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Expositions | Musée Guggenheim Bilbao

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Precedent | Musée Guggenheim Bilbao

Alex Reynolds

Talks with Artists

Alex Reynolds. Il y a une loi, il y a une main, il y a une chanson

Audio-guide

Le programme d'exposition Film &amp; Vidéo du Musée Guggenheim Bilbao s’intéresse aux pratiques artistiques autour de l'image en mouvement, dans le cadre des arts visuels contemporains.
L'œuvre de l'artiste et cinéaste Alex Reynolds (Bilbao, 1978) est une exploration incessante de nos comportements relationnels et affectifs, principalement lorsqu'ils se matérialisent à travers le langage cinématographique. L'artiste modifie les structures narratives, les consignes et les rythmes de production. Elle joue avec les conventions de la performance, du récit et aussi avec le rôle que le spectateur y joue, défiant notre perception et allant bien au-delà de l'écran et du monde des images. Elle transforme ainsi les objets et les situations dans l'espace d'exposition, tout en suspendant nos automatismes de compréhension.
Cette exposition présente trois œuvres récentes de Reynolds qui déclencheront immanquablement un triangle d'idées : la norme, la main qui agit et la voix qui chante. Le film Palais, tourné à Bruxelles dans l'imposante architecture du Palais de Justice, est un parcours silencieux à travers les espaces bureaucratiques dédaliques de ce bâtiment du XIXe siècle. Des réactions de curiosité, de malice ainsi qu'une étrange agitation semblent se superposer alors que nous suivons la caméra dans un espace monumental chargé d'une iconographie impériale. Un diapason qui vibre dans l'air de façon à peine perceptible est accroché au mur du vestibule de la salle de projection. Traditionnellement utilisé pour accorder les instruments de musique, cet objet a été fabriqué spécifiquement pour reproduire exactement le timbre de voix d'une personne connue de l'artiste, dont le nom – Justine – donne son titre à l’œuvre.
L'espace principal de la galerie présente le dernier film de Reynolds, réalisé en collaboration avec la chorégraphe suédoise Alma Söderberg. Coproduit par le Musée Guggenheim Bilbao, La Main qui chante construit un faisceau de gestes, de voix et d'images reliés dans le temps. Ces éléments semblent s'imiter les uns les autres, dans une séquence ouverte : de l'extraction de l'écorce du chêne-liège en Estrémadure lors de la récolte annuelle du liège à l'acte de peler une orange devant un petit feu, ou de laver la main de quelqu'un. Du tremblement des feuilles renvoyant à celui d'une voix, au battement des ailes d'un oiseau au loin ou, encore, à la boucle qui se forme entre le chant de l'interprète et les mouvements de la main. Du haut d'un toit, des mots sont échangés en espagnol et en anglais alors que nous apercevons le Palais de Justice dans le ciel de Bruxelles. La résistance sensorielle face à la fixité et à la hiérarchie, l'intérêt pour la transformation, impliquant tous nos sens dans ce processus, sont des aspects clés de ce nouveau travail. À la fois libre et minutieusement composé, La Main qui chante propose un jeu lyrique de correspondances dans lequel les corps, le paysage et la caméra interagissent, en parfaite harmonie.
Curateur : Manuel Cirauqui
Alex Reynolds et Alma Söderberg 
La main qui chante (La mano que canta), 2021 
Projection vidéo, couleur, sonore (image de production) 
Courtoisie de l’artiste et de la Galerie Marta Cervera 
© Alex Reynolds

Le programme d'exposition Film &amp; Vidéo du Musée Guggenheim Bilbao s’intéresse aux pratiques artistiques autour de l'image en mouvement, dans le cadre

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Bilbao y la pintura 

Conferencia

Bilbao y la pintura

Reflexiones compartidas

Paco Durrio, orfebre: modernidad y vanguardia 

Sesión creativa

Bilbao et la peinture

Conférence

Visite guidée

IBERDROLA

Images de l'exposition au musée

BILBAO : PORT ET VILLE COMMERCIALE

LA MER ET LE VILLAGE

LA DANSE INTERPRETÉE DANS LA PEINTURE

PACO DURRIO: TRAIT D’UNION  BILBAO-PARIS

Cette exposition retrace l'histoire visuelle d'une ville, Bilbao au XIXe siècle, qui, bien qu'envahie par les Français et assiégée par les carlistes, et ayant subi plusieurs épidémies de choléra – de la première en 1834 à la quatrième en 1893 –, s'est imposée économiquement en tant que grande ville, dans laquelle ont proliféré un grand nombre d’artistes qui avaient auparavant séjourné à Paris. À travers vingt-sept scènes picturales, à la manière des mélodies et chansons du moment, nous plongeons dans l'histoire de Bilbao. Ces tableaux nous révèlent cette double capacité de mémoire et de connaissance que seule la grande peinture peut nous offrir.
Commissaire : Kosme de Barañano

