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Exposiciones | Guggenheim Bilbao Museoa

Artes de la tierra

Audioguía

Iberdrola

Sala 205

Sala 206

Sala 207

Sala 209

Salas 201 y 203

Sala 202

La exposición Artes de la Tierra propone una relectura de las transformaciones que las prácticas artísticas han experimentado en las últimas décadas sobre el trasfondo de una crisis medioambiental cada vez más evidente e inabarcable. Dibujando una cartografía multidisciplinar y diversa, la muestra ofrece un inventario posible de herramientas, prototipos e hipótesis. Estos se presentan no de manera “prescriptiva”, dictaminando lo que debería ser hecho, pensado o sentido, sino más bien documental, recogiendo señales del viraje que, en los últimos 60 años al menos, ha afectado a la producción estética tanto en lo relativo a los materiales como a la conciencia sobre los mismos. Atestiguan esta transformación un buen número de obras históricas, reconstruidas parcial o totalmente, recreadas o reactivadas, así como piezas contemporáneas que, lejos de querer durar por siempre, abren camino a una economía circular del arte. Su existencia está supeditada, así, al mantenimiento de los ecosistemas en los que se originan y a los que volverán.
Artistas de varias generaciones del pasado reciente y pertenecientes a muy diferentes culturas se han preguntado cómo trabajar con la tierra cuando más necesita cuidados y reparaciones; cómo apreciar y retribuir sus dones; cómo aprender de lo que nos brinda, cuando parece despojada de su riqueza original. El potencial constructivo del suelo y las sustancias que lo componen nos lleva mucho más allá de las formulaciones clásicas de la escultura, la arquitectura, el diseño o el paisajismo. El suelo, en un sentido concreto, cercano y dinámico, es el escenario de incesantes comunicaciones e intercambios, de solidaridad esencial entre especies constantemente trascendidas por el bien del conjunto. A las obras de arte, proyectos, documentos y objetos del saber ancestral se une, en Artes de la Tierra, una museografía que hace uso de nuevos materiales de origen local, compostables o reciclados, y un enfoque innovador de la logística expositiva, que reafirma y expande el compromiso con la sostenibilidad del Museo Guggenheim Bilbao.
Salas: 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Comisario: Manuel Cirauqui
 
Giuseppe Penone 
Uña y hojas de laurel (Unghia e foglie di alloro), 1989 
Vidrio y hojas de laurel 
Cortesía del artista y Marian Goodman Gallery 
Foto: Alex Yudzon

Sustrato del arte

Emblemas de la diversidad

Prácticas ancestrales

Obras que retornan al ecosistema

Curando el ecosistema

Obras vivas y renovables

Artes de la Tierra

La exposición Artes de la Tierra propone una relectura de las transformaciones que las prácticas artísticas han experimentado en las últimas décadas sobre

