de un colectivo cuyos trabajos traspasan las fronteras del arte, la cinematografía y el diseño. Abarcando una amplia variedad de medios como la imagen en movimiento, la museografía, el grafismo y el discurso teórico, Metahaven es considerado un generador influyente de formas en el contexto de la cultura crítica y post-digital contemporánea.
Entre sus más recientes producciones cinematográficas, Teoría del caos (Chaos Theory, 2021) es un conmovedor poema audiovisual centrado en el diálogo y evoluciones de dos personajes: X (Valentina Di Mondo) e Y/Z (Georgina David/Luciede Bréchard), en su reflexiva confrontación con el mundo contemporáneo y sus flujos de eventos interconectados. Evitando el lenguaje narrativo convencional y las lógicas binarias de la tecnología de la información, Teoría del caos opera como un relato no lineal que desafía las divisiones entre ficciones y hechos, realidades y sueños compartidos. Filmado en las afueras de Ámsterdam, el definido paisaje de la película contrasta con sus escenas de ensoñación y el carácter abierto y poético de su guión. Asimismo, el planteamiento inédito de la instalación de esta obra rompe las fronteras físicas de la pantalla por medio de una pieza textil que se expande en la galería principal del Museo. Los materiales tejidos se hacen eco de los objetos y patrones visuales que aparecen en la historia, haciendo referencia a puntos de datos y vectores gráficos que se funden en una gruesa textura que recuerda, también en sus colores, a las tapicerías de uso habitual en los transportes públicos.
La video instalación de Metahaven está igualmente asociada a una multiplicidad de piezas bordadas y objetos presentados en la antesala y entendidos como documentos y fotogramas del proyecto fílmico. De este modo, la presentación de Teoría del caos viene acompañada por una selección de piezas de las series Flechas (Arrows, 2020) y Brotes (Blossoms, 2021), las cuales incluyen numerosos tapices de pequeño formato y bordados sobre bolsas de plástico y chaquetas deportivas, así como el tríptico de video y textil Vivir juntos en las historias (Living Together in Stories, (2022). En su yuxtaposición de paisajes oníricos, abstracciones gráficas y símbolos del mundo orgánico, los artistas nos invitan a revisar nuestras certezas y a imaginar un futuro definido por la empatía, las identidades fluidas y la interdependencia.
Sala: 103 
Comisario: Manuel Cirauqui
 
Metahaven 
Teoría del caos (Chaos Theory), 2021 
Película monocanal, 25 min (fotograma) 
Cortesía de los artistas

Bajo el nombre Metahaven opera el afamado dúo de artistas afincados en Ámsterdam Vinca Kruk y Daniel van der Velden, fundadores en 2007 de un colectivo

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Arte Pop de la Colección Guggenheim

Signos y objetos: Arte Pop de la Colección Guggenheim

Visita guiada

Más allá del “Arte Pop” 

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Sala 203

Sala 202

Sala 208

Surgido en Inglaterra a finales de la década de 1950, el movimiento pop arraigó en EE. UU. tras recibir el apoyo de críticos como Lawrence Alloway, escritor y curador británico, que en 1958 acuñó el término “Pop art” y en 1963 organizó la pionera exposición Six Painters and the Object, celebrada en el Museo Guggenheim de Nueva York. El título que en principio consideró dar a aquella muestra, Signs and Objects, es justamente la expresión elegida ahora para esta selección de obras de las Colecciones Guggenheim.
Impulsados por la vitalidad económica y el incipiente consumismo que imperaba en la sociedad estadounidense después de la Segunda Guerra Mundial, artistas como Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist y Andy Warhol exploraron el lenguaje visual de la cultura popular —término del que se deriva el nombre de esta corriente plástica— inspirándose en anuncios, periódicos, publicaciones baratas, vallas publicitarias, películas, cómics y escaparates. El distanciamiento y el aspecto frío e impersonal del Arte Pop supusieron un ataque directo a la venerada tradición del “arte elevado” y al énfasis en el gestualismo o en la pincelada más libre y personal que habían defendido los expresionistas abstractos de la generación anterior, como Jackson Pollock y Willem de Kooning. Las obras de esta exposición, presididas y a veces transformadas por el humor, el ingenio y la ironía, se pueden interpretar como una celebración sin ambages de la cultura popular y al mismo tiempo como una mordaz crítica a la misma.
Salas: 201, 202, 203, 204 y 208 
Comisarias: Lauren Hinkson y Joan Young
 