Cette exposition retrace l'histoire visuelle d'une ville, Bilbao au XIXe siècle, qui, bien qu'envahie par les Français et assiégée par les carlistes, et

Bilbao et la peinture | Musée Guggenheim Bilbao

Arte, ciencia y sinestesia 

Charla

Vassily Kandinsky est né le 16 décembre 1866 à Moscou où il étudia le droit et l&#8217;économie de 1886 à 1892 et enseigna après l’obtention de son diplôme. En 1896, il refuse un poste d&#8217;enseignant et se rend à Munich pour y étudier l&#8217;art à la Kunstakademie avec Anton Azbe de 1897 à 1899, et, en 1900, avec Franz von Stuck. Entre 1901 et 1903, Kandinsky enseigne à l&#8217;école d&#8217;art La Phalanx, un groupe installé à Munich dont il est le co-fondateur. L&#8217;une de ses élèves, Gabriele Münter, devient sa compagne et le restera jusqu&#8217;en 1914. La première exposition de Kandinsky a lieu en 1902, lors de la Sécession de Berlin et l&#8217;artiste réalise à cette époque ses premières xylographies. En 1903 et 1904, il fait ses premiers voyages à travers l&#8217;Italie, les Pays-Bas et l&#8217;Afrique du Nord, et se rend en Russie. À partir de 1904, il expose au Salon d&#8217;Automne de Paris.

Kandinsky, Vasily

Kandinsky

Art, Science, and Synesthesia

Talk

Fundación BBVA

Salle 305–306

Les débuts : Munich

Salle 307

Domaines cosmiques : de la Russie au Bauhaus

Salle 306

Mondes minuscules : Paris

Pionnier de l'abstraction et théoricien de principes esthétiques renommé, Vassily Kandinsky (Moscou, 1866-Neuilly-sur-Seine, France, 1944) est l'un des artistes les plus novateurs du début du XXe siècle. Sa volonté de libérer la peinture des liens qui la rattachaient à la nature l'amena à découvrir une nouvelle thématique axée sur la "nécessité intérieure" de l'artiste, sujet qui l'accompagnera tout au long de sa vie.
Au cours des années 1900 et 1910, alors qu'il vivait à Munich, Kandinsky commença à explorer les possibilités expressives de la couleur et de la composition. Mais quand la Première Guerre mondiale éclata en 1914, il fut contraint de quitter l'Allemagne. De retour à Moscou, sa ville natale, le vocabulaire pictural de Kandinsky s’empare des expériences utopiques de l'avant-garde russe qui accordait une grande importance aux formes géométriques dans le but d’établir un langage esthétique universel. Kandinsky rejoignit ensuite et en tant que professeur l’école d’art et design du Bauhaus dont il partageait la conviction selon laquelle l'art est capable de transformer les êtres humains et la société. De nouveau contraint de quitter l'Allemagne lorsque le Bauhaus dut fermer ses portes sous la pression des nazis en 1933, Kandinsky s'installa dans la banlieue parisienne, où l'influence du surréalisme et des sciences naturelles via l’utilisation du biomorphisme marquera son iconographie.
L'histoire de Kandinsky est intimement liée, plus que tout autre artiste, à celle de la Solomon R. Guggenheim Foundation, créée à New York en 1937. Son fondateur, l'industriel Solomon R. Guggenheim, commença à collectionner les œuvres de Kandinsky en 1929, et rencontra l'artiste au Bauhaus de Dessau l'année suivante. Cette exposition présente des œuvres du peintre provenant de la vaste collection de la Fondation et illustre parfaitement sa brillante carrière.
Organisée par la Solomon R. Guggenheim Foundation, New-York
Vassily Kandinsky (1866–1944) 
Lignes noires (Schwarze Linien), décembre 1913 
Huile sur toile, 130,5 × 131,1 cm 
Solomon R. Guggenheim Museum, New-York, Solomon R. Guggenheim collection fondatrice, don 37.241

