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Exposiciones | Guggenheim Bilbao Museoa

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Barbara Kruger

Charla inaugural

Audioguía

Plano audioguía

Occident

Sala 205

Sala 206

Sala 207

Sala 209

Sala 203

Sala 202

El Museo Guggenheim Bilbao presenta la primera retrospectiva completa en España de la artista estadounidense Barbara Kruger, quien ha seducido al público a lo largo de más de cinco décadas con una obra audaz que incita a la reflexión. Esta exhaustiva muestra explora cómo Kruger utiliza el poder de las palabras y las imágenes para cuestionar las estructuras que configuran nuestras vidas: la identidad, el deseo, la verdad y el control.
Desde el inicio de su carrera, Kruger ha abordado críticamente cómo funciona el lenguaje en los medios de comunicación, en la política y en nuestros diálogos internos. Inspirándose en las estrategias visuales de la publicidad, emplea frases concisas y asertivas para componer textos en blanco y negro remarcados en rojo o verde; pero, en lugar de vender productos, sus obras reivindican un pensamiento crítico. Frases como “Tu cuerpo es un campo de batalla” o “Compro, luego existo” se han convertido en referentes culturales que suscitan cuestiones de importancia apremiante sobre el género, el consumo y el poder.
Esta exposición reúne obras que recorren toda su carrera: sus primeras composiciones con imágenes y textos (paste-ups), mensajes impresos en vinilo a gran escala, videoinstalaciones, intervenciones sonoras y piezas de ubicación específica creadas expresamente para el Museo Guggenheim Bilbao. A medida que avanzamos por las salas, el arte de Kruger va desplegándose en los suelos, paredes y pantallas, sumergiéndonos en un ambiente visual y sonoro cargado de intensidad. Su obra no solo pide ser contemplada, sino que induce a experimentar, afrontar y cuestionar.
En diálogo con la propia historia lingüística y cultural de Bilbao, Kruger ha creado obras en español y euskera que exploran cómo la lengua determina quiénes somos y cómo nos relacionamos. En sus propias palabras: “El lenguaje es una fuerza poderosa... y nos define”. En una época en que la información es incesante y la verdad parece cada vez más inestable, el arte de Kruger nos anima a reducir nuestro ritmo, leer con atención y pensar en profundidad. Con un sentido de urgencia, ingenio y precisión formal, nos recuerda que las imágenes hablan, y lo mismo debemos hacer nosotros.
Salas: 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller
 
Barbara Kruger 
Untitled (Forever), 2017/2025. Impresión digital sobre vinilo. Vista de la instalación Barbara Kruger: Another day. Another night. Museo Guggenheim Bilbao, 24 de junio–9 de noviembre, 2025. Cortesía de la artista y Sprüth Magers

Proyectos públicos

Objetos cotidanos

En el museo

Vídeo de la Exposición

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de Barbara Kruger: Another day. Another night. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

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Visita Virtual

Barbara Kruger: Another day. Another night.

El Museo Guggenheim Bilbao presenta la primera retrospectiva completa en España de la artista estadounidense Barbara Kruger, quien ha seducido al público

Barbara Kruger: Another day. Another night. | Guggenheim Bilbao Museoa

Este curso me gustaría destacar las oportunidades que se dan a veces en las escuelas de pueblos pequeños.

Artistas

Ibon Garagarza

Desde la experimentación y la prueba-error en la práctica artística hemos trabajado sobre las consecuencias que acarrean en la naturaleza algunas actuaciones del ser humano totalmente normalizadas.

Zaloa Ipiña

El entusiasmo y las ganas de participar han sido una de las características del grupo. Hemos visto cómo el arte puede ser una herramienta de activismo social.

Nerea Lekuona

Con una actitud de observación vamos desarrollando el curso, el día que hace viento abrimos las ventanas y lo escuchamos, lo imitamos.

