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Exposiciones | Guggenheim Bilbao Museoa

Pasadas

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La muestra abarca toda su trayectoria: las primeras pinturas monocromas en naranja, amarillo, verde, rosa y blanco, los famosos monocromos azules, los relieves y esculturas de esponja, las Antropometrías, los monodorados y sus últimos experimentos con elementos naturales como el fuego, el aire y el agua. La audaz obra de Klein, creada en tan sólo siete años, se anticipó a muchas de las tendencias posteriores como los happenings, las performances, el Land Art (arte de la tierra), el Body Art (arte del cuerpo) y algunos elementos del arte conceptual, y continúa estando vigente en la actualidad.
Yves Klein nació en 1928 en Cagnes-sur-Mer. Su padre, Fred Klein, era un pintor figurativo, y su madre, Marie Raymond, una pintora abstracta de la Escuela de París. A pesar de haber nacido en una familia de artistas, Klein comenzó su carrera como yudoka. Su gran devoción por la filosofía y la práctica de este arte marcial asiático (estudió en el renombrado Instituto Kōdōkan de Tokio durante quince meses) tuvo una influencia decisiva en su concepto del arte. El yudo de Kōdōkan está muy influenciado por la filosofía Zen, y representa la unión de la mente y el cuerpo, una mayor receptividad, la búsqueda de un estado de vacío y la total armonía con la existencia. Además, Klein se interesó desde muy joven por las enseñanzas religiosas cristianas difundidas por los seguidores de la Orden Rosacruz. El profundo interés que tuvo por el ritual, la inmaterialidad y el vacío a lo largo de toda su vida no deriva de una vinculación a dogma religioso concreto alguno, sino que expresa su preocupación por los temas espirituales.
La primera aparición oficial de Klein como artista plástico tuvo lugar en 1955, con la presentación de su monocromo Expresión del universo de color minio naranja en el Salon des Réalités Nouvelles. El Salon rechazó la pintura, argumentando que un solo color no bastaba para crear una pintura. La retrospectiva que presenta el Museo incluye una serie de estos primeros monocromos en amarillo, blanco, negro, rojo, rosa y verde.
Desde el principio, Klein prefirió utilizar rodillos en lugar de pinceles para eliminar cualquier rastro de la mano del artista en la aplicación de la pintura. El color se convierte, así, en lo más importante. Los lienzos de Klein, al no estar limitados por los bordes de la pintura, no pretenden ser vistos como planos, sino más bien como vibrantes campos de color que se expanden por el espacio. Para el artista, el color era "sensibilidad materializada"; el medio con el que expresa su esfuerzo por transformar la percepción puramente visual en un concepto más amplio de percepción sensorial. El artista francés desafió al público a que se sumergiera en el espacio infinito del color y experimentara una mayor sensibilidad hacia lo inmaterial.
Klein atribuyó un papel particular al color azul, que para él encarnaba los motivos más abstractos de la naturaleza tangible y visible como son el cielo y el mar. Para ello, durante largo tiempo buscó un azul que conservara la luminosidad original del pigmento y lo halló en el IKB (el Azul Klein Internacional): un azul ultramarino profundo que Klein desarrolló con la ayuda de un amigo químico y que luego patentó, convirtiéndose desde entonces su marca registrada.