Un esprit de découverte inébranlable

L'INNOVATION DANS L'ENSEIGNEMENT

ÉCRITS INFLUENTS

TERMES CLÉS

Présentation de Megan Fontanella

Introduction au processus d'installation

Emballage et transport des œuvres d'art

Aménagement des galeries

Le voyage des œuvres de New York à Bilbao

Le déplacement des œuvres d’art à l’intérieur du Musée

La vérification de l’état des œuvres

L’agencement des œuvres d’art ou layout

Le catalogue

Éclairage

Conception graphique

Didaktika

Conférence de presse

#CompteàreboursKandinsky

Nous vous invitons à participer à une visite virtuelle de l’exposition Kandinsky. Cette promenade comprend toutes les œuvres et les textes d’explication présentés au sein de l&#8217;accrochage.

COMMENCEZ MAINTENANT

VISITE VIRTUELLE

Pionnier de l'abstraction et théoricien de principes esthétiques renommé, Vassily Kandinsky (Moscou, 1866-Neuilly-sur-Seine, France, 1944) est l'un des

Kandinsky | Musée Guggenheim Bilbao

Lee Krasner

Réflexions Partagées

Sur Lee Krasner

Conversation

Projection 

Entretiens avec Lee Krasner

LK : vivre la peinture

Les Techniques de Krasner

Séance créative +18

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« J’étais une femme, une juive, une veuve, une peintre sacrément bonne —merci beaucoup— et un peu trop indépendante . » Lee Krasner

Artista

Krasner, Lee

Lee Krasner. Couleur vive

Assistez à la présentation de la nouvelle exposition temporaire, Lee Krasner. Couleur vive et suivez la visite guidée en ligne de la conservatrice, Lucía Agirre.

Présentation et visite guidée en ligne de l’exposition Lee Krasner. Couleur vive

Seguros Bilbao

Naissance de Lee

Dessin d’après nature

Petites images

Les vitrines pour le Service de guerre

Stable Gallery

Prophétie

Voyages nocturnes

Série primaire

Dessins de la Série primaire

Palingénésie

Onze manières

Lee Krasner (1908─1984), dont le nom d'origine était Lena Krassner, est née à Brooklyn et a grandi dans une famille d'émigrants russes juifs orthodoxes. À l'âge de 14 ans, elle décida de se consacrer à l'art et elle fut l'une des premières artistes à New York à adopter une approche totalement abstraite, devenant ainsi une pionnière de l'expressionnisme abstrait. En 1942, ses œuvres firent partie de l'exposition collective French and American Painting et, comme le seul artiste de cette exposition qu'elle ne connaissait pas était Jackson Pollock, Krasner décida d'aller lui rendre visite dans son atelier. Dès lors, ils entamèrent une relation, se mariant en 1945, et déménageant à Springs, dans Long Island.
Contrairement à un grand nombre de ses contemporains, Krasner refusa d’avoir un « style distinctif », ce qui lui semblait « rigide et nullement vivant ». Travaillant par cycles d'œuvres, elle chercha continuellement de nouveaux moyens d'atteindre une expression authentique, même dans des périodes particulièrement agitées dues à l'instabilité émotionnelle de Pollock et sa mort soudaine dans un accident de voiture en 1956. L'esprit brillant de Krasner se retrouve dans l'ensemble des œuvres qu'elle a créées dans son atelier pendant plus de cinquante ans, et que nous célébrons dans cette exposition.
Exposition organisée par le Barbican Centre, Londres, en collaboration avec le Musée Guggenheim Bilbao. Avec le soutien de Terra Foundation for American Art.
Commissaires : Eleanor Nairne et Lucía Agirre
Lee Krasner 
Combat, 1965 
Huile sur toile 
179 × 410,4 cm 
National Gallery of Victoria, Melbourne, Felton Bequest, 1992 (IC1-1992) 
© The Pollock-Krasner Foundation

IN FOCUS

Lee Krasner (1908─1984), dont le nom d'origine était Lena Krassner, est née à Brooklyn et a grandi dans une famille d'émigrants russes juifs orthodoxes. À

Lee Krasner. Couleur vive | Musée Guggenheim Bilbao

« L’art a favorisé une pensée alternative pour visualiser les thèmes différemment et les aborder sous un autre angle ».
Elssie Ansareo