Maider López

El programa me ha permitido trabajar con escolares que han demostrado una gran capacidad de trabajo. Ha sido una experiencia muy enriquecedora, en la que exploramos la importancia de la identidad y la pertenencia al colectivo.

Manu Muniategiandikoetxea

Este proyecto ha girado en torno a la vida animal y la relación entre el ser humano y la naturaleza. A partir de estas temáticas, se ha desarrollado una propuesta artística que combinaba creatividad, imaginación y conciencia ambiental

Ibon Sáenz de Olazagoitia

Aprendiendo a través del arte

C.P. Juan Ramón Jiménez LHI, Cruces-Barakaldo

Mapas para un mundo mejor

C.P. Zeberio LHI, Zeberio

De dónde venimos, hacia dónde vamos

CP Arrateko Andramari LHI, Eibar

Identidad y arte

CPI Zaragueta IPI, Orio 

Tantos cielos como días

CP Lamuza LHI, Llodio 

Camuflaje y mimetismo en la naturaleza

CP Alonsotegi LHI, Alonsotegui 

Abrazar la naturaleza

Esta exposición presenta una muestra del trabajo realizado por más de cien niñas y niños de entre 6 y 12 años durante el curso 2024–25 dentro del programa educativo del Museo Guggenheim Bilbao Aprendiendo a través del arte. Esta iniciativa lleva a artistas a las aulas de los centros educativos, donde colaboran directamente con el profesorado para incorporar el arte al aprendizaje escolar.
Mediante la exploración artística y el debate en torno al arte, el alumnado tiene la oportunidad de abordar los contenidos del currículo de Primaria desde una perspectiva creativa y personal. Las actividades están diseñadas para conectar el arte con distintas materias, como Ciencias, Lengua o Matemáticas, convirtiéndolo en una vía para investigar y comprender el mundo que rodea a los escolares.
Durante este curso, las seis clases participantes exploraron cómo el calendario va influyendo en el aspecto de la naturaleza, cuáles son los efectos de la acción de los seres humanos en el medioambiente o cómo mimetizarse con su entorno natural. También conocieron la creación que tiene un fin activista y su posible impacto en la sociedad, así como la obra de artistas locales de su zona. A través del arte y mediante actividades de autoconocimiento, reflexionaron asimismo sobre la identidad, tanto personal como colectiva.
En los procesos utilizaron una amplia variedad de técnicas y disciplinas, como la pintura, la escultura, la fotografía o la performance, aplicándolas en proyectos educativos que fomentaron la libre expresión y resaltaron la importancia de la creatividad en la educación.

Intercambio

Aprendiendo a través del arte 2025

Esta exposición presenta una muestra del trabajo realizado por más de cien niñas y niños de entre 6 y 12 años durante el curso 2024–25 dentro del programa