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Mark Leckey

Charla inaugural

Mark Leckey. Y la ciudad se alzaba en todo su esplendor es la segunda exposición del programa del Museo Guggenheim Bilbao in situ, que invita a artistas a crear obras expresamente para la sala 208 en interacción con la arquitectura del espacio. Planteando una intersección entre cultura popular, tecnología y memoria colectiva, Mark Leckey (Birkenhead, Reino Unido, 1964) recontextualiza imágenes históricas para generar un diálogo entre pasado y presente. Su trabajo supone una reflexión sobre la nostalgia y la clase social, e indaga en la manera en que los medios y la tecnología definen nuestro sentido de identidad y pertenencia.
Leckey creció en las inmediaciones de Liverpool a finales de la década de 1970 y durante los años ochenta, y se hizo adulto en medio del declive de los núcleos industriales de Inglaterra y de las fragmentaciones sociales que trajo consigo. Las fábricas cerraban, las comunidades se dividían y la cultura de masas que la televisión y la publicidad contribuían a difundir se configuró como un nuevo tipo de paisaje. En ese clima convulso y mediatizado nace la fascinación del artista por la forma en que imágenes, sonidos y tecnologías conforman una imaginación y un sentido de pertenencia compartidos.
Para esta exposición, Leckey se inspira en la pintura de Sassetta Ciudad junto al mar (1424), uno de los primeros paisajes del arte occidental en el que un entorno urbano se convierte en el tema principal. La obra muestra, en un espacio geométricamente complejo pero aplanado, una localidad medieval fortificada que se erige en una colina. Según Leckey, “la ciudad trasciende las leyes de la física; es una ciudad del pasado y del futuro”. Su interpretación parte de la imagen bidimensional para llegar a la forma escultórica, habitando el umbral entre la realidad material y el ámbito de lo inmaterial, lo real y lo imaginario.
La escultura forma parte en la instalación de un relato imaginado cuyo tempo está definido por un bucle de seis minutos de luz y sonido compuesto por el artista. La banda sonora ambiental —construida a partir de la superposición de fragmentos de audio encontrado, música y ciertas voces— se desarrolla como una corriente a la deriva, en la que de repente irrumpen palabras y melodías. Su progresión se refleja en un ciclo cambiante de luz que va desde el amanecer hasta el crepúsculo. En el punto medio, se produce un intenso efecto estroboscópico que coincide con el crescendo de la banda sonora e inunda brevemente la sala con un resplandor casi cegador. Proyectada directamente sobre la escultura, la iluminación anima sus superficies y convierte un objeto sólido en una aparición parpadeante. Juntos, estos elementos inmateriales —el sonido y la luz— estructuran el arco narrativo y la atmósfera de la obra, envolviendo al público en un espacio temporal densamente cargado que oscila entre la revelación y el esfumado.
La instalación visualiza cómo el espacio físico, el sonido y la luz confluyen con fuerzas intangibles —sistemas digitales, inteligencia artificial, experiencia trascendente— evocando la transformación y la inestabilidad. A través de la fusión de elementos materiales e inmateriales, Leckey crea un lugar donde lo visible y lo invisible chocan en un encuentro que es a la vez inmediato, extraño y trascendente.
Salas: 204, 208 
Comisaria: Lekha Hileman
Mark Leckey 
Vista de la instalación Y la ciudad se alzaba en todo su esplendor (And the City Stood in its Brightness, 2025) en el Museo Guggenheim Bilbao

El proceso tras in situ: Mark Leckey

Compromiso con la música

En el museo 

in situ: Mark Leckey. Y la ciudad se alzaba en todo su esplendor

Mark Leckey. Y la ciudad se alzaba en todo su esplendor es la segunda exposición del programa del Museo Guggenheim Bilbao in situ, que invita a artistas a

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Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao

Plano audioguía

Sala 305. Abstracción y espacio

Sala 306. Gesto y acción

Sala 307. Arte y lenguaje

Sala 304. El Anatsui

Sala 301. Yayoi Kusama

Sala 302. Arte y conflicto

Sala 303. Ecos del Arte Pop

Con esta nueva exposición, el Museo Guggenheim Bilbao presenta la ampliación de sus fondos gracias a sus recientes adquisiciones, a las donaciones de la D.Daskalopoulos Collection y la Fundación Al Held, así como al depósito a largo plazo de medio centenar de piezas de la Colección Inge Rodenstock. Estas incorporaciones fortalecen la representación de movimientos y figuras fundamentales del arte de la segunda mitad del siglo XX, como Jean-Michel Basquiat, Yves Klein, Jeff Koons, Antoni Tàpies, Cy Twombly o Andy Warhol, y amplían las líneas narrativas de la Colección mediante la introducción de distintos estilos y nombres, como Hanne Darboven, Al Held, Damien Hirst, Martin Kippenberger o Robert Ryman, entre otros. Así, este conjunto de obras supone una aportación extraordinaria para la institución, que permite poner de relieve singulares vínculos entre artistas, movimientos y épocas.
A excepción de las salas 301 y 304, dedicadas a un único artista —Yayoi Kusama y El Anatsui, respectivamente—, todos los espacios se conciben como presentaciones corales independientes que propician una multiplicidad de lecturas y diálogos inéditos entre las piezas de la Colección. Esta estrategia refuerza el compromiso del Museo con la creación de un relato dinámico y plural que refleje la riqueza y complejidad del arte contemporáneo, y contribuya a la investigación y difusión de la historia del arte desde los años cincuenta hasta hoy.
Esta exposición se ha concebido respetando el diseño original del edificio planteado por Frank Gehry, de modo que la configuración arquitectónica sea parte activa y fundamental de la experiencia artística.
Comisaria: Marta Blàvia
Andy Warhol 
Ciento cincuenta Marilyns multicolores (One Hundred and Fifty Multicolored Marilyns), 1979 
Acrílico y serigrafía sobre lienzo 
201 x 1,055 x 6 cm 
Guggenheim Bilbao Museoa