Sus pinturas monocromas, esculturas y acciones, presentadas en exposiciones individuales en lugares como Milán, París, Dusseldorf y Londres, le convertirían rápidamente en un artista internacionalmente reconocido. Gracias a ese componente de acción que tiene su obra, Klein convirtió sus inauguraciones en eventos artísticos espectaculares, ofreciendo cócteles azules, o lanzando al cielo de París 1.001 globos azules para aumentar la sensibilidad por el azul de la población parisina. En sus utópicos proyectos, el artista fue aún más lejos: su Revolución Azul proponía que toda Francia fuese una superficie pictórica.
Además de una amplia selección de los primeros monocromos, el Museo Guggenheim Bilbao presenta un gran número de importantes relieves y esculturas de esponja azules (y algunos raros ejemplares en color rosa) en los que el artista combinó esponjas y pigmentos. Estas obras fueron realizadas después de los primeros relieves monumentales de esponja azules para el vestíbulo del Teatro de Gelsenkirchen. Su interés por la arquitectura le llevó a colaborar con el arquitecto alemán Werner Ruhnau en una serie de proyectos visionarios en forma de una "arquitectura del aire". La idea arquitectónica de Klein de sustituir las paredes por corrientes de aire fue tan revolucionaria como su exposición Le Vide (El vacío) en una galería de París en 1958. Con Le Vide el artista dio un paso más allá de la monocromía: en una sala completamente vacía, las paredes, pintadas de blanco por el artista, ponen al espectador en contacto directo con un espacio sensibilizado y sensibilizador. El arte ya no parece un objeto, sino que ahora se ve como una presencia artística que se percibe en el espacio. La exposición Le Vide está representada en la retrospectiva por una filmación que nos muestra a Klein ante sus paredes blancas.
Entre sus obras más fascinantes están las Antropometrías, que en su momento fueron muy controvertidas. Son las huellas corporales de color azul, rosa o dorado que los "pinceles vivientes" )modelos femeninos, y a veces masculinos, solos, en pareja o en grupo) dejan en lienzos y en papel de gran formato.
En las Cosmogonías, Klein capta en el lienzo las huellas del viento y la lluvia, y continúa sus experimentos con los elementos naturales, de los que también forma parte su último grupo de obras conocido como Pinturas de fuego. Estas obras, que se interesan por fenómenos pasajeros y universales, fueron creadas por medio de acciones espectaculares. Tanto este grupo de obras como las Antropometrías expresan la importancia que dio Klein a la acción. Las obras aquí mostradas pueden entenderse como reliquias, pues como dijo el propio Klein: "Mis obras son las cenizas de mi arte".
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<div class="work-description">
Yves Klein 
Cosmogonía azul y rosa con huellas de viento, Sin título (COS 27) [Cosmogonie bleue et rose avec traces de vent, Sans titre (COS 27)], 1961 
Pigmento seco en resina sintética sobre papel montado sobre tela 
93 x 74 cm 
Colección particular
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Yves Klein