Aprendiendo a través del arte 2025 | Guggenheim Bilbao Museoa

Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas

Fundación BBVA

Su sello personal: la década de 1950

Siguiendo la corriente: la década de 1960

El hallazgo de una nueva libertad: la década de 1970

Umbrales: la década de 1980

En busca de la belleza: la década de 1990

Pintando hasta el final: la década de 2000

Amistades

Una invitación a la escultura

Helen Frankenthaler (1928–2011) desempeñó un papel esencial en la transición del Expresionismo Abstracto a la Pintura de Campos de Color. La artista, conocida por haber inventado la técnica de “empapar y manchar” y cuya constante experimentación se prolongó durante seis décadas, concibió un considerable corpus de obras sobre lienzo y papel, además de esculturas, cerámica, tapices y obra gráfica. Sus innovadoras creaciones, presentes en las colecciones de los principales museos de todo el mundo, siguen inspirando a los artistas en la actualidad.
Nacida en la ciudad de Nueva York, Frankenthaler estudió arte con un enfoque tradicional de la mano de Paul Feeley en el Bennington College de Vermont antes de regresar a Manhattan, donde se decantó por la abstracción. A principios de la década de 1950 pudo conocer directamente a las figuras clave de la Escuela de Nueva York, iconos del arte estadounidense de la posguerra que compartían con Frankenthaler su firme apuesta por lo experimental y que, en algunos casos, pasaron a formar parte de su círculo social más íntimo.
Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas contextualiza su producción a la luz de sus afinidades, influencias y amistades en el mundo del arte. La exposición presenta una treintena de poéticas abstracciones creadas por la autora entre 1953 y 2002, e incluye asimismo destacadas pinturas y esculturas de algunos de sus contemporáneos —Anthony Caro, Morris Louis, Robert Motherwell, Kenneth Noland, Jackson Pollock, Mark Rothko y David Smith— que ilustran las sinergias generadas entre estos artistas.
La muestra plantea un recorrido cronológico que comienza en los años cincuenta y concluye en la primera década del siglo xxi. Cada sección, acompañada de un texto explicativo, representa un capítulo de la prolífica trayectoria de Frankenthaler. Pintura sin reglas celebra el legado de una artista pionera que jamás dejó de explorar nuevas vías de la abstracción.
La exposición está organizada por la Fondazione Palazzo Strozzi, Florencia y la Helen Frankenthaler Foundation, Nueva York en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao; y está comisariada por Douglas Dreishpoon, director del catálogo razonado de la artista.
Sala: 105
 
Helen Frankenthaler 
Azul móvil (Moveable Blue), 1973 
Acrílico sobre lienzo 
177,8 x 617,8 cm 
ASOM Collection 
© 2025 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York / VEGAP 
Foto: © ASOM Collection

IN FOCUS Helen Frankenthaler

Cronología

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de Helen Frankenthaler. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

Helen Frankenthaler (1928–2011) desempeñó un papel esencial en la transición del Expresionismo Abstracto a la Pintura de Campos de Color. La artista,

Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas | Guggenheim Bilbao Museoa

Vito Acconci / Sergio Prego: YOU

El programa de exposiciones Film &amp; Video del Museo Guggenheim Bilbao mantiene un permanente compromiso con las prácticas artísticas contemporáneas ligadas a la imagen en movimiento.
El punto de partida de esta muestra es la colaboración y la amistad que desarrollaron Vito Acconci (Nueva York, 1940–2017) y el artista vasco Sergio Prego (Donostia/San Sebastián, 1969), cuyos caminos artísticos se cruzaron durante un periodo clave de actividad de la firma de diseño especulativo y arquitectura Acconci Studio. La muestra traza un itinerario subjetivo por la práctica de vídeo y performance de Acconci utilizando un sistema de presentación diseñado por Prego, en cuya concepción de la escultura resuena el singular modo en que Acconci entendió el espacio construido y las fuerzas que en su interior mueven a los cuerpos. Común al trabajo de ambos es una atención particular a la interacción entre los sentidos, los medios audiovisuales y la arquitectura; como si lo corporal tratase constantemente de encajar en las normas y estructuras del mundo físico captado por la cámara. Para ambos artistas, las obras de arte funcionan como manifestaciones concretas de tensiones y paradojas cuyo impacto afecta directamente a la propia consciencia física de quien las percibe.
La primera parte de la exposición alberga varios vídeos de Prego que se reproducen simultáneamente, mientras en un rincón de la sala reverbera la pieza sonora de Acconci Cinta corriendo (1969). La actividad de este —contando repetidamente mientras corre hasta quedar sin aliento, una y otra vez— incide en el tiempo, en tanto que Prego utiliza sencillos trucajes de edición de imagen para presentar posiciones y movimientos imposibles en el espacio. La voz de Acconci también se puede oír en el otro extremo de la sala, esta vez como narrador de un documental que resume su práctica de diseño radical. En el espacio principal descubrimos dos grandes estructuras hinchables de Prego que funcionan como pantallas de proyección de una selección de vídeos históricos de Acconci. En sus performances grabadas, Acconci utilizaba la cámara no tanto como un medio para autorretratarse, sino como instrumento de provocación. Podemos ver al artista señalando directamente con el dedo o susurrando en tono íntimo en Centros (1971) y en Encender (1974); y poniendo a prueba agresivamente su propio cuerpo en Tres estudios de adaptación (1970). En estas obras, Acconci pide desesperadamente que se le preste atención, como si hubiese presentido los futuros usos de la cámara en las redes sociales. Más de cinco décadas después de su creación, no podemos evitar sentir que las obras de vídeo de Acconci, a menudo de un modo incómodo, nos apuntan.
Sala: 103 
Comisario: Manuel Cirauqui
 
