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Exposiciones | Guggenheim Bilbao Museoa

Yoshitomo Nara

Audioguia

Plano audioguía

Charla inaugural

Visita privada con la comisaria

Fundación BBVA

Un lugar solitario

En busca de lo que faltaba

Aquí tengo todo lo que necesito

Tras el terremoto

Pensar en silencio

Bajo el cielo brumoso

Dibujando las líneas y defendiendo la paz

Yoshitomo Nara es uno de los artistas más célebres de su generación. Su obra es ampliamente reconocida por las audaces y caricaturescas figuras infantiles de gran cabeza y ojos grandes tan fascinantes como en ocasiones amenazadoras, desafiantes e insolentes, o melancólicas e inseguras, que con el paso del tiempo se han vuelto cada vez más serenas y reflexivas. Si bien Nara no obtuvo una aceptación inmediata en el mundo del arte, su innovador estilo gráfico está plenamente consolidado en la actualidad.
Los personajes de Nara —sus figuras, animales y seres híbridos— son un reflejo de sí mismo, una representación plástica de sus emociones y pensamientos más íntimos, y muestran la profundidad de su humanismo. Las fuentes de su creación son recuerdos de infancia —grabados a fuego en su memoria—, su conocimiento de la música y la literatura, la historia del arte japonés y europeo —enriquecida por su insaciable curiosidad—, así como los estimulantes encuentros, llenos de empatía, que ha mantenido con personas y culturas en sus viajes por Japón y el extranjero.
Conocido por su actitud desenfadada y su espíritu libre, el artista siempre ha sentido pasión por la música folk, rock y punk underground. Desde su profunda implicación con la humanidad y la sociedad, su obra, comprometida con el mundo que compartimos, examina y propone ideas acerca de cuestiones como el hogar, la comunidad, la naturaleza, el medioambiente y las interrelaciones entre estos ámbitos.
Nacido en 1959 en las afueras de Hirosaki, en el norte de Japón, Nara estudió pintura en la Universidad de Bellas Artes de Aichi. A finales de la década de 1980 se trasladó a Alemania para asistir a la prestigiosa Kunstakademie de Düsseldorf. Permanecería en aquel país doce años, durante los cuales continuó desarrollando su singular lenguaje pictórico. En 2000 regresó a Japón, donde sigue viviendo y trabajando en la actualidad. Su arte guarda una relación directa con su propia historia y experiencias vitales. Nutren el corazón de su obra los imborrables recuerdos de su infancia en Japón —sobre todo la sensación de soledad— y de su estancia en el extranjero, con la habitual impresión de aislamiento que conoció en Alemania, al no hablar el idioma del país.
Esta retrospectiva no está organizada cronológicamente, sino que Nara la ha estructurado expresamente por temas con el fin de revelar sus claves personales y emocionales al objeto de transmitir su razón de ser como artista, así como las ideas que le interesan y resultan fundamentales en su proceso creativo: cuestiones recurrentes, el desarrollo de su enfoque formal y la variedad de técnicas.
La muestra nos sumerge en el sugerente “Mundo de Nara” a través de una serie de piezas que abarcan las cuatro últimas décadas. Original y persistente, la iconografía de Nara ilustra bien la continuidad de pensamiento que ha mantenido a lo largo de toda su carrera y permite poner de relieve su evolución estilística. Aunque Nara se considera principalmente un pintor, explora cada tema recurriendo también a otros medios y formatos, como el dibujo, la escultura y la instalación.
Sala: 105 
Comisaria: Lucía Agirre 
Sedes: Museo Guggenheim Bilbao; Museo Frieder Burda, Baden-Baden; Hayward Gallery-Southbank Centre, Londres
 
Yoshitomo Nara 
En el charco más profundo II (In the Deepest Puddle II), 1995 
Acrílico sobre algodón montado sobre lienzo 
120 x 110 cm 
Colección Ruytaro Takahashi 
© Yoshitomo Nara, cortesía Yoshitomo Nara Foundation

Infancia

En el extranjero

Regreso a Japón

Gran Terremoto de Japón Oriental

En el museo

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Yoshitomo Nara es uno de los artistas más célebres de su generación. Su obra es ampliamente reconocida por las audaces y caricaturescas figuras infantiles

Yoshitomo Nara | Guggenheim Bilbao Museoa

Anthony McCall: Fracción de segundo

Coincidiendo con el décimo aniversario de la programación expositiva dedicada a las prácticas artísticas de la imagen en movimiento, la galería Film &amp; Video albergará la obra, a la vez fílmica y radicalmente abstracta, de Anthony McCall (Orpington, Reino Unido, 1946). De manera característica y siempre enigmática, la práctica de este artista británico afincado en Nueva York aúna la proyección cinematográfica con el fenómeno escultórico; pero igualmente puede ser observada desde el punto de vista del dibujo en el espacio o del arte lumínico. Desde la década de los setenta hasta hoy, McCall ha construido su trabajo en torno al concepto de “luz sólida”, una noción con la que se refiere al efecto de volumen que la proyección controlada de planos luminosos genera en un espacio expositivo.
Así, el artista produce formas que se mueven hipnótica e intangiblemente en la penumbra de la sala. En claro diálogo con las obras de Richard Serra y Lucio Fontana en la Colección, esta exposición reúne un conjunto de piezas en una configuración absolutamente inédita y pensada específicamente para el espacio del Museo. Junto a ellas se incluirán elementos inéditos de su archivo, que ayudarán a contextualizar la investigación de McCall en las últimas décadas.
Sala: 103 
Comisario: Manuel Cirauqui
 