Artistes

Ansareo, Elssie

« Nous tentons de représenter avec nos corps les formes des montagnes et des pierres qui nous entourent. Nous expérimentons le paysage à travers nos corps, en changeant le quotidien de la classe, en utilisant des dynamiques qui demandent la coopération et la coordination de tous, de travailler ensemble pour créer un paysage nouveau avec nos corps ».
Maider López

López, Maider

« Le principal objectif de cet atelier était de montrer aux élèves la géométrie du quotidien en ayant recours à des exemples de leur environnement, en encourageant l’analyse des objets quotidiens et leur étude en termes de caractéristiques géométriques.

L’art a été un moyen d’expérimentation autour de l’art plastique avec les formes et les objets. Dans cette approche, le travail de groupe a été mis en avant, en mettant en place pour ce faire des projets dans lesquels les élèves devaient travailler ensemble ».
Iñaki Gracenea

Gracenea, Iñaki

« Un des concepts basiques du projet a été que la recherche, les efforts quotidiens, le travail d’étude, ont petit à petit ouvert un chemin ou sont plutôt devenus le chemin. Le processus est un élément fondamental. Un autre aspect basique du processus d’apprentissage constant est l’erreur.

Il n’y a pas de processus de travail, d’expérimentation, sans erreur. L’erreur a son importance étant donné qu’elle vulgarise le fait de ne pas savoir ; même le professeur et l’artiste ont le droit de ne pas savoir. C’est ainsi que l’on avance, au milieu des doutes et de l’ignorance, en cherchant et en expérimentant.
Familiariser l’élève avec le travail de groupe, l’aider à exprimer ce qu’il voit et ce qu’il veut, et l’autoriser à se tromper, l’aide à développer son propre critère et son jugement ».
Manu Muniategiandikoetxea

Muniategiandikoetxea, Manu

« Lorsque je suis arrivé au centre Samaniego, j’ai rencontré un groupe multiculturel, très jeune, curieux, réceptif et ouvert à l’expérimentation. L’idée du projet a été claire dès le départ. Le centre participait à un projet « spatial » et une tâche particulière lui avait été confiée : équiper Noski — la mascotte voyageuse — d’une combinaison spatiale exclusive.

Nous y travaillions lorsque le projet a été annulé à cause du confinement, et Noski est restée sur terre. Il nous reste cependant une autre tâche palpitante : organiser notre propre expédition ».
Ibon Sáenz de Olazagoitia

Sáenz de Olazagoitia, Ibon

« Choisir les matières, les techniques, les formes et leur disposition en fonction des besoins demande un certain temps. Vouloir tout organiser du début à la fin vers une seule direction est parfois contre-productif et peu réaliste dans notre cas précis. Il est préférable d’accompagner les élèves, c’est du moins ce que mon expérience m’a appris, d’avancer ensemble et sans hâte en définissant la trajectoire à suivre et les besoins.

C’est ce que nous avons fait, et nous avons aussi défendu une façon de faire les choses sans une finalité précise, mais au contraire en restant ouverts, en cherchant les possibilités d’expression et, surtout, en laissant la place à la découverte et à l’affirmation ».
Manu Uranga