Vito Acconci 
Three Adaptation Studies, 1970 
Film Super 8mm transferido a video (fotograma) 
Courtesy Electronic Arts Intermix, New York

El programa de exposiciones Film &amp; Video del Museo Guggenheim Bilbao mantiene un permanente compromiso con las prácticas artísticas contemporáneas

Vito Acconci / Sergio Prego: YOU | Guggenheim Bilbao Museoa

in situ: Refik Anadol

Partner de la exposición:

1of1

Partner tecnológico:

Euskaltel (Anadol)

Con esta muestra se inicia in situ, una nueva serie expositiva dedicada a presentar instalaciones de ubicación específica que trascienden los límites de la práctica contemporánea. Englobando a autores que trabajan en el ámbito del arte, la tecnología, la música y la performance, in situ investiga formas alternativas de percibir y habitar el espacio.
in situ: Refik Anadol acoge Arquitectura viva: Gehry, una innovadora instalación audiovisual que reimagina el legado arquitectónico de Frank Gehry a través de la inteligencia artificial (IA) y el arte generativo. Desarrollado por Refik Anadol Studio, un modelo personalizado de IA (Large Architecture Model) tecnológicamente avanzado ha sido entrenado durante meses con un amplísimo número de imágenes, bocetos y planos de acceso libre con el fin de traducir el vocabulario arquitectónico de Gehry en dinámicas formas, colores y movimientos en constante evolución. Este espectáculo visual es intensificado por el paisaje sonoro inmersivo compuesto por Kerim Karaoglu fusionando el audio generado por la IA con grabaciones registradas en el propio Museo.
Arquitectura viva: Gehry se despliega en seis capítulos interconectados, cada uno de los cuales representa una etapa diferente del proceso mediante el cual los datos se convierten en fantasía arquitectónica:
<ul>
<li>Capítulo I — Universo de datos. Una vasta constelación de datos y materiales —fotografías de archivo, planos y documentos estructurales— se van compilando en una memoria.</li>
<li>Capítulo II — Trazado de datos. A medida que los datos se procesan, surgen patrones complejos a través de formas, texturas y composiciones en el espacio.</li>
<li>Capítulo III — Túnel de datos. Los datos pasan a configurar entornos visuales inmersivos en el espacio latente, invitando al público a adentrarse en la evolución del proceso de colaboración entre seres humanos y máquinas.</li>
<li>Capítulo IV — Large Architecture Model. Al transformar las formas de Gehry, la IA genera nuevas posibilidades arquitectónicas que traspasan los límites de la imaginación y el diseño.</li>
<li>Capítulo V — Alucinación de la máquina. Un momento de abstracción, en el que las estructuras generadas por IA se liberan de los límites convencionales del espacio y revelan visiones arquitectónicas alucinatorias y oníricas.</li>
<li>Capítulo VI — Sueños. Regreso al universo de la arquitectura, reinterpretado ahora a través de la imaginación ilimitada de la IA, donde la arquitectura se transforma en tiempo real, generando incesantemente nuevas formas que surgen y evolucionan a cada instante.</li>
</ul>
Como exposición inaugural de la serie in situ, Arquitectura viva: Gehry refleja bien la exploración de Anadol sobre el futuro del arte de ubicación específica impulsado por inteligencia artificial, en el que los datos se convierten en material y el espacio en un lienzo de memoria, forma e imaginación en constante evolución.
Desarrollada a partir de datos obtenidos de manera ética y la aplicación de una computación sostenible, esta instalación muestra un cuidadoso enfoque de la creación digital que aúna innovación y responsabilidad.
Salas: 204, 208 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller
Refik Anadol Studio 
Vista de la instalación Arquitectura viva: Gehry (Living Architecture: Gehry) en el Museo Guggenheim Bilbao 
© Refik Anadol, Bilbao 2025