Roy Lichtenstein 
Grrrrrrrrrrr!!, 1965 
Óleo y Magna sobre lienzo 
172,7 x 142,5 cm 
Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York 
Donación del artista, 1997 
Foto © Solomon R. Guggenheim Foundation, Nueva York. 
Reservados todos los derechos

Signos y Objetos

Ciclo de vida del cartón

Pop Artworks

En el Museo

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de SIGNOS Y OBJETOS: ARTE POP DE LA COLECCIÓN GUGGENHEIM. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

Surgido en Inglaterra a finales de la década de 1950, el movimiento pop arraigó en EE. UU. tras recibir el apoyo de críticos como Lawrence Alloway,

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Giovanni Anselmo: Más allá del horizonte

Giovanni Anselmo

Visita Guiada

Conferencia Inaugural

Plano de la exposición

Guía didáctica

Dirección (Direzione), 1967–68

Torsión (Torsione), 1968

Sin título (El algodón empapado se arroja contra el cristal y ahí permanece), 1968

Interferencia en la gravitación universal, 1969–2016

Invisible (Invisibile), 1971

Panorama con mano que lo indica, 1982–84

Hacia ultramar (Verso oltremare), 1984

Sin título, 1984

Giovanni Anselmo (Borgofranco d’Ivrea, 1934–Turín, 2023) comenzó su andadura artística en la Italia de la década de 1960. La reveladora experiencia que vivió en la cima del volcán Estrómboli una mañana de 1965 influyó radicalmente en su obra. Cuando los tempranos rayos de sol que apenas despuntaban en el horizonte proyectaron su sombra en la inmensidad del cielo, el artista tomó conciencia de ser parte integrante de un infinito universo en constante transformación. A partir de entonces, Anselmo centró su interés en el orden y el curso cíclico de los fenómenos naturales, de modo que la energía, el espacio, el tiempo, la orientación, los campos magnéticos o las fuerzas gravitacionales del planeta se convirtieron en temas recurrentes de su trabajo. Haciendo uso de materiales ya existentes, Anselmo ideó piezas que presentan, de forma activa y perceptible, tanto las energías latentes que nos rodean aquí y ahora como el carácter inconmensurable de las dinámicas que rigen el cosmos. Sus obras se sitúan en una frontera fascinante entre lo visible y lo invisible.
Esta exposición constituye un completo análisis de la práctica de un artista que, aun siendo considerado referente clave del Arte Povera, logró desarrollar su carrera eludiendo cualquier etiqueta o clasificación. Concebida como un recorrido, un flujo continuo, la muestra conecta entre sí de una manera nueva las obras más emblemáticas de la trayectoria de Anselmo con otras creadas específicamente para esta ocasión. El artista estuvo profundamente involucrado en la concepción de esta muestra hasta unos días antes de su fallecimiento, el pasado mes de diciembre. Por eso, más que nunca, el objetivo de Giovanni Anselmo. Más allá del horizonte es transmitir fielmente la profundidad de su vitalidad, la grandeza de su legado y el sentido de su aportación.
Salas: 205, 206, 207 y 209 
Comisaria: Gloria Moure 
Exposición organizada por el Museo Guggenheim Bilbao
 
Giovanni Anselmo 
Sin título (El algodón empapado se arroja contra el cristal y ahí permanece 
[Senza titolo (Il cotone bagnato viene buttato sul vetro e ci resta)], 1968 
Vidrio, algodón, cubo de zinc, saco, agua y serrín 
210 x 210 x 50 cm 
The Sonnabend Homem Collection. Préstamo a la Fundação de Serralves – 
Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Oporto 
© Giovanni Anselmo 
Foto © Filipe Braga

Didaktika

Haciendo Visible lo Invisible

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de Giovanni Anselmo: Más allá del horizonte. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

Giovanni Anselmo (Borgofranco d’Ivrea, 1934–Turín, 2023) comenzó su andadura artística en la Italia de la década de 1960. La reveladora experiencia que

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Gego. Midiendo el infinito

Primeras Obras (1951–55)

Líneas paralelas (1957–67)

El Taller de litografía Tamarind y estudios sobre retículas (1963–70)

Chorros, Troncos, Esferas y otras tipologías en retícula (1969-88)

