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Exposiciones

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Exposiciones | Guggenheim Bilbao Museoa

Yoshitomo Nara

Audioguia

Plano audioguía

Charla inaugural

Fundación BBVA

Un lugar solitario

En busca de lo que faltaba

Aquí tengo todo lo que necesito

Tras el terremoto

Pensar en silencio

Bajo el cielo brumoso

Dibujando las líneas y defendiendo la paz

Yoshitomo Nara es uno de los artistas más célebres de su generación. Su obra es ampliamente reconocida por las audaces y caricaturescas figuras infantiles de gran cabeza y ojos grandes tan fascinantes como en ocasiones amenazadoras, desafiantes e insolentes, o melancólicas e inseguras, que con el paso del tiempo se han vuelto cada vez más serenas y reflexivas. Si bien Nara no obtuvo una aceptación inmediata en el mundo del arte, su innovador estilo gráfico está plenamente consolidado en la actualidad.
Los personajes de Nara —sus figuras, animales y seres híbridos— son un reflejo de sí mismo, una representación plástica de sus emociones y pensamientos más íntimos, y muestran la profundidad de su humanismo. Las fuentes de su creación son recuerdos de infancia —grabados a fuego en su memoria—, su conocimiento de la música y la literatura, la historia del arte japonés y europeo —enriquecida por su insaciable curiosidad—, así como los estimulantes encuentros, llenos de empatía, que ha mantenido con personas y culturas en sus viajes por Japón y el extranjero.
Conocido por su actitud desenfadada y su espíritu libre, el artista siempre ha sentido pasión por la música folk, rock y punk underground. Desde su profunda implicación con la humanidad y la sociedad, su obra, comprometida con el mundo que compartimos, examina y propone ideas acerca de cuestiones como el hogar, la comunidad, la naturaleza, el medioambiente y las interrelaciones entre estos ámbitos.
Nacido en 1959 en las afueras de Hirosaki, en el norte de Japón, Nara estudió pintura en la Universidad de Bellas Artes de Aichi. A finales de la década de 1980 se trasladó a Alemania para asistir a la prestigiosa Kunstakademie de Düsseldorf. Permanecería en aquel país doce años, durante los cuales continuó desarrollando su singular lenguaje pictórico. En 2000 regresó a Japón, donde sigue viviendo y trabajando en la actualidad. Su arte guarda una relación directa con su propia historia y experiencias vitales. Nutren el corazón de su obra los imborrables recuerdos de su infancia en Japón —sobre todo la sensación de soledad— y de su estancia en el extranjero, con la habitual impresión de aislamiento que conoció en Alemania, al no hablar el idioma del país.
Esta retrospectiva no está organizada cronológicamente, sino que Nara la ha estructurado expresamente por temas con el fin de revelar sus claves personales y emocionales al objeto de transmitir su razón de ser como artista, así como las ideas que le interesan y resultan fundamentales en su proceso creativo: cuestiones recurrentes, el desarrollo de su enfoque formal y la variedad de técnicas.
La muestra nos sumerge en el sugerente “Mundo de Nara” a través de una serie de piezas que abarcan las cuatro últimas décadas. Original y persistente, la iconografía de Nara ilustra bien la continuidad de pensamiento que ha mantenido a lo largo de toda su carrera y permite poner de relieve su evolución estilística. Aunque Nara se considera principalmente un pintor, explora cada tema recurriendo también a otros medios y formatos, como el dibujo, la escultura y la instalación.
Sala: 105 
Comisaria: Lucía Agirre 
Sedes: Museo Guggenheim Bilbao; Museo Frieder Burda, Baden-Baden; Hayward Gallery-Southbank Centre, Londres
 
Yoshitomo Nara 
En el charco más profundo II (In the Deepest Puddle II), 1995 
Acrílico sobre algodón montado sobre lienzo 
120 x 110 cm 
Colección Ruytaro Takahashi 
© Yoshitomo Nara, cortesía Yoshitomo Nara Foundation

Infancia

En el extranjero

Regreso a Japón

Gran Terremoto de Japón Oriental

En el museo

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de Yoshitomo Nara. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

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Visita Virtual

Yoshitomo Nara es uno de los artistas más célebres de su generación. Su obra es ampliamente reconocida por las audaces y caricaturescas figuras infantiles