La muestra abarca toda su trayectoria: las primeras pinturas monocromas en naranja, amarillo, verde, rosa y blanco, los famosos monocromos azules, los

Yves Klein | Guggenheim Bilbao Museoa

La exposición Miguel Ángel y su tiempo reúne los dibujos italianos más bellos e importantes que se conservan en la Albertina realizados durante la larga vida del gran artista florentino (1475–1564).
Miguel Ángel intervino decisivamente en la evolución del Renacimiento clásico y fue una fuente de inspiración crucial para el arte del Manierismo, de la Contrarreforma y del Barroco. Desarrolló un nuevo lenguaje corporal monumental, que para la mayoría de los artistas de su tiempo, al menos durante determinados períodos, fue un importante modelo. Esta nueva figura ideal, heroica y llena de fuerza, alcanzó su primer punto culminante en el gran fresco de la Batalla de Cascina, algunos de cuyos bocetos conservados en la Albertina se presentan en esta exposición.
En el origen de esta obra está la rivalidad con la Batalla de Anghiari, de Leonardo, el otro fresco que debía decorar la sala del Gran Consejo del Palacio de la Señoría de Florencia. Si bien no se conserva ninguno de ellos, son las dos representaciones de batallas más famosas de la Historia del Arte. El estudio anatómico de Miguel Ángel, que mediante la musculatura da al cuerpo un aspecto imponente al tiempo que expresa la agitada vida interior, la energía, la pasión y la fuerza de voluntad de sus criaturas, incluso influyó en Leonardo, del que se expone el célebre estudio para San Pedro en La Última Cena de Santa Maria delle Grazie, Milán.
El amplio espectro de los dibujos escogidos muestra qué diferentes fueron las reacciones a Miguel Ángel y las influencias que ejerció. Por otra parte, algunos artistas siguieron más bien los ideales de Rafael y Leonardo, que, a su vez, impresionaron profundamente a Miguel Ángel. Los dibujos expuestos de Leonardo, Fra Bartolomeo y Rafael documentan su rápida asimilación del nuevo lenguaje corporal. Con casi veinte hojas está representada toda la evolución de Rafael, desde su temprano período de Umbría, pasando por la marcada influencia de Miguel Ángel durante su época florentina, hasta las grandes obras romanas, como los frescos de las Estancias y las Logias del Vaticano, la Capilla Chigi en Santa Maria della Pace o la Transfiguración. En cuanto al propio Miguel Ángel, de su célebre fresco del techo de la Capilla Sixtina la exposición muestra un boceto para uno de los Ignudi (desnudos masculinos). Al contrario que las figuras del gran florentino, las de Rafael no son héroes poderosos y solitarios. Más bien se comunican entre ellas, sus movimientos son más flexibles y fluidos, y sus acciones se relacionan entre sí armónicamente y siempre se perciben en un contexto espacial. Cuando Rafael empezaba a dominar el mundo artístico de Roma, Miguel Ángel abandonó la ciudad, pero sus intereses siguieron representados allí por artistas como Baccio Bandinelli, Rosso Fiorentino o Perino del Vaga.
Tras la temprana muerte de Rafael en 1520, los discípulos y colaboradores de su taller representan su herencia. El más aventajado de ellos, Giulio Romano, que había sido admitido por Rafael en su taller cuando era un muchacho, concluyó los proyectos inacabados y continuó desarrollando el estilo romano all'antica. Invitado por el duque Federico II Gonzaga se trasladó a Mantua donde llegó a ser un admirado pintor de la corte y el principal arquitecto de la casa ducal. Como antes Rafael, Giulio contó con gran número de colaboradores, si bien él mismo realizaba los bocetos para cada detalle, como muestra el grupo de bocetos para la decoración del Palacio Té.
Artistas como Perino del Vaga, que en su juventud aprendieron de la Batalla de Cascina, pero que también trabajaron en el taller de Rafael, fundieron elementos estilísticos de ambos maestros en la década de 1520. Lo mismo es cierto de Correggio o de Parmigianino, del norte de Italia, que absorbieron la monumentalidad de Miguel Ángel y la gracia de Rafael, pero combinaron ambos elementos con un fuerte componente emocional que es característico de su arte. Parmigianino se concentró tanto en el estudio de Rafael en Roma que sus contemporáneos vieron en él una reencarnación del gran maestro de Urbino. Característica del desarrollo estilístico en la década de 1530 es la adopción de los motivos en movimiento más extremados de Miguel Ángel y Rafael, a los que la intensificación de los elementos artísticos y llenos de gracia e ingenio dan una nota cada vez más elegante y decorativa. Esta transición del Renacimiento clásico al Manierismo está documentada en obras que abarcan desde Rosso Fiorentino, Perino del Vaga y Domenico Beccafumi hasta Francesco Salviati y Giorgio Vasari.