Anthony McCall 
Cara a cara (Face to Face), 2018 
Vista de la exposición en Hepworth Wakefield, Reino Unido, 2018 
Foto: Darren O’Brien/Guzelian Pictures. Cortesía del artista

Coincidiendo con el décimo aniversario de la programación expositiva dedicada a las prácticas artísticas de la imagen en movimiento, la galería Film &amp;

Anthony McCall: Fracción de segundo | Guggenheim Bilbao Museoa

3ª planta

Audioguía

Tercera planta

Esta presentación de la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao muestra una selección de obras que singularizan momentos clave de la historia del arte posterior a la Segunda Guerra Mundial. En un gesto ambicioso por amplificar la resonancia entre arte y arquitectura, esta instalación de algunas de las piezas más sobresalientes de estos fondos también resalta la arquitectura original del edificio. La exposición celebra igualmente los espacios diáfanos y llenos de luz del tercer piso del Museo.
La exposición se inspira tanto en el acervo de obras singulares de artistas como en movimientos de la historia del arte bien ilustrados en la Colección. Así, la muestra pone de relieve a autores que trabajaron a la vanguardia de su tiempo y cuyas contribuciones en su ámbito fueron realmente determinantes. Cada sala ofrece la oportunidad de contemplar la producción de un único artista o de varios que exploran preocupaciones compartidas desde diferentes perspectivas.
Algunas galerías de esta planta presentan instalaciones de ubicación específica o piezas únicas de carácter experiencial, como los espacios dedicados a Sol LeWitt y El Anatsui. La obra de este último, Mar creciente, es una escultura contemporánea de gran relevancia en la carrera del artista africano y constituye la última adquisición de la Colección. Otras salas acogen montajes temáticos sobre el desarrollo del arte abstracto que surgió tras la Segunda Guerra Mundial, así como aproximaciones entre el arte abstracto y lo espiritual, o abordan posteriores lenguajes artísticos que se desarrollaron entre 1960 y 1980, como el Pop y la presencia de lo popular en la creación contemporánea. Además, se incluye documentación histórica sobre estas corrientes artísticas y los autores que contribuyeron a ellas.
Salas: tercera planta 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller

Si las paredes hablaran…

El Anatsui

Jenny Holzer

Jeff Koons

Sol Lewitt

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao

Esta presentación de la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao muestra una selección de obras que singularizan momentos clave de la historia del

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao | Guggenheim Bilbao Museoa

Iberdrola

En 1906, Hilma af Klint (Estocolmo, 1862–1944) se embarcó en su proyecto más importante e innovador, las Pinturas para el templo. A lo largo de casi una década, realizó 193 obras pictóricas y dibujos que se alejaban de las representaciones conocidas hasta el momento. Audaces, llenas de color y a menudo liberadas de las ataduras que implican las referencias al mundo visible, estas piezas exploran fuerzas y estructuras que según Af Klint estaban ocultas a la vista. Al ejecutarlas, la artista abandonó las convenciones de la tradición académica sueca y dirigió su atención a las corrientes científicas y espirituales de su época. Incorporando ideas e iconografía de estos dos ámbitos y creando al mismo tiempo un vocabulario artístico personal y único, Af Klint se consolidó como una pionera en la representación de lo invisible.
Af Klint se abría camino como artista mientras asistía a los profundos cambios sociales de su tiempo, incluidos los movimientos por los derechos de las mujeres. Pese a las limitaciones a las que las mujeres se hallaban sometidas a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, Af Klint pudo formarse en la Real Academia de Bellas Artes y exponer sus obras figurativas más tradicionales, pero tuvo que luchar para desarrollar su arte con total libertad. En un contexto en el que se consideraba que las artistas solo eran capaces de copiar, y no de innovar, fueron escasas las ocasiones en las que exhibió su arte más abstracto y radical, y le costó mucho encontrar un público que supiera apreciarlo. Inasequible al desaliento, editó, conservó y catalogó al detalle su obra, con el fin de que pudiera llegar a una audiencia futura. Incluso estipuló que su trabajo no debía exponerse hasta pasadas dos décadas de su fallecimiento, considerando que entonces el mundo ya estaría preparado para comprenderlo. Finalmente, su pintura se mostró en 1986, cuarenta y dos años después de su muerte; pero han tenido que transcurrir varias décadas más para que su magnífico legado ocupe el lugar que merece.
Esta exposición presenta una panorámica de la trayectoria de la artista sueca, incluyendo, además de 110 de sus fundamentales Pinturas para el templo, varias creaciones tempranas más convencionales, dibujos automáticos que realizó con el grupo espiritista de Las Cinco, sus series dominadas por la geometría posteriores a las Pinturas para el templo, y acuarelas y cuadernos de apuntes de su último periodo.
Salas: segunda planta 
Comisarias: Tracey R. Bashkoff, Directora Senior de Colecciones y Curator Senior, Solomon R. Guggenheim Museum, y Lucía Agirre, Curator, Museo Guggenheim Bilbao
 