Textiles (1956–88)

Dibujos sin papel (ca. 1976–88)

Últimas obras: Tejeduras, Bichos y Bichitos (1987–91)

El Museo Guggenheim Bilbao presenta la exposición Gego. Midiendo el infinito, una retrospectiva que ofrece una visión integradora del trabajo de la artista germano-venezolana Gertrud Goldschmidt (Hamburgo, 1912–Caracas, 1994), también conocida como Gego, y su singular enfoque del lenguaje de la abstracción. Organizada de forma cronológica y temática, la exposición analiza las aportaciones formales y conceptuales de la artista a través de su obra de formas orgánicas, estructuras lineales y abstracciones modulares.
La muestra incluye cerca de 150 objetos que datan de los inicios de la década de 1950 y llegan hasta el comienzo de los años noventa, como esculturas, dibujos, grabados, textiles y libros de artista, además de imágenes fotográficas de instalaciones y obra pública, bocetos, publicaciones y cartas. Este análisis sitúa la práctica de Gego en los distintos contextos artísticos latinoamericanos que atraviesa su extensa carrera y examina las intersecciones y rupturas con movimientos internacionales clave, como la Abstracción Geométrica y el Arte Cinético.
Gego nace en el seno de una familia alemana judía y se forma en arquitectura e ingeniería en la Technische Hochschule Stuttgart (actualmente, Universidad de Stuttgart). En 1939 huye de la persecución nazi y emigra a Venezuela, donde se asienta definitivamente y en 1953 inicia una carrera dedicada al arte que se prolonga durante más de cuatro décadas. En sus obras en dos y tres dimensiones, que trabaja en diversos medios, la artista explora la relación entre la línea, el espacio y el volumen. Su compromiso con otros campos relacionados, como la arquitectura, el diseño y la educación, complementa su investigación.
Gego es una de las artistas más significativas de la escena latinoamericana de la segunda mitad del siglo XX y su trayectoria artística traza un camino marcadamente individual que se resiste a cualquier categorización. Aporta ideas radicales a través de sus investigaciones de los sistemas estructurales y, en su singular corpus artístico, aborda metódicamente la transparencia, la tensión, la fragilidad, las relaciones espaciales y los efectos ópticos del movimiento. Esta retrospectiva histórica pone de relieve la amplitud de su práctica multidisciplinar y aporta una mayor comprensión y apreciación de la artista y su obra en un contexto global.
El Museo agradece a la Fundación Gego y sus directores, Tomás Gunz y Barbara Gunz, así como el Consejo y el personal de la fundación por su gran apoyo y colaboración a la exposición.
Sala: 105 
Comisaria: Geaninne Gutiérrez-Guimarães 
Sedes: Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand–MASP; Museo Jumex, Mexico City; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Museo Guggenheim Bilbao 
La exposición está organizada por el Museo Guggenheim Bilbao, en colaboración con el Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York; Museo Jumex, Ciudad de México; y Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand–MASP. La exposición fue desarrollada por Julieta González, Directora Artística, Instituto Inhotim, Brumadinho, Brasil; Geaninne Gutiérrez-Guimarães, Curator Asociada, Museo Guggenheim Bilbao y Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation, Nueva York; y Pablo León de la Barra, Curator at Large, Latinoamérica, Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation, Nueva York; en colaboración con Tanya Barson, ex Conservadora Jefa, Museu d’Art Contemporani de Barcelona; y Michael Wellen, Curator Senior, Arte Internacional, Tate Modern, Londres.
Gego en montaje de Reticulárea, Museo de Bellas Artes, Caracas, 1969 
Foto: Juan Santana 
© Fundación Gego

In Focus Gego

Biografía de Gego

Geglosario

Documental 365

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El Museo Guggenheim Bilbao presenta la exposición Gego. Midiendo el infinito, una retrospectiva que ofrece una visión integradora del trabajo de la