Los nuevos avances en el retrato se deben, por un lado, a una fascinante aproximación al modelo natural y, por otro, a la tendencia a idealizar y destacar ciertos rasgos esenciales. El retrato de un Gonzaga joven y de aspecto distante, realizado por Francesco Bonsignori, todavía está vinculado con el estilo plástico de Andrea Mantegna, mientras que Bartolomeo Veneto, en su retrato de un noble desconocido, dirige la atención hacia los valores ópticos, hacia el efecto pictórico de la camisa bordada, del abrigo con dibujos y los cabellos iluminados por la luz del sol. En la tradición de Leonardo, Benardino Luini envuelve el rostro de su retrato de mujer en un sfumato leonardesco que rodea la piel como la niebla, dándole un aire vaporoso. El leve rubor del rostro presta a esa tierna criatura viveza y frescura. Para ello utiliza tizas de varios colores, como el florentino Andrea del Sarto, que sin embargo busca la geometrización y el endurecimiento escultural de las formas, como muestra el retrato atribuido de una dama noble.
El estilo de Miguel Ángel en la década de 1530 se aprecia, entre otros, en los dibujos relacionados con la muerte de Cristo, un tema al que, desde La Pietà de San Pedro, Miguel Ángel volvió toda su vida. Lamentación ante Cristo muerto está concebida con muchas figuras y en él se expresa el descenso del cuerpo de Cristo de la cruz mediante figuras de apoyo de pie y arrodilladas, y mediante la curvatura del cadáver. En el otro dibujo realizado con sanguina surge un maravilloso contraste entre las formas macizas y de líneas toscas de las figuras en segundo plano y el cuerpo del Salvador, que no está deformado por herida alguna y que en una postura en la que parece dormir cobra una belleza casi sobrenatural. Sólo la muerte de Cristo proporcionó al artista la posibilidad de representar a los hombres libres de tensiones internas, desesperación y dolor.
Todos los esfuerzos para que Miguel Ángel fuera a Francia como otros artistas de su tiempo resultaron vanos. Su fama como escultor se extendió en aquel país, gracias al colosal Hércules de mármol, no conservado en la actualidad, que había recibido el rey Francisco I, y a los dos esclavos de la tumba de Julio II que Roberto Strozzi hizo llevar a Francia. Por lo demás, allí viajó en 1531 Antonio Mini con dos arcas llenas de dibujos de Miguel Ángel, que le había regalado su maestro. Ofrecieron un valioso material de estudio a artistas como Francesco Primaticcio. Posiblemente por mediación de su amigo Miguel Ángel, Rosso Fiorentino fue a Francia en 1530. Trabajó como pintor real de la corte principalmente en París y en Fontainebleau, donde intervino en la decoración del palacio con un nutrido grupo de artistas a su cargo. Junto a Primaticcio, que posteriomente contó con la ayuda de Niccolò dell’Abate, se le considera el fundador de la escuela de Fontainebleau. Precisamente, estos artistas fueron los que difundieron en Francia los elementos estilísticos de Miguel Ángel.
Al finalizar los frescos de la Capilla Paolina (1550), Miguel Ángel dejó de pintar y dedicó todas sus energías a la arquitectura y la escultura. No obstante, realizó bocetos para sus amigos Daniele da Volterra, Ascanio Condivi y Marcello Venusti, que de esta forma perpetuaron las ideas de Miguel Ángel en sus pinturas. El dibujo de Daniele Eneas con un muchacho para un óleo, hoy perdido, desarrolla un esbozo que Miguel Ángel realizó a mediados de la década de 1550. Documenta admirablemente el estilo tardío del gran florentino, en el que las figuras se desarrollan a partir de formas compactas y masivas y sus movimientos aparecen bruscos y simplificados.
Con esta selección de obras maestras de la Albertina, la exposición muestra las distintas técnicas y funciones del dibujo y documenta la riqueza de materiales cuya utilización en esta época alcanza una cima en precisión y variedad. En cuanto al grabado, también se amplían las posibilidades, sobre todo gracias a las técnicas recién introducidas en Italia del aguafuerte y la xilografía del claroscuro, como atestiguan famosas estampas de Marcantonio Raimondi, Parmigianino y Ugo da Carpi.
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Rosso Fiorentino 
La Anunciación, ca. 1531–32 
Pluma y tinta parda sobre restos de dibujo preparatorio a tiza negra, pinceladas de acuarela parda, realces en blanco, cuadriculado a tiza negra, papel marrón 
257 x 441 mm 
Graphische Sammlung Albertina, Viena