Hilma af Klint 
Grupo VI, Evolución, n.º 16, Serie WUS/Estrella de siete puntas 
(Grupp VI, Evolutionen, nr 16, Serie WUS/Sjustjärnan), 1908 
Óleo sobre lienzo 
102 x 133 cm 
Cortesía The Hilma af Klint Foundation, Estocolmo, HaK 84 
©The Hilma af Klint Foundation, Bilbao 2024

Hilma af Klint

En 1906, Hilma af Klint (Estocolmo, 1862–1944) se embarcó en su proyecto más importante e innovador, las Pinturas para el templo. A lo largo de casi una

Hilma af Klint | Guggenheim Bilbao Museoa

Mediante un recorrido a través de veinticinco años de su polifacética trayectoria, Paul Pfeiffer. Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad rendirá homenaje al innovador artista Paul Pfeiffer (1966, Honolulu, Hawái; vive en Nueva York), reconocido por su mordacidad y su cuestionamiento de nociones relacionadas con el espectáculo, la pertenencia y la diferencia. Basándose en los grandes eventos deportivos televisados y en el entretenimiento de masas, la obra de Pfeiffer deconstruye nuestra fascinación y obsesión por la cultura de la fama y desvela, a través de una impecable edición de metraje encontrado, cómo se moldea y manipula la conciencia colectiva. Al seguir el itinerario global de la circulación de imágenes, Pfeiffer muestra cómo el deseo, el heroísmo y la devoción forman parte de los mecanismos del arte, la religión, la política y la identidad nacional.
La exposición —que abarca desde sus primeros vídeos fundamentales hasta sus rompedoras obras más recientes, que eliminan las barreras entre los géneros de la fotografía, la instalación y la escultura— sitúa a Pfeiffer como uno de los artistas más influyentes de la actualidad. A sus emblemáticas obras en monitores LCD y proyectores en miniatura, como Fragmentos de la Crucifixión (según Francis Bacon) [Fragments of the Crucifixion (After Francis Bacon),1999], Juan 3,16 (John 3:16, 2000) o la trilogía La larga cuenta (The Long Count, 2000-01), se unen proyecciones de gran escala e instalaciones audiovisuales inmersivas como Los santos (The Saints, 2007), recreación audiovisual de la final de la Copa del Mundo de 1966 entre Inglaterra y Alemania, y Rojo verde azul (Red Green Blue, 2022), su última obra en vídeo. Esta muestra presenta asimismo por primera vez varias nuevas esculturas encargadas para la serie en curso Encarnador (Incarnator), realizada con la colaboración de “encarnadores”, escultores que trabajan en Filipinas, España y México. En este contexto, Pfeiffer retrata al cantante Justin Bieber con la apariencia de Jesucristo, transformándolo en un icono religioso. La producción de estas esculturas vincula las redes mundiales actuales con las rutas comerciales coloniales del siglo XVI.
Esta es la primera retrospectiva de Pfeiffer en EE.UU. y su presentación en el Museo Guggenheim Bilbao constituirá la mayor exposición del artista en Europa.
Salas: 103 y 105 
Sedes: MOCA, Los Ángeles; Museo Guggenheim Bilbao
 
Paul Pfeiffer 
Los cuatro jinetes del Apocalipsis (07) [Four Horsemen of the Apocalypse (07)], 2002 
Impresión digital DuraFlex 121.9 x 152.4 cm 
© Paul Pfeiffer, Bilbao, 2024. 
Cortesía del artista; Paula Cooper Gallery, Nueva York; carlier | gebauer, Berlín/Madrid; Perrotin; y Thomas Dane Gallery, Londres

Paul Pfeiffer. Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad

Mediante un recorrido a través de veinticinco años de su polifacética trayectoria, Paul Pfeiffer. Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad

Paul Pfeiffer. Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad | Guggenheim Bilbao Museoa

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La iniciativa TopARTE del Museo Guggenheim Bilbao se reafirma en su compromiso con las entidades y agentes culturales de nuestro entorno más próximo. El resultado de esta fructífera colaboración es un variado programa multidisciplinar rico en contenidos y formatos, y destinado a todos los públicos.
Así, en el marco de esta iniciativa se presentan en el Museo actividades que abarcan disciplinas tan diversas como la arquitectura, el cine, la danza, el diseño, la gastronomía, la música, la performance o el teatro.

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28.06.2024 - 03.11.2024

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19.06.2024 - 10.11.2024

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24.01.2023 - 31.12.2024

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