Uranga, Manu

Apprendre avec BBK

SAN GABRIEL, TRÁPAGA

Visible et invisible

ZAMAKOLA-JUAN DELMAS  

Dessin, corps, ville

SÁNCHEZ MARCOS 

Géométrie dans l’environnement

BUENOS AIRES 

Regards sur la nature

SAMANIEGO 

Un voyage spatial et spécial

BIZARAIN 

Montagnes et pierres

L’art en tant qu’outil d’apprentissage 
Dialoguer sur l’art et participer au processus créatif de la main d’un artiste permettent aux élèves de l’école primaire d’aborder certaines questions éducatives sous un angle différent.
De nombreux élèves retiennent mieux les concepts lorsque l’apprentissage est plus actif et les possibilités de choisir sont plus nombreuses. Dans ce programme, on pose des questions, on éveille la curiosité, on explore de nouvelles idées inspiratrices et on ressent l’émotion de la découverte.
Chaque projet est unique et a été personnalisé et conçu de manière ouverte pour s’adapter au mieux en cours d’exécution aux habiletés et aux intérêts de chaque personne. Cela demande souvent de laisser place à l’improvisation, au jeu, à l’exploration, à la recherche, à l’expérimentation et à l’erreur. Le processus artistique dans lequel les élèves se lancent les pousse à penser, sonder, choisir, tester, douter, s’amuser, à faire fausse route et, bien entendu, à se tromper, car il n’y a pas de progrès sans erreur.
À la fin de l’année scolaire, la dernière étape du projet arrive : l’exposition du processus créatif. Tout monter et montrer donne un autre sens au travail. L’exposition clôt un cycle du processus artistique lorsqu’elle est présentée à d’autres personnes, au public qui perçoit et reçoit l’œuvre accomplie. Les élèves ont l’occasion d’exposer leurs créations au Musée, un événement qui renforce leur confiance en soi et leur donne une reconnaissance qu’ils ne sont pas près d’oublier.
Comme chaque été, l’Espace éducatif du Musée accueille de nombreuses œuvres. À cette occasion, du 26 juin au 27 septembre, le public pourra contempler les œuvres exposées et voir des points de vue originaux et frais.
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Bilbao-New York

Programme

Histoire

L’énorme potentiel éducatif du programme Apprendre à travers l’art

Les artistes du programme Apprendre à travers l’art

Apprendre à travers l’art 2020

L’art en tant qu’outil d’apprentissage Dialoguer sur l’art et participer au processus créatif de la main d’un artiste permettent aux élèves de l’école

Apprendre à travers l’art 2020 | Musée Guggenheim Bilbao

William Kentridge: 7 Fragments

Vidéo de l'exposition

William Kentridge est une figure de référence dans l'histoire récente de l'installation vidéo, symbolisant systématiquement un carrefour entre chorégraphie et dessin, geste, effacement et ligne. La prédominance du noir et blanc renvoie à la texture traditionnelle du film cinématographique et aux pratiques graphiques : fusain, graphite, encre. Dans cette installation composée de neuf écrans, Kentridge évoque le génie fondateur de Georges Méliès, père du cinéma. Tout en créant un autoportrait onirique, il utilise l'atelier de l'artiste comme décor cosmique et met en scène son corps et sa pratique quotidienne. 7 Fragments pour Georges Méliès, ensemble de films qui donne son titre à l'exposition, est accompagné de deux autres éléments, également produits en 2003 et intitulés Le jour pour la nuit (rappelant le travail d'inversion des noirs et des blancs dans le négatif photographique) et Voyage dans la lune (un hommage implicite au chef-d'œuvre du même nom fait par Méliès en 1902). Cette dernière œuvre fait dramatiquement vibrer l'espace grâce à la musique originale de Phillip Miller.
Commissaire : Manuel Cirauqui
William Kentridge 
7 fragments pour Georges Méliès (7 Fragments for Georges Méliès), 2003 et Le Jour pour la nuit (Day for Night), 2003 
Installation, 8 canaux, vidéo HD. Noir et blanc, silence. 
Collection Fundació Sorigué, Lleida 
© William Kentridge 
Image courtesy of Lia Rumma Gallery Milan/Naples

William Kentridge : 7 fragments

William Kentridge est une figure de référence dans l'histoire récente de l'installation vidéo, symbolisant systématiquement un carrefour entre

William Kentridge : 7 fragments | Musée Guggenheim Bilbao

Née en 1920 à Belo Horizonte, Minas Gerais (Brésil), Lygia Clark reçoit à la fin des années quarante une formation artistique plutôt informelle à Río de Janeiro auprès des artistes brésiliens Roberto Burle Marx et Zélia Ferreira Salgado. En 1950, elle se rend à Paris pour poursuivre sa formation avec les maîtres modernes Fernand Léger et Árpád Szènes. Sa première exposition, intitulée L. Clark-Ribeiro, a lieu en 1952 à l’Institut Endoplastique de Paris, où elle présente ses premières expérimentations avec l’abstraction et les formes constructives dans des travaux bidimensionnels. À son retour au Brésil, à la fin de cette même année, elle expose pour la première fois seule dans son pays natal avec l&#8217;accrochage intitulé Lygia Clark 1950-1952, tenu au ministère de l’Éducation de Río de Janeiro. Reconnue comme une artiste prometteuse, Clark commence à participer à d’importantes expositions collectives régionales, come la première Exposição Nacional de Arte Abstrata (1953) et la Biennale de São Paulo (1953).