Miguel Ángel y su tiempo

La exposición Miguel Ángel y su tiempo reúne los dibujos italianos más bellos e importantes que se conservan en la Albertina realizados durante la larga

Miguel Ángel y su tiempo | Guggenheim Bilbao Museoa

Esta amplia selección de obras maestras del Solomon R. Guggenheim Museum analiza los cambios que fue sufriendo la vanguardia desde finales del siglo XIX hasta la primera mitad del siglo XX.
Las pinturas de artistas impresionistas como Pierre Renoir y posimpresionistas como Georges Seurat y Vincent van Gogh representan la liberación de la pintura de los tradicionales géneros académicos en lo que más tarde se consideraría el comienzo de la era moderna. Situada en París, floreciente capital artística, la existencia de esta rebelde vanguardia hizo posibles numerosas innovaciones y desarrollos en el arte del siglo XX.
El Cubismo, formulado por Pablo Picasso y Georges Braque en los primeros años del siglo XX, ofrecía nuevas posibilidades de representar objetos tridimensionales en el plano pictórico bidimensional. Esta muestra también incluye pinturas fundamentales de Fernand Léger, Robert Delaunay y Juan Gris, quienes adaptaron el Cubismo a su sensibilidad particular, mientras que Pierre Bonnard y Marc Chagall representan la diversidad de enfoques que adoptaron otros artistas de la época. La presentación también incluye varios ejemplos de la diversidad de caminos que tomó la Abstracción pictórica: desde el decisivo papel de artistas como Vasily Kandinsky, Paul Klee y Piet Mondrian en el desarrollo de la pintura moderna hasta las formas biomórficas e imágenes irreales del Surrealismo que pueden observarse en los lienzos de Joan Miró.
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František Kupka 
Planos por colores, gran desnudo (Plans par couleurs, grand nu), 1909–10 
Óleo sobre lienzo 
150,1 x 180,8 cm 
Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York 
Donación, Sra. de Andrew P. Fuller, 1968

Del impresionismo al arte abstracto

Esta amplia selección de obras maestras del Solomon R. Guggenheim Museum analiza los cambios que fue sufriendo la vanguardia desde finales del siglo XIX

Del impresionismo al arte abstracto | Guggenheim Bilbao Museoa

El arte de mediados del siglo XX no solo fue importante por el cambio estilístico que trajo tras los estériles años de la Segunda Guerra Mundial, sino también porque con él, París perdió la hegemonía artística pasando el protagonismo a Nueva York, ciudad que se convertiría en el nuevo centro de la vanguardia artística, siendo el Expresionismo Abstracto, con sus amplios campos de color y la espontaneidad gestual, el nuevo protagonista. Entre algunos de sus más destacados exponentes se encuentran Jackson Pollock, que hacía gotear la pintura sobre sus lienzos, Willem de Kooning y sus explosivas obras llenas de energía, y Mark Rothko, quien prefiriendo la meditación a la acción, creó tranquilos planos de color.
Mientras los artistas asentados en América buscaban ser reconocidos como tales, los de Europa trataban de superar la desolación de la guerra. Uno de los movimientos que se desarrolló con más fuerza fue el Informalismo, o arte sin forma, que surge como reacción a la Abstracción Geométrica, el estilo pictórico predominante. El arte informal se alejó de la pintura tradicional favoreciendo la libertad de expresión artística a través del empleo de técnicas experimentales y de diferentes materiales. Para estos artistas, que aún se sentían oprimidos por la tiranía política y estética tras la Segunda Guerra Mundial, la obra de arte era además una forma de liberación política. En este movimiento, que abarcó a toda Europa, se inscriben figuras como Antoni Tàpies y Antonio Saura en España o Pierre Soulages y Hans Hartung en Francia. La preocupación por la materia y sus propiedades físicas se extendió hasta artistas como el escultor vasco Eduardo Chillida, quien en su obra explora conceptos como el límite, el vacío, el espacio y la escala.
La obra de Anselm Kiefer, de quien la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao posee una amplia representación, puede clasificarse en términos generales como neoexpresionista, tendencia surgida a finales de los años setenta que volvía a la pintura gestual de contenido alegórico. Los ejemplos que aquí se presentan ofrecen una visión general de la evolución de este artista en los últimos veinte años, que abarca diversidad de materiales y técnicas.
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Vista de la instalación en el Museo Guggenheim Bilbao
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Arte desde 1945: evolución, diversidad y diálogo

El arte de mediados del siglo XX no solo fue importante por el cambio estilístico que trajo tras los estériles años de la Segunda Guerra Mundial, sino

Arte desde 1945: evolución, diversidad y diálogo | Guggenheim Bilbao Museoa

Iberdrola (vertical)