Colecciones en diálogo

Coleccionismo privado

Colección Guggenheim Bilbao

Coleccionismo corporativo

Con esta nueva exposición, el Museo Guggenheim Bilbao presenta la ampliación de sus fondos gracias a sus recientes adquisiciones, a las donaciones de la

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Maria Helena Vieira da Silva. Anatomía del espacio

Maria Helena y Arpad

La anatomía del espacio

Jaque mate: bailarines, jugadores de ajedrez, jugadores de cartas

La Segunda Guerra Mundial desde Río de Janeiro

El regreso a París

Ciudades reales e imaginadas

Exteriores e interiores

Tonos de blanco

Maria Helena Vieira da Silva nace el 13 de junio de 1908 en el seno de una familia acomodada. Al fallecer su padre cuando ella tiene solamente 2 años, su madre la criará con la ayuda de su entorno familiar. Vieira da Silva crece en un ambiente donde se aprecia el arte y el teatro, desarrollando un gusto por la música que dejará en ella una impronta duradera. Estudia pintura y dibujo en la Academia de Bellas Artes de Lisboa y en 1928 se traslada a París para continuar su formación en la Académie de la Grande-Chaumière, donde conocerá a su futuro marido, el pintor húngaro Arpad Szenes. Ambos residen en París hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, que los lleva a refugiarse en Río de Janeiro; siete años después, regresan a París. Ya a finales de la década de 1950, las complejas abstracciones de Vieira da Silva le otorgan fama y reconocimiento. La artista seguirá pintando hasta bien entrados los años ochenta. Habiendo recibido numerosas distinciones, entre ellas su nombramiento como Commandeure de l’ordre des Arts et des Lettres por parte del Gobierno francés en 1960, la artista fallece en París el 6 de marzo de 1992.
Esta exposición recorre la producción de Vieira da Silva comprendida entre las décadas de 1930 y 1980 centrándose en su interés por el paisaje arquitectónico y en el papel que desempeña la memoria en su obra. Fundamentan la muestra una selección de pinturas clave que revelan el despliegue constante e iterativo de formas abstractas e ilusiones ópticas en su trayectoria. Otro aspecto clave que aquí se aborda es la relación entre abstracción y figuración en su trabajo, tal y como se manifiesta en sus espacios arquitectónicos, donde se desdibuja la distinción entre paisaje urbano real e imaginado. Las creaciones de la artista incorporan diversos estilos e influencias, como la geometría decorativa de los azulejos hispanoárabes, los manteles de cuadros que aparecen en las pinturas de Pierre Bonnard o la abstracción propia del Cubismo y del Futurismo. Su personal vocabulario está compuesto de tableros de ajedrez, entramados de líneas entrecruzadas, perspectivas esquivas y espacios que se desvanecen, lo que sugiere, como ella misma afirmó, que “una pintura nunca está terminada”.
La obra de Vieira da Silva ha estado históricamente muy ligada tanto al legado de Peggy Guggenheim como al de Solomon R. Guggenheim. Fue una de las 31 artistas que Peggy Guggenheim incluyó en su exposición 31 Women, celebrada en 1943 en su museo/galería Art of This Century; y Hilla Rebay fue una de sus primeras valedoras, adquiriendo en 1937 el cuadro Composición (1936) para la Colección Fundacional de Solomon R. Guggenheim.
Vieira da Silva habló pocas veces de su trabajo. Al respecto, decía: “Los pintores podemos sonar estúpidos cuando hablamos. Sabemos muchas cosas, pero hablamos a través de nuestras pinturas”. Sin embargo, en una ocasión se vio obligada a explicar su método; esbozó entonces una certera síntesis: “En general, no me gustan las obras que hacen alarde de su dificultad. Prefiero esas otras obras refinadas que nos permiten presentir, adivinar desde lejos, la complejidad de las cosas del mundo”.
Sala: 105 
Comisaria: Flavia Frigeri 
Sedes: Peggy Guggenheim Collection, Venecia; Museo Guggenheim Bilbao
 