En 1954, elle rejoint le collectif d’avant-garde baptisé Grupo Frente, avec ses contemporains Aluísio Carvão, Hélio Oiticica et Lygia Pape, entre autres, et prend part aux expositions révolutionnaires du groupe organisées jusqu’en 1956. Suivant les principes de l’abstraction géométrique, son travail de cette période opte pour une rigoureuse représentation de formes géométriques et les couleurs vives donnant une sensation d’ordre. Elle participe aussi à d’autres expositions importantes, comme le Salão Nacional de Arte Moderna (1956 et 1957), la première Exposição Nacional de Arte Concreta (1957) et la Biennale de São Paulo (1957). Vers la fin des années 50, les préoccupations esthétiques et philosophiques de Clark rencontrent celles du mouvement néo-concret brésilien apparu en 1959 qui rejette la nature impersonnelle et objective de l’abstraction concrète. Les néo-concrétistes conçoivent leurs œuvres comme quelque chose à mi-chemin entre l’art et la vie, et comme des expériences dans la sphère publique. Clark, membre fondateur, participe à l’Exposição Neoconcreta de 1959 et crée des pièces tridimensionnelles qui invitent le spectateur à participer activement à l’œuvre d’art.
De 1964 jusqu’au début des années 1970, Clark réside à Paris. Elle y créa une série d&#8217;œuvres non conventionnelles qui se déroulent parallèlement à sa longue psychanalyse avec le psychiatre Pierre Fédida, ce qui l&#8217;a amenée à adopter l&#8217;idée d&#8217;une forme d&#8217;art thérapeutique. Ses recherches coïncident avec des événements révolutionnaires survenus dans le monde entier, comme ceux de Mai 68 en France, et l&#8217;apparition d&#8217;une nouvelle génération d&#8217;artistes brésiliens impliqués dans des mouvements tels que Nova Objtividade (nouvelle objectivité) et Tropicália (tropicalisme). Les œuvres de Clark de cette période intègrent des éléments qui stimulent le corps par les yeux, les oreilles et le nez afin d&#8217;intégrer les sens sans donner la primauté au visuel. Sa recherche artistique durant cette période se concentre sur une pratique thérapeutique visant à activer la conscience subjective et corporelle. Après 1978, dans les dernières étapes de sa carrière, Clark se consacre exclusivement à son activité psychanalytique. Elle décède à Rio de Janeiro en 1988.

Clark, Lygia

 Lygia Clark. La peinture comme champ d’expérimentation, 1948–1958 

Les premières années, 1948–1952

Variation de la forme : la modulation de l'espace, 1957–1958

Abstraction géométrique, 1953–1956

Pionnière de l'abstraction, Lygia Clark (Belo Horizonte, Brésil, 1920–Rio de Janeiro, Brésil, 1988) fut une artiste majeure de la seconde moitié du XXe siècle. L'exposition Lygia Clark. La peinture comme champ d’expérimentation, 1948–1958 propose une nouvelle analyse des années cruciales de formation de cette artiste, la période entre 1948 et 1958, au cours de laquelle elle tâtonnait entre figuration et abstraction afin d'articuler le puissant langage visuel qui allait définir le style de sa période de maturité. En plus de montrer son travail figuratif initial, cette exposition rassemble des peintures des principales séries que Clark créa dès cette époque, offrant un aperçu essentiel de la première décennie de sa carrière artistique.
En abordant la peinture comme un " champ d’expérimentation ", expression que l'artiste utilisa lors d’une conférence clé qu'elle donna en 1956, Clark cherchait à redéfinir ce médium en repoussant les limites de la peinture traditionnelle. Elle se consacra à l'art sans avoir de formation officielle spécifique, s'intégra au milieu artistique de Rio de Janeiro à la fin des années 1940 et participa à des mouvements fondamentaux, notamment l'Art Concret et l'Abstraction Géométrique, tout au long des années 1950. Cette exposition se concentre sur l'évolution de Lygia Clark à travers trois parties historiques : « Premières années, 1948–1952 », « Abstraction géométrique, 1953–1956 » et « Variation de la forme : La modulation de l'espace, 1957–1958 ». Chacune d’elles présente les idées les plus significatives de Lygia Clark et livre minutieusement son évolution artistique à travers une sélection d'œuvres.
Cette exposition sur les premières œuvres de Lygia Clark coïncide avec le centenaire de la naissance de l'artiste et s’attardera sur la dimension internationale de cette artiste incontournable du panorama latino-américain d'après-guerre. Le Musée souhaite exprimer sa gratitude à l'Association Culturelle Lygia Clark de Rio de Janeiro et aux héritiers de l'artiste pour l'immense soutien qu'ils ont réservé à cette exposition.
Curator: Geaninne Gutiérrez-Guimarães
Lygia Clark 
Le violoncelliste (O Violoncelista), 1951 
Huile sur toile 
105,5 x 81 cm 
Collection privée 
© Courtesy of “The World of Lygia Clark” Cultural Association