Oteiza: mito y modernidad es la más amplia retrospectiva dedicada a este artista en los últimos quince años. Comisariada por Margit Rowell y Txomin Badiola, la exposición reúne aproximadamente 140 esculturas de museos y colecciones particulares y más de 40 dibujos y collages procedentes de la Fundación Museo Jorge Oteiza que nunca antes se habían presentado al público. Ubicada en las cuatro salas de formas singulares de la tercera planta del Museo, la muestra está organizada de manera que plasma la evolución formal y conceptual de Oteiza, reflejando así su proceso experimental.
Oteiza es, sin duda, uno de los creadores vascos más relevantes del siglo XX aunque su obra se ha expuesto en contadas ocasiones. Su trabajo es difícil de definir, ya que su obra es extremadamente personal y no puede ser comparada con la de ningún otro artista de su generación. Aunque retrospectivamente en sus etapas finales se le podría relacionar con el minimalismo americano —movimiento surgido con posterioridad al período creativo del artista— las esculturas de Oteiza se enraízan en las vanguardias artísticas de principios del siglo XX: cubismo, expresionismo, surrealismo y muy especialmente neoplasticismo y constructivismo, al tiempo que comparte con otros artistas posteriores a la II Guerra Mundial una particular sensibilidad hacia lo abstracto, espiritual y humanista.
Jorge Oteiza nació en Orio, Gipuzkoa, en 1908. Durante tres años cursa estudios de medicina en Madrid y posteriormente asiste a la Escuela de Artes y Oficios, época en la que realiza sus primeras esculturas influidas por la obra de Jacob Epstein, Dimitry Tsaplin y Alberto Sánchez que se expone en Madrid. En 1931 presenta en San Sebastián su escultura Adán y Eva, Tangente S=E/A obra con la que obtiene el primer premio en el IX Certamen de Artistas Noveles Guipuzcoanos. Su primer viaje a Latinoamérica en 1935 supone una etapa crucial en su vida; realiza una serie de exposiciones en Santiago de Chile y en Buenos Aires, al tiempo que se dedica a la docencia e investigación de la cerámica, primero en Buenos Aires y más tarde en Bogotá. En este tiempo publica su "Carta a los artistas de América. Sobre el arte nuevo en la posguerra" y plantea en sendas conferencias el "Informe sobre una estética objetiva (fórmula molecular, ontología, para el ser estético)" y "La investigación de la estatuaria megalítica en América", documentos que evidencian y avanzan, al igual que las obras realizadas en Bilbao a su regreso en 1948, la búsqueda de Oteiza de las bases de lo que sería el período más importante de su obra, su Propósito experimental.
A lo largo de la década de los cincuenta su obra fue ganando el reconocimiento nacional e internacional. En 1950 Unidad triple y liviana supone el inicio de una constante experimentación de "la naturaleza estética de la estatua como organismo puramente espacial" en la obra de Jorge Oteiza. Es también este año cuando aborda el importante encargo de la estatuaria de la basílica de Aránzazu, un enorme conjunto que proyectó en 1953 y ejecutó entre 1968 y 1969 en el que los motivos religiosos se despersonalizan, las figuras se vacían y al abrirse al espacio se cargan de contenido espiritual.
En 1955 comienza a trabajar en el tratamiento de la luz practicando, primero en relieves y más tarde en las formas exentas, unos pequeños orificios y perforaciones, completas o incompletas, que denomina "condensadores de luz". Estos orificios permiten, en obras como Homenaje a Boccioni (1956-57), que la luz penetre en el interior de la obra dotándola de una nueva energía. Su experimentación continúa en pequeños bloques de piedra, a los que realiza una serie de cortes con un disco, revelando así su estructura interior; estas Piedras discadas evidencian la búsqueda de Oteiza de una mayor intervención del espacio en la masa a través de la apertura de poliedros.