Maria Helena Vieira da Silva (1908 – 1992) 
Figura de ballet (Figure de ballet), 1948 
Óleo y grafito sobre lienzo, 27 × 46 cm 
Cortesía de la Galerie Jeanne Bucher Jaeger, París - Lisboa 
N.º de inventario: CR587

Maria Helena Vieira da Silva

El estudio de la artista

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de Maria Helena Vieira da Silva. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

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Conferencia inaugural: Sky Hopinka

Sky Hopinka

Sky Hopinka explora la cultura, la historia y las creencias tradicionales indígenas a través de temas como la identidad, la memoria, el lenguaje y el mito. Perteneciente a la nación Ho-Chunk de Wisconsin y descendiente de la Banda Pechanga, del pueblo de los luiseños del sur de California, Hopinka nació y creció en Ferndale, Washington (EE. UU.). El Pacífico noroccidental ocupa un lugar destacado en la obra artística de Hopinka, especialmente cuando profundiza en la investigación de conceptos como la patria, la identidad personal y el paisaje. Sus películas proponen una reflexión sobre las complejidades de la vida indígena contemporánea, al fusionar el cine no narrativo, la poesía y las imágenes abstractas con un enfoque etnopoético, una reacción contra la mirada etnográfica que durante mucho tiempo ha cosificado las culturas indígenas en el formato audiovisual.
El cine etnopoético analiza temas de identidad cultural, desplazamiento y experiencia cotidiana mediante una combinación de técnicas fílmicas documentales y experimentales, resaltando así los aspectos artísticos y performativos de la expresión cultural. Resulta clave en el trabajo de Hopinka un profundo compromiso con el relato desde su perspectiva indígena, una narrativa largo tiempo relegada en el canon occidental. Como explica el artista: “Mi deseo de hacer películas respondía en parte a la necesidad de contar historias indígenas que fueran propias de mi comunidad y de mi identidad”.
En Desmayos (2018), Hopinka explora la historia de la creación de la Xąwįska o planta de pipa de indio, también conocida como "flor fantasma" o "planta cadáver". El pueblo Ho-Chunk ha utilizado tradicionalmente esta planta medicinal para reanimar a quienes se desmayaban; también es emblemática de la identidad, el conocimiento y las culturas indígenas. Además, su simbolismo se puede relacionar con los ciclos de la vida y la muerte, y con el mundo espiritual. A pesar de su amplia investigación, Hopinka no logró encontrar un mito relativo a esta planta que determinara sus orígenes, por lo que él mismo ideó uno, contribuyendo así a la práctica de creación y preservación de mitos de su propia cultura indígena.
Este cortometraje de tres canales comienza con un poema manuscrito que va surcando escenas de un colorido paisaje en expansión, acompañadas de evocadora música. El poema, que también se encuentra rotulado, habla directamente a la Xąwįska, que más adelante aparece personificada como una figura envuelta en una capa y nos lleva a recorrer el mundo de los espíritus en diferentes estados de conciencia. En la obra, filmada en Washington, Colorado, Wisconsin, Oregón y Nuevo México, Hopinka genera una narrativa de ensoñación al combinar música, poesía, sonido, color e imágenes en una experiencia inmersiva única, específicamente adaptada en esta ocasión para el Museo Guggenheim Bilbao.