Yoshitomo Nara | Guggenheim Bilbao Museoa

Anthony McCall: Fracción de segundo

Coincidiendo con el décimo aniversario de la programación expositiva dedicada a las prácticas artísticas de la imagen en movimiento, la galería Film &amp; Video albergará la obra, a la vez fílmica y radicalmente abstracta, de Anthony McCall (Orpington, Reino Unido, 1946). De manera característica y siempre enigmática, la práctica de este artista británico afincado en Nueva York aúna la proyección cinematográfica con el fenómeno escultórico; pero igualmente puede ser observada desde el punto de vista del dibujo en el espacio o del arte lumínico. Desde la década de los setenta hasta hoy, McCall ha construido su trabajo en torno al concepto de “luz sólida”, una noción con la que se refiere al efecto de volumen que la proyección controlada de planos luminosos genera en un espacio expositivo.
Así, el artista produce formas que se mueven hipnótica e intangiblemente en la penumbra de la sala. En claro diálogo con las obras de Richard Serra y Lucio Fontana en la Colección, esta exposición reúne un conjunto de piezas en una configuración absolutamente inédita y pensada específicamente para el espacio del Museo. Junto a ellas se incluirán elementos inéditos de su archivo, que ayudarán a contextualizar la investigación de McCall en las últimas décadas.
Sala: 103 
Comisario: Manuel Cirauqui
 
Anthony McCall 
Cara a cara (Face to Face), 2018 
Vista de la exposición en Hepworth Wakefield, Reino Unido, 2018 
Foto: Darren O’Brien/Guzelian Pictures. Cortesía del artista

Coincidiendo con el décimo aniversario de la programación expositiva dedicada a las prácticas artísticas de la imagen en movimiento, la galería Film &amp;

Anthony McCall: Fracción de segundo | Guggenheim Bilbao Museoa

“La naturaleza, la flora y la fauna nos enseñan infinidad de cosas y de valores si observamos con atención&#8230;”

Artistas

Elssie Ansareo

“La Arboleda es uno de esos lugares en los que nuestra presencia e interacción con el entorno se evidencian de una manera diferente&#8230;”

Ibon Garagarza

“La experiencia de este año ha sido apasionante. La participación activa del alumnado y profesorado ha orientado todo el proyecto&#8230;&#8221;

Zaloa Ipiña

“Explorar la intersección entre la historia del arte y la alimentación ha sido el eje central de nuestro trabajo en este curso&#8230;&#8221;

Nerea Lekuona

“En mi trabajo de educadora hay convergencias con mi trabajo de artista. A través de proyectos educativos, experimento preocupaciones e intereses que estoy desarrollando en mi propia labor artística&#8230;&#8221;

Maider López

“Esta práctica se sirve de conceptos y modos de hacer propios del arte, como la abstracción, lo simbólico o las metáforas, que permiten contemplar el mundo desde otro punto de vista&#8230;&#8221;

Manu Muniategi

Aprendiendo a través del arte

10 alumnos de 5º y 6º curso, Colegio Escolapios Calasanz, Vitoria-Gasteiz

Arte que se come

16 alumnos de 1er a 6º curso, Colegio La Arboleda, Trápaga

Huellas del pasado y del futuro

21 escolares de 2º curso, Colegio Artatse, Bilbao

Paisajes que cobran vida

21 escolares de 2º curso, Colegio Eretza Berri, Sodupe

Naturaleza en transformación

17 escolares de 5 y 6º curso, Colegio Manuela Zubizarreta, Etxebarria

Al cuidado de la huerta

13 escolares de 6º curso, Colegio Katalin Erauso, Donostia/San Sebastián 

Lo que tenemos en común

Aprendiendo a través del arte es un programa educativo que, a través de una metodología única y singular, utiliza el arte como herramienta para reforzar el currículo de Educación Primaria. Durante el curso escolar 2023–2024, seis artistas del Museo han acompañado en esta aventura creativa al alumnado de otros tantos colegios a lo largo de veinte sesiones. En ellas, se han planteado proyectos artísticos que han abordado contenidos como la importancia de una alimentación saludable, la búsqueda de vínculos entre las personas o miradas innovadoras a la naturaleza y al entorno. El vídeo, la pintura, la fotografía o la escultura han servido a estos escolares para explorar y entender la realidad y reforzar su capacidad colaborativa, su creatividad y su imaginación. Hemos animado a niñas y niños a participar en sus propios procesos artísticos, invitándoles a pensar, valorar, elegir, probar, dudar, divertirse, a veces también a perderse y, por supuesto, a equivocarse, ya que sin error no hay avance.
La exposición de los proyectos de estos escolares en el Museo constituye el último paso del programa artístico y educativo. En esta ocasión, los cambios y procesos de la naturaleza, la identidad local, la relación entre lo común y lo propio o la importancia de los cuidados han inspirado muchas de las propuestas que se exhiben en este espacio. En el exterior de la sala, un vídeo muestra el proceso creativo del curso, ofreciendo un resumen de lo que se fue gestando en los colegios a lo largo del año.
Como broche final la muestra pone en escena el trabajo realizado. Visitarla brinda la inesperada posibilidad de contemplar puntos de vista originales y frescos, explorar ideas inspiradoras y sentir la misma emoción que experimentaron los escolares participantes haciendo sus descubrimientos y lanzándose a la creación. La programación artística del Museo suele incluir oportunidades para reflexionar sobre el medio ambiente; Aprendiendo a través del arte sigue esta misma línea de sostenibilidad ambiental, tanto en la selección de los materiales empleados para su presentación como en la temática de muchos de los proyectos.