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Marine Hugonnier

Conversación con la artista

Marine Hugonnier: Informes de campo

La programación de la sala Film &amp; Video del Museo Guggenheim Bilbao está dedicada a las prácticas artísticas contemporáneas vinculadas con la imagen en movimiento.
A través de sus obras de base cinematográfica, Marine Hugonnier (París, 1969) explora la manera en que las ideologías, los deseos y los discursos confluyen en las formas de representación artística. Su trabajo, una investigación en torno a la política de la visión, pretende esclarecer los mecanismos subyacentes del poder en la época capitalista actual; un periodo en el que la aceleración económica y las tecnologías de reproducción de imágenes han evolucionado a la par, manteniendo profundos sesgos colonialistas y patriarcales.
Antropóloga de formación, Hugonnier emplea en su obra estrategias procedentes del documental y de la ficción. El elemento central de esta exposición es la película Meadow Report (‘Informe del campo’) (2021), una representación de los famosos jardines de Giverny en los que el pintor impresionista Claude Monet creó el entorno artificial donde, en las últimas décadas de su vida, pintaría sus célebres Nenúfares mientras su vista empeoraba debido a las cataratas. Hugonnier sitúa su cámara al atardecer en mitad del lago, en busca de una perspectiva que no puede identificarse con la humana, para observar el jardín, los perfiles de las hojas de los nenúfares y el icónico puente verde de Monet. En un momento decisivo, la lente de la cámara es retirada de esta con el fin de poner la película analógica directamente en contacto con el entorno. La imagen abstracta resultante refleja las luces brillantes y los movimientos de los seres presentes en la tranquila noche de verano. El título de la pieza nos invita a considerar esta operación a la luz de la actual crisis medioambiental, aludiendo a uno de los primeros documentos publicados sobre el cambio climático conocido como “Informe Meadows” (1972), que predecía las catastróficas consecuencias de la continua y desenfrenada explotación de los recursos de la Tierra.
En la antesala de esta muestra, la fotografía de gran escala Hacia el mañana (2001) ofrece una imagen tomada por Hugonnier mirando hacia Siberia (Rusia) desde el lado estadounidense del estrecho de Bering, en Alaska, y atravesando la línea internacional de cambio de fecha. A pesar de que ambos lugares están separados por apenas 65 kilómetros, el huso horario de Siberia va 24 horas por delante del de Alaska. Mientras que toda fotografía es un registro del pasado, esta captura también una vista del futuro. Frente a esta pieza se encuentra El deseo no es gran cosa, y sin embargo… (2015), un estudio de la escultura clásica romana Hermafrodito durmiente que pertenece al Museo del Louvre de París. Hijo de Afrodita y Hermes, Hermafrodito es un personaje de la mitología griega. El filme de Hugonnier revela su cuerpo a medida que la cámara recorre las curvas de la escultura de mármol, cuyos pies y labios han sido animados digitalmente. El bucle continuo de película en blanco y negro se ve interrumpido por breves secuencias en color. Socavando una vez más el “naturalismo” del registro fílmico, la película de Hugonnier trata de vislumbrar el deseo en un cuerpo que trasciende las convenciones binarias, invitando al público a considerar, de manera crítica, la posibilidad de una mirada sin sesgo de género.
Marine Hugonnier nació en París y en la actualidad reside en Londres. Su obra ha sido expuesta internacionalmente, incluyendo presentaciones individuales en instituciones como el Jeu de Paume en París, la Villa Romana en Florencia, Kunstverein Brauschweig, Die Tankstelle Berlin, Konsthall Malmö, y la 52a Bienal de Arte de Venecia. Hugonnier ostenta igualmente un doctorado y es Professor for Moving Image and Fictional Form en la Universidad de Artes y Diseño de Karlsruhe, Alemania.
Sala: 103 
Comisario: Manuel Cirauqui
Marine Hugonnier 
Meadow Report, 2021 
Film 35mm, color, sonido 
Courtesy the artist 
© Marine Hugonnier

La programación de la sala Film &amp; Video del Museo Guggenheim Bilbao está dedicada a las prácticas artísticas contemporáneas vinculadas con la imagen

Marine Hugonnier: Informes de campo | Guggenheim Bilbao Museoa

15€ Adultos - 7.5€ Jubilados - 7.5€ Estudiantes

La iniciativa TopARTE del Museo Guggenheim Bilbao se reafirma en su compromiso con las entidades y agentes culturales de nuestro entorno más próximo. El resultado de esta fructífera colaboración es un variado programa multidisciplinar rico en contenidos y formatos, y destinado a todos los públicos.
Así, en el marco de esta iniciativa se presentan en el Museo actividades que abarcan disciplinas tan diversas como la arquitectura, el cine, la danza, el diseño, la gastronomía, la música, la performance o el teatro.

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