En 1956 Oteiza necesita un lenguaje nuevo que le permita abordar lo experimental en la escultura con la máxima radicalidad; para ello define una serie de unidades formales abiertas que, al ser relacionadas entre sí, vayan articulando todo un nuevo vocabulario. Durante los años 1956 y 1957 desarrolla sus series experimentales a partir de estos elementos. Las primeras creaciones de estas series son algunas de sus esculturas más importantes como Homenaje a Malevich (1957) o su conocida serie de maclas.
En 1957 recibe el Premio Internacional de Escultura en la IV Bienal de São Paulo con 28 esculturas presentadas en familias experimentales; también edita un catálogo con el texto Propósito experimental, 1956–57, en el que fundamenta los principios teóricos de su obra. Tras Sao Paulo, Oteiza reflexiona sobre el progresivo papel del vacío y el silencio que encuentra en su escultura. Formula en esta época la Ley de cambios según la cual, a una etapa de aumento de la expresión sucede otra de apagamiento de la misma: "siempre se parte de una nada que no es nada para llegar a una Nada que lo es todo".
En un rápido proceso que apenas dura dos años (1958-59) realiza sus obras conclusivas en las que plasma sus formulaciones anteriores. De ellas, las dedicadas a la desocupación del cubo, particularmente las Cajas vacías, son las que más fielmente representan las conclusiones de su experimentación. A partir de ellas desarrolla nuevos ensayos que culminan en sus obras más radicalmente preminimalistas como el Homenaje a Velázquez, de 1959. Ese mismo año, al relacionar el vacío que progresivamente se encontraba en su obra con el de los crómlech de la prehistoria vasca, Oteiza llega a "la conclusión experimental de que ya no se puede agregar escultura, como expresión, al hombre ni a la ciudad" y abandona la producción escultórica.
A lo largo de los años sesenta, Jorge Oteiza se entrega en cuerpo y alma a la investigación estética y lingüística, particularmente en el ámbito de la cultura vasca, y se implica activamente en la causa política y social del pueblo vasco, temas sobre los que publicó extensamente en libros como Quousque tandem!, 1963, o Ejercicios espirituales en un túnel, 1965. Entre 1972 y 1975 retorna a la escultura, completando algunas de sus series experimentales. En 1986, por primera vez en 25 años, su trabajo se incluye en una muestra internacional de escultura que, bajo el título Qu’est-ce que la sculpture moderne? organiza el Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, de París.
El conocimiento de la obra de Oteiza es escaso hasta 1988 cuando, objeto de una retrospectiva, por primera vez se puede apreciar la dimensión de su legado artístico en toda su amplitud en la muestra organizada por la Fundación Caja de Pensiones en Madrid, Bilbao y Barcelona. Ese mismo año su obra ocupa el pabellón de España en la Bienal de Venecia junto con la de Susana Solano.
A partir de entonces la obra de Oteiza comienza a recibir la atención que merece. Instituciones como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y el Museu d'Art Contemporani de Barcelona, o el Museo de Bellas Artes de Bilbao, entre otros, comienzan a adquirir sus piezas.
Exposición organizada por el Museo Guggenheim Bilbao con la colaboración del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Jorge Oteiza 
Fotografía de Oteiza tomada junto a la escultura Expansión espiral vacía, 1957, en la IV Bienal de São Paulo