Intercambio

EN EL MUSEO

Vídeo de la Exposición

Aprendiendo a través del arte es un programa educativo que, a través de una metodología única y singular, utiliza el arte como herramienta para reforzar

Aprendiendo a través del arte | Guggenheim Bilbao Museoa

Martha Jungwirth

Audioguía

Conferencia

Entrevista a la artista y a la comisaria

Occident

205. Objetos y personas

206. Viajes y evasión

207. El animal como iconografía

209. Historia del arte

Martha Jungwirth (Viena, 1940) ha definido su arte como una especie de diario que registra su implicación corporal en el proceso creativo. Considera cada dibujo y pintura como una extensión dinámica de su propio ser donde surgen estructuras inteligentes de líneas y manchas impulsadas por sus movimientos y emociones. Su trabajo se centra en lo fluido, lo transparente, lo abierto, apartándose del afán de grandeza en pos de una exploración de lo que se halla en estado bruto, sin censurar y sin embellecer.
La obra de Jungwirth existe en un ámbito donde dialogan memoria y representación. La artista traduce sus vivencias en formas plásticas que reflejan percepciones profundamente personales. A través de colores cargados de emoción y de formas gestuales que evocan aquello que le sirve de fuente, sus pinturas ocupan un lugar que trasciende cualquier categorización estilística simple, oscilando entre la abstracción y una sutil figuración. Dentro de este espectro artístico, algunos lienzos presentan una densa profusión de pinceladas, mientras que otros destacan por su economía de trazos. El resultado es una exploración de la tensión existente entre la abstracción y la representación del mundo físico.
Las obras tempranas de Jungwirth revelan un inconfundible enfoque de lo visceral y lo subjetivo, dominado por una fusión entre expresionismo abstracto y una cualidad cruda y emotiva que será el fundamento para el desarrollo de su singular estética. Marcada por la evolución constante, su producción aborda temas que abarcan desde el autorretrato introspectivo o el paisaje hasta acontecimientos globales contemporáneos como los incendios forestales que sufrió Australia en 2019–20.
Constituida por 70 obras, esta exposición se inicia con los primeros dibujos de Jungwirth —en los que la autora explora los límites entre figuración y abstracción— y concluye con sus más recientes series inspiradas en Francisco de Goya y Édouard Manet. Organizada de manera temática, la muestra incluye dibujos, acuarelas, óleos y libros de artista realizados sobre diversos soportes, como papel hecho a mano, libros de contabilidad, cartulina, etc. Estos materiales inusuales introducen el azar en el proceso creativo, potenciando la espontaneidad y el dinamismo. La dedicación de Jungwirth a la exploración temática y a la innovación plástica, con la que trasciende y amplía constantemente los límites de su expresión artística, determina su singular posición en el mundo del arte.
Salas: 205, 206, 207 y 209 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller
 
Martha Jungwirth 
Maja I, de la serie Francisco de Goya, Maja 
(Maja I, aus der Serie Francisco de Goya, Maja), 2021 
Óleo sobre papel, montado sobre lienzo 
238,8 x 299,6 cm 
Brauner Collection 
© Martha Jungwirth, Bilbao, 2024 
Foto Sebastiano Pellion

Martha Jungwirth, gesto y color

A partir de los grandes maestros

En el estudio de Jungwirth de Viena

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de Martha Jungwirth. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

Martha Jungwirth (Viena, 1940) ha definido su arte como una especie de diario que registra su implicación corporal en el proceso creativo. Considera cada