El proceso tras Arquitectura viva: Gehry

Con esta muestra se inicia in situ, una nueva serie expositiva dedicada a presentar instalaciones de ubicación específica que trascienden los límites de

in situ: Refik Anadol | Guggenheim Bilbao Museoa

Obras maestras sobre papel de Budapest

Estudios de cabezas, ca. 1504–05

Vista de Sarmingstein junto al Danubio, 1511

Venus desarmando a Cupido, ca. 1527–30

Granja holandesa entre luces y sombras, 1635–36

Lámina de estudio, Dos modelos femeninos y paños, ca. 1717

Vista de Budapest, 1881

El jardín de la casa parroquial de Nuenen en invierno, 1884

Dos mujeres abrazadas, 1915

Composición, 1922

13 trazos, 2016

Esta exposición es fruto de la colaboración establecida entre el Museo Guggenheim Bilbao y el Museo de Bellas Artes – Galería Nacional Húngara de Budapest, reconocida institución que exhibe arte internacional desde la Antigüedad hasta el siglo XXI, y arte húngaro que se remonta a la Edad Media y llega hasta hoy. Entre las colecciones que integran sus fondos destaca por su cantidad y arco temporal la de Estampas y Dibujos, que atesora aproximadamente 9.000 dibujos y 100.000 grabados de autores europeos.
La muestra presenta una amplia y variada selección de piezas de grandes artistas —como Alberto Durero, Leonardo da Vinci, Rafael, Rembrandt, Francisco de Goya, Miklós Barabás, Henri de Toulouse-Lautrec, Pablo Picasso, Egon Schiele, Victor Vasarely, Vera Molnar, Judit Reigl, Dóra Maurer, Georg Baselitz, Katharina Grosse y Gerhard Richter—, con las que ofrece un completo panorama de la creación gráfica desde el siglo XV hasta la actualidad. Las cerca de 150 obras maestras elegidas recorren las centenarias tradiciones de los géneros del dibujo y el grabado, revelando su constante apertura a la renovación, sus diversas soluciones formales, sus rasgos esenciales y sus característicos efectos estéticos.
Doce secciones temáticas articulan la exposición, abordando las diferentes tendencias de cada época y las cuestiones e interacciones más significativas que se producen en los ámbitos del dibujo y la estampa. Por un lado, la muestra transmite al público la diversidad técnica que define a estos medios, pero también indaga en un estrato más profundo, al señalar sus diversas funciones, con la finalidad de poner de relieve la importancia del dibujo y el grabado dentro de la historia del arte y su permanente fidelidad a su esencia a través de los siglos y los numerosos cambios de tendencias y estilos.
La exposición brinda asimismo una panorámica de la rica y azarosa historia de la Colección de Estampas y Dibujos del Museo de Bellas Artes de Budapest, la colección de obras sobre papel más valiosa de Hungría, complementada con una serie de documentos de archivo que narran sus orígenes a partir de los fondos de la importante familia noble húngara de los Esterházys y los logros alcanzados gracias al empeño de muchos directores, conservadores y curadores del museo.
Salas: 205, 206, 207, 209 
Comisarias: Kinga Bódi y Marta Blàvia
 