Oteiza: Mito y modernidad

Oteiza: mito y modernidad es la más amplia retrospectiva dedicada a este artista en los últimos quince años. Comisariada por Margit Rowell y Txomin

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Un Picasso escondido es una muestra singular que coincide con la celebración del xx Congreso del Instituto Internacional para la Conservación de Obras Históricas y Artísticas en el que se presentará el resultado de un estudio de investigación en torno a dos obras realizadas por Picasso en 1900. Dicho estudio evidencia, mediante técnicas radiográficas, que bajo la obra Rue de Montmartre, del San Francisco Museum of Modern Art, existe un boceto previo de un club nocturno del París de la época que se asemeja, de forma sorprendente, al cuadro Le Moulin de la Galette perteneciente al Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York.
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Pablo Picasso 
El molino de la Galette (Le Moulin de la Galette), París, otoño de 1900 
Óleo sobre lienzo 
88,2 x 115,5 cm 
Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York 
Colección Thannhauser, Donación, Justin K. Thannhauser

Un Picasso escondido

Un Picasso escondido es una muestra singular que coincide con la celebración del xx Congreso del Instituto Internacional para la Conservación de Obras

Un Picasso escondido | Guggenheim Bilbao Museoa

Nyk Logistics

Ormazabal

Lanik

Mercedes Benz

El artista japonés Hiro Yamagata presenta su instalación más reciente en la parte exterior del Museo. Campo cuántico-X3 consiste en dos enormes estructuras revestidas de material holográfico sobre las que se proyectan masivos haces de rayos láser que configuran una vibrante composición. El acceso al interiri de los cubos ofrece al visitante una experiencia de luz y color dificilmente imaginable para nuestros sentidos. Su obra supera los límites naturales de la percepción humana haciendo que las partículas lumínicas se hagan visibles al ojo en un fascinante juego de luces y sombras.
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Hiro Yamagata 
Proyecto de instalación de Campo cuántico-X3 en el Museo Guggenheim Bilbao

Campo cuántico-X3

El artista japonés Hiro Yamagata presenta su instalación más reciente en la parte exterior del Museo. Campo cuántico-X3 consiste en dos enormes

Campo cuántico-X3 | Guggenheim Bilbao Museoa

Bill Viola, uno de los pioneros en el uso del vídeo, viene trabajando en este medio desde los años setenta, explorando la imagen en movimiento con creaciones monocanal, instalaciones y otras obras que reflejan su profunda vinculación con la historia del arte, la espiritualidad y otros temas relacionados con el concepto y la percepción. La exposición Bill Viola: temporalidad y trascendencia es una exploración temática del trabajo de este artista que reúne sus más significativas instalaciones recientes: Avanzando cada día (2002) y Cinco ángeles para el milenio (2001).
Creada por encargo conjunto del Solomon R. Guggenheim Museum y el Deustche Guggenheim de Berlín, Avanzando cada día es un ciclo en cinco partes de imágenes digitales proyectadas. En esta obra, Viola toma como referencia la pintura al fresco para crear una poderosa instalación que analiza los ciclos del nacimiento, la muerte y el renacer. Cada pieza —una proyección sobre la pared del espacio en que se instala— tiene una duración aproximada de 35 minutos y fue grabada con la tecnología más puntera en vídeo de alta definición. La obra se percibe como una experiencia arquitectónica en la que las cinco secuencias de imágenes que la integran se proyectan simultáneamente en una única sala. Para acceder al espacio que ocupa la instalación, los visitantes penetran literalmente en la luz de la primera imagen. Una vez dentro, se sitúan en el centro de un universo de imagen y sonido, con proyecciones en todas las paredes del entorno que les rodea.
Cinco ángeles para el milenio, perteneciente al AROS Aarhus Kunstmuseum de Dinamarca, es también una instalación integrada por cinco proyecciones. En esta obra, el artista ofrece una reflexión más ambigua, si bien impactante, sobre temas relacionados entre sí, a través de una iconografía de figuras que emergen y se sumergen en el agua, creando una vívida experiencia evocativa y sensorial.
Dos obras relacionadas con las anteriores, pertenecientes a la Colección Permanente —El mensajero y El Cruce— complementan esta presentación, ofreciendo un conjunto único para comprender la obra de Bill Viola y su tratamiento de la temporalidad y la trascendencia, temas recurrentes en su trabajo.
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Bill Viola 
El mensajero (The Messenger), 1996 
Instalación de vídeo monocanal en color y sonido, bucle continuo 
762 x 914,4 x 975,4 cm 
Edición 2/3 
Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York 
Donación, The Bohen Foundation 
2000.60 
© Bill Viola

Bill Viola: temporalidad y trascendencia

Bill Viola, uno de los pioneros en el uso del vídeo, viene trabajando en este medio desde los años setenta, explorando la imagen en movimiento con

Bill Viola: temporalidad y trascendencia | Guggenheim Bilbao Museoa

13€ Adultos - 6.5€ Jubilados - 6.5€ Estudiantes

15€ Adultos - 7.5€ Jubilados - 7.5€ Estudiantes

La iniciativa TopARTE del Museo Guggenheim Bilbao se reafirma en su compromiso con las entidades y agentes culturales de nuestro entorno más próximo. El resultado de esta fructífera colaboración es un variado programa multidisciplinar rico en contenidos y formatos, y destinado a todos los públicos.
Así, en el marco de esta iniciativa se presentan en el Museo actividades que abarcan disciplinas tan diversas como la arquitectura, el cine, la danza, el diseño, la gastronomía, la música, la performance o el teatro.

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