De l’Europe à l’Amérique latine

Au-delà de la peinture

À mi-chemin entre l’art et la thérapie

L’art en tant que médiateur

Lygia Clark. La peinture comme champ d'expérimentation, 1948−1958

Pionnière de l'abstraction, Lygia Clark (Belo Horizonte, Brésil, 1920–Rio de Janeiro, Brésil, 1988) fut une artiste majeure de la seconde moitié du XXe

Lygia Clark. La peinture comme champ d&#039;expérimentation, 1948−1958 | Musée Guggenheim Bilbao

Lygia Clark. La peinture comme champ d'expérimentation, 1948−1958 | Musée Guggenheim Bilbao

Richard Artschwager est né en 1923 à Washington D.C et décédé à Albany (New York) en 2013. Après ses études à l‘Université Cornell (New York), en 1948, il assiste aux cours de l‘un des artistes précurseurs de l‘abstraction, Amédée Ozenfant. Au début des années cinquante, Artschwager s’intéresse à la menuiserie et réalise quelques meubles simples. Après la destruction de son atelier par un incendie à la fin de cette décennie, il se lance dans la sculpture en utilisant du matériel industriel de rebut, puis élargit sa pratique à la peinture, au dessin, aux installations à emplacement spécifique et aux travaux basés sur la photographie.

La première présentation du travail d‘Artschwager, qui a eu lieu à l‘Art Directions Gallery de New York en 1959, a été suivie de nombreuses expositions solos à la galerie pionnière de Leo Castelli à partir de 1965. Parmi les grandes rétrospectives consacrées à son demi-siècle de trajectoire, citons Up and Across montée au Neues Museum, Nuremberg, Allemagne (2001) ; celles montées au Museum für angewandte Kunst (MAK) de Vienne (2002), au Kunstmuseum Winterthur, en Suisse (2003) ; et encore Painting Then and Now, au Museum of Contemporary Art, Miami (2003); Up and Down / Back and Forth, au Deutsche Guggenheim, Berlin (2003); ou Richard Artschwager ! au Whitney Museum of American Art de New York (2012).
Artschwager s’est frayé un chemin personnel dans l‘art, du début des années 1950 jusqu’à l’aube du XXe siècle, en convertissant l‘assimilation visuelle de l‘espace et des objets quotidiens qui le peuplent en quelque chose d‘étrange, d‘inconnu. Dans son travail, pictural et sculptural, un panneau anonyme de formica imitant la trame du bois de noyer est autant cet objet en soi que la représentation d‘un plan en bois ; une table ou une chaise sont en même temps des meubles, des sculptures et des images ; et une peinture ou une sculpture peuvent être une “multi-image” ou une “nature morte tridimensionnelle”. Artschwager a ramené au premier plan les structures de la perception dans une tentative de fondre le monde des images — qui sont appréhendées par les sens — et le monde des objets — qui sont possédés physiquement — dans le même espace que celui que nous occupons comme observateurs.
Photo: Richard Artschwager in his exhibition Gegenwärtig aber ungenau, Georg Kargl BOX, Vienna, 2005.