Peter Paul Rubens (1577–1640) 
Retrato de perfil del hijo del artista, Albert Rubens, ca. 1618–19 
Sanguina, clarión negro, pluma, tinta parda, pincel y aguada parda sobre papel, 246 × 203 mm 
MBA CED; inv. n.º 1745 
Adquirido a la Colección Esterházy, 1871 
© 2025 Museum of Fine Arts, Budapest

Difundiendo ideas e imágenes

Buril y aguafuerte

Litografía

Xilografía

En el Museo

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de Obras maestras sobre papel de Budapest. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

Esta exposición es fruto de la colaboración establecida entre el Museo Guggenheim Bilbao y el Museo de Bellas Artes – Galería Nacional Húngara de

Obras maestras sobre papel de Budapest | Guggenheim Bilbao Museoa

Tarsila do Amaral

París/São Paulo: pasaportes para la modernidad

Una “Pequeña caipira vestida por Poiret”

La invención del paisaje brasileño

Primitivismo e identidad(es)

El Brasil caníbal

Trabajadores y trabajadoras

Nuevos paisajes

Figura central del modernismo brasileño, Tarsila do Amaral (o Tarsila, su nombre artístico) es la creadora de una obra original y evocadora, basada tanto en el imaginario indígena y popular como en las dinámicas modernizadoras de un país en plena transformación.
En la década de 1920, moviéndose entre São Paulo y París, actuó como puente entre las vanguardias de estas dos capitales culturales y puso a prueba su universo iconográfico brasileño pasándolo por el tamiz del Cubismo y el Primitivismo, en boga en la capital francesa. Su pintura inspira entonces los movimientos Pau-Brasil y Antropofagia, cuya búsqueda de un Brasil “auténtico”, multicultural y multirracial tiene como objetivo refundar la relación del país con los “centros” europeos de la colonización.
La dimensión militante de las pinturas de Tarsila de la década de 1930 y su capacidad para acompañar las profundas transformaciones de su entorno social y urbano hasta los años sesenta confirman la fuerza de una obra en sintonía con su tiempo y siempre dispuesta a renovarse, a pesar de las inestables condiciones que debe afrontar, según las épocas y los contextos, una mujer artista emancipada e independiente.
Con su invitación a adentrarnos en una modernidad brasileña que ella contribuyó a forjar aún más de lo que la ilustró, Tarsila do Amaral revela en su trabajo toda la complejidad de este concepto siempre sujeto a debate, que, aún hoy, suscita cuestiones identitarias y sociales de gran actualidad, tanto en Brasil como en Europa.
Exposición organizada por el Museo Guggenheim Bilbao y le GrandPalaisRmn
Salas: 201, 202, 203 
Comisarias: Cecilia Braschi y Geaninne Gutiérrez-Guimarães 
Sedes: Musée du Luxembourg, París; Museo Guggenheim Bilbao
 
Tarsila do Amaral 
Tarjeta postal (Cartão postal), 1929 
Óleo sobre lienzo, 127,5 x 142,5 cm 
Colección particular, Río de Janeiro 
© Tarsila do Amaral Licenciamento e Empreendimentos S.A. 
Foto: Jaime Acioli

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Tarsila do Amaral. Pintando el Brasil moderno

Figura central del modernismo brasileño, Tarsila do Amaral (o Tarsila, su nombre artístico) es la creadora de una obra original y evocadora, basada tanto

Tarsila do Amaral. Pintando el Brasil moderno | Guggenheim Bilbao Museoa

Paul Pfeiffer

Los productos puros se vuelven locos

La cuenta larga (Estruendo en la jungla)

Maldad en directo (Kuala Lumpur)