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Poema Desmayos (2018)
Xąwįska, Planta Fantasma, te has desmayado otra vez. 
Arranqué una flor de tu hombro 
y la aplasté entre mis dedos 
hasta que se convirtió en un amasijo gris claro. 
Le prendí fuego y soplé el humo en tu cara. 
Mientras esperaba a que te despertaras, pensé en las veces en que tu 
risa me despertaba de soñar despierto. 
¿Qué son esos verdiazules, esos naranjas, esos rosados? 
¿Ese torbellino de humo que te ruega que te eleves? 
Siempre he querido hacer estas preguntas. 
Cuando por fin ascendiste, soplaste el humo hacia tus manos 
y hablaste de mi madre.
Xąwįska, llevas sentada fuera demasiado tiempo. 
La noche está cayendo y los espíritus pueden vernos. 
Es hora de irse a casa. 
Me habías dicho: “Cuando veas los robles rojos, sigue la orilla del agua. 
Más adelante, verás que el río se bifurca: 
allí hallarás una hermosa parcela. 
Cualquier cosa brillante que lleves en las manos, quítatela; 
también si llevas algo colgado al cuello o en el resto de tu cuerpo, 
y nada hasta la orilla más cercana".
Xąwįska, te has desmayado otra vez. 
He intentado revivirte como yo aprendí. 
Pero no hay manera de que despiertes. Ahí sigues, inmóvil. 
Tú me enseñaste a cantar las canciones de nuestros hermanos 
para que nuestros parientes nos reconocieran. 
“¡Nuestras voces se oirán tan alto que llegarán al cielo!” 
Eso es lo que me dijiste. Eso es lo que recuerdo.
Xąwįska, has caído otra vez. Arranco flores de tu hombro, 
de tu brazo, de tu pierna. 
Las machaco y hago una pasta y le prendo fuego. 
Xąwįska, qué callada estás. 
Estoy junto a ti y respiro una bocanada llena de tu humo. 
Exhalo sobre ti. 
Ardes y te vuelves ceniza y te derrumbas. 
Me quedo solo otra vez. 
Pienso en aquel lugar del que una vez me hablaste, 
en la bifurcación del río, con los robles, 
mientras el cielo se vuelve rojo. 
Me he quedado aquí hasta ahora. 
Llevo aquí mucho tiempo. 
Ahora, yo mismo vagaré bordeando la orilla del lago.
Sala: 103 
Comisaria: Geaninne Gutiérrez-Guimarães
 
Sky Hopinka 
Desmayos (Fainting Spells), 2018 
Video de tres canales en color, con sonido, 9 min, 45 s 
A.P. 1/2, edición de 3 
Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, adquirido con fondos aportados por el Photography Council 
© Sky Hopinka

Biografía Sky Hopinka

Sky Hopinka, Desmayos

Sky Hopinka explora la cultura, la historia y las creencias tradicionales indígenas a través de temas como la identidad, la memoria, el lenguaje y el

Sky Hopinka, Desmayos | Guggenheim Bilbao Museoa

15€ Adultos - 7.5€ Jubilados - 7.5€ Estudiantes

La iniciativa TopARTE del Museo Guggenheim Bilbao se reafirma en su compromiso con las entidades y agentes culturales de nuestro entorno más próximo. El resultado de esta fructífera colaboración es un variado programa multidisciplinar rico en contenidos y formatos, y destinado a todos los públicos.
Así, en el marco de esta iniciativa se presentan en el Museo actividades que abarcan disciplinas tan diversas como la arquitectura, el cine, la danza, el diseño, la gastronomía, la música, la performance o el teatro.

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