Artschwager, Richard

Avec Germano Celant à propos de Richard Artschwager

Richard Artschwager

Point d’exclamation, 2010

Grand Piano, 2012

Femme debout (Dirne), 1999

Portrait I, 1962

Sans titre (Pommes de terre V), 1997

Date à confirmer
Cette exposition offre une occasion unique pour suivre le parcours créateur de Richard Artschwager (Washington, D. C., 1923 – Albany, États-Unis, 2013), un artiste qui a travaillé à mi-chemin entre la peinture et la sculpture et a développé un langage unique à partir des nouveaux matériaux domestiques de son temps. Le projet, conçu par le curateur réputé Germano Celant et co-organisé par le Musée Guggenheim Bilbao et le MART - Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto, présente presque 70 pièces auxquelles s’ajoute une sélection soignée de matériel d‘archive et de documents rarement exposés.
Conçue comme un labyrinthe ouvert mettant en relief les principaux noyaux de l‘œuvre d‘Artschwager, l’exposition présente un vaste répertoire de travaux allant du début des années soixante à la première décennie du XXIe siècle : des premières œuvres en bois, des structures en formica et des peintures sur Celotex, jusqu‘aux sculptures en poil de nylon et aux “œuvres d‘angle”, en passant par les pièces confectionnées en crin de cheval et des interventios artistiques blp, dans lesquelles se lance l‘artiste à partir de 1968 et qu’il déploie, individuellement ou en série, dans des intérieurs spécifiques ou dans tout un espace urbain. Artschwager, très marqué par son expérience de menuisier au début de sa carrière, a toujours orienté son travail vers la fusion de la figuration et de l‘abstraction, du design et de l‘innovation artistique dans une combinaison pleine d’ironie entre le fonctionnel et l‘inutile.
Avec ses peintures et ses sculptures créées tout au long d’un parcours artistique long et varié, Artschwager propose un itinéraire caractéristique qui combine l‘artisanat et l’industrialisation et qui couvre à la fois l‘espace et les objets et les êtres qui l‘habitent. L‘artiste s’empare de lieux, de scènes de la vie quotidienne et de meubles courants tels que tables, chaises et armoires, pour les réinterpréter au moyen de matériaux industriels communs comme le formica, le Celotex, la peinture acrylique ou le crin de cheval caoutchouté. Par ailleurs, plongeant dans l’abstraction, il explore la forme géométrique pure, en particulier dans ses sculptures, mais a aussi recours à des figures massives pour créer une sorte d’illusionnisme pictural. En termes de style, Artschwager s’est toujours tenu dans une espèce d’ambivalence délibérée et tout à fait caractéristique qui sape le dogmatisme iconographique de tendances qui, comme le minimalisme ou l‘art pop, ont semblé défendre un certain antagonisme entre elles. Mais au lieu de permettre un conflit quelconque entre contraires, Artschwager a mis en pratique une synthèse qui accepte tous les éléments et les possibilités, aussi éloignés qu’ils soient, en les intégrant. “Ce qui m’intéresse, a-t-il déclaré, c’est surtout la ligne de démarcation entre les choses ordinaires et celles que nous reconnaissons comme des objets d’art.”
L’œuvre d‘Artschwager remet constamment en question l’apparence et l’essence en se hasardant sur les terres philosophiques de l‘ontologie, de l‘épistémologie et de l‘esthétique avec autant d’acuité que d‘intelligence. L‘interprétation du monde qu’il nous offre ainsi est à la fois délicate et réaliste, pleine d’humour et en même temps monumentale.
Richard Artschwager 
Porte} (Door}), 1983–84 
Acrylique et vernis sur bois et verre, métal; deux parts 
207,6 x 165,1 x 24,8 cm 
Collection Kerstin Hiller et Helmut Schmelzer, prêt au Neues Museum Nürnberg 
Photo : Annette Kradisch 
© Estate of Richard Artschwager, VEGAP, Bilbao, 2020
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IN MEMORIAM

Richard Artschwager, la vision de Germano Celant

Richard Artschwager, les clés

Comment s’organise une exposition, avec Carolina Erdocia

Date à confirmer Cette exposition offre une occasion unique pour suivre le parcours créateur de Richard Artschwager (Washington, D. C., 1923 – Albany,

Richard Artschwager | Musée Guggenheim Bilbao

18€ Adulte - 9€ Retraité - 9€ Étudiants

L&#8217;initiative TopARTE du Musée Guggenheim Bilbao confirme son engagement auprès  des organisations et des institutions culturelles de notre environnement immédiat. Le résultat de cette collaboration fructueuse est un programme varié, multidisciplinaire, riche en contenu et en formats qui s’adresse à tous les publics.
Dans le cadre de ce projet, plusieurs activités sont ainsi présentées au Musée couvrant des disciplines aussi diverses que l&#8217;architecture, le cinéma, la danse, le design, la gastronomie, la musique, les performances et le théâtre.