La mañana después del Diluvio

Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis

Los Santos

Torso de Justin Bieber

La práctica artística de Paul Pfeiffer se caracteriza por su análisis en profundidad de la naturaleza del espectáculo, la identidad y los intrincados mecanismos empleados para la construcción de imágenes en la cultura contemporánea. Abarcando una diversidad de medios, como el vídeo, la fotografía, la escultura y la instalación, su obra le permite explorar las diferentes y complejas formas en que las imágenes definen nuestra percepción y experiencia.
Resulta clave en el trabajo de Pfeiffer su manipulación de imágenes en movimiento de eventos deportivos, conciertos de música y películas, que el artista edita con destreza mediante tecnología digital. Sus creaciones a menudo reflexionan sobre la dicotomía entre veneración y cosificación, particularmente en referencia a iconos globales, como deportistas o estrellas del pop. Pfeiffer pone de relieve los distintos roles que desempeñan estas figuras en la cultura de masas, dirigiendo la atención hacia la artificiosidad de las representaciones que proyectan los medios e incitando al público a examinar de manera crítica su propia posición en el consumo de estas imágenes.
Las instalaciones de Pfeiffer a menudo incorporan elementos relacionados con la escala, yuxtaponiendo formatos minúsculos con otros de gran envergadura para alterar nuestra relación con la obra. Este enfoque intensifica la percepción de la presencia física de quien observa en relación con el espectáculo. Además, Pfeiffer emplea la forma arquitectónica del estadio y otros recintos similares como un prisma crítico a través del cual examina la experiencia colectiva que entraña ser espectadores. A su juicio, estos espacios no son meros lugares de entretenimiento, sino escenarios donde se definen y cuestionan identidades sociales y políticas.
La exposición Paul Pfeiffer: Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad constituye la presentación más amplia del trabajo de este artista en Europa, con una treintena de obras que abarcan el conjunto de su prominente carrera y reafirman su posición como uno de los creadores más influyentes del momento. Comenzando en esta sala y continuando en la galería 103 (en esta misma planta), la muestra traza la evolución de Pfeiffer a través de piezas icónicas que se basan en la intensidad de las narrativas de los deportes y la religión, y se exhiben junto a otras obras recientes que abordan el legado del colonialismo y los aspectos identitarios que conlleva. En definitiva, esta muestra no solo celebra la decisiva aportación de Pfeiffer al arte contemporáneo, sino que también proporciona un marco crítico para analizar las complejas cuestiones de la identidad, la pertenencia y la influencia generalizada de la cultura de los famosos, subrayando la relevancia de su trabajo en una sociedad saturada por los medios.
Exposición organizada por The Museum of Contemporary Art, Los Ángeles, en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao
Salas: 105 y 103
 
Paul Pfeiffer 
Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis (Four Horsemen of the Apocalypse) (07), 2000/24 
Impresión mate en color 
146,3 x 182,9 cm 
Cortesía del artista y carlier | gebauer 
© Paul Pfeiffer. Cortesía del artista; Paula Cooper Gallery, Nueva York; carlier | gebauer, Berlín/Madrid; Perrotin; y Thomas Dane Gallery, Londres
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Paul Pfeiffer: Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad

Arquitectura de masas

La práctica de Pfeiffer

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de Paul Pfeiffer. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

Paul Pfeiffer. Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad

La práctica artística de Paul Pfeiffer se caracteriza por su análisis en profundidad de la naturaleza del espectáculo, la identidad y los intrincados

Paul Pfeiffer. Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad | Guggenheim Bilbao Museoa

12€ Adultos - 6€ Jubilados - 6€ Estudiantes

La iniciativa TopARTE del Museo Guggenheim Bilbao se reafirma en su compromiso con las entidades y agentes culturales de nuestro entorno más próximo. El resultado de esta fructífera colaboración es un variado programa multidisciplinar rico en contenidos y formatos, y destinado a todos los públicos.
Así, en el marco de esta iniciativa se presentan en el Museo actividades que abarcan disciplinas tan diversas como la arquitectura, el cine, la danza, el diseño, la gastronomía, la música, la performance o el teatro.