Martha Jungwirth | Guggenheim Bilbao Museoa

Arte Pop de la Colección Guggenheim

Signos y objetos: Arte Pop de la Colección Guggenheim

Visita guiada

Más allá del “Arte Pop” 

Curso de arte online

BBK_new

Sala 203

Sala 202

Sala 208

Surgido en Inglaterra a finales de la década de 1950, el movimiento pop arraigó en EE. UU. tras recibir el apoyo de críticos como Lawrence Alloway, escritor y curador británico, que en 1958 acuñó el término “Pop art” y en 1963 organizó la pionera exposición Six Painters and the Object, celebrada en el Museo Guggenheim de Nueva York. El título que en principio consideró dar a aquella muestra, Signs and Objects, es justamente la expresión elegida ahora para esta selección de obras de las Colecciones Guggenheim.
Impulsados por la vitalidad económica y el incipiente consumismo que imperaba en la sociedad estadounidense después de la Segunda Guerra Mundial, artistas como Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist y Andy Warhol exploraron el lenguaje visual de la cultura popular —término del que se deriva el nombre de esta corriente plástica— inspirándose en anuncios, periódicos, publicaciones baratas, vallas publicitarias, películas, cómics y escaparates. El distanciamiento y el aspecto frío e impersonal del Arte Pop supusieron un ataque directo a la venerada tradición del “arte elevado” y al énfasis en el gestualismo o en la pincelada más libre y personal que habían defendido los expresionistas abstractos de la generación anterior, como Jackson Pollock y Willem de Kooning. Las obras de esta exposición, presididas y a veces transformadas por el humor, el ingenio y la ironía, se pueden interpretar como una celebración sin ambages de la cultura popular y al mismo tiempo como una mordaz crítica a la misma.
Salas: 201, 202, 203, 204 y 208 
Comisarias: Lauren Hinkson y Joan Young
 
Roy Lichtenstein 
Grrrrrrrrrrr!!, 1965 
Óleo y Magna sobre lienzo 
172,7 x 142,5 cm 
Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York 
Donación del artista, 1997 
Foto © Solomon R. Guggenheim Foundation, Nueva York. 
Reservados todos los derechos

Signos y Objetos

Ciclo de vida del cartón

Pop Artworks

En el Museo

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de SIGNOS Y OBJETOS: ARTE POP DE LA COLECCIÓN GUGGENHEIM. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

Surgido en Inglaterra a finales de la década de 1950, el movimiento pop arraigó en EE. UU. tras recibir el apoyo de críticos como Lawrence Alloway,

Signos y objetos: Arte Pop de la Colección Guggenheim | Guggenheim Bilbao Museoa

3ª planta

Tercera planta

Esta presentación de la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao muestra una selección de obras que singularizan momentos clave de la historia del arte posterior a la Segunda Guerra Mundial. En un gesto ambicioso por amplificar la resonancia entre arte y arquitectura, esta instalación de algunas de las piezas más sobresalientes de estos fondos también resalta la arquitectura original del edificio. La exposición celebra igualmente los espacios diáfanos y llenos de luz del tercer piso del Museo.
La exposición se inspira tanto en el acervo de obras singulares de artistas como en movimientos de la historia del arte bien ilustrados en la Colección. Así, la muestra pone de relieve a autores que trabajaron a la vanguardia de su tiempo y cuyas contribuciones en su ámbito fueron realmente determinantes. Cada sala ofrece la oportunidad de contemplar la producción de un único artista o de varios que exploran preocupaciones compartidas desde diferentes perspectivas.
Algunas galerías de esta planta presentan instalaciones de ubicación específica o piezas únicas de carácter experiencial, como los espacios dedicados a Sol LeWitt y El Anatsui. La obra de este último, Mar creciente, es una escultura contemporánea de gran relevancia en la carrera del artista africano y constituye la última adquisición de la Colección. Otras salas acogen montajes temáticos sobre el desarrollo del arte abstracto que surgió tras la Segunda Guerra Mundial, así como aproximaciones entre el arte abstracto y lo espiritual, o abordan posteriores lenguajes artísticos que se desarrollaron entre 1960 y 1980, como el Pop y la presencia de lo popular en la creación contemporánea. Además, se incluye documentación histórica sobre estas corrientes artísticas y los autores que contribuyeron a ellas.
Salas: tercera planta 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller

Si las paredes hablaran…

El Anatsui

Jenny Holzer

Jeff Koons

Sol Lewitt

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao

Esta presentación de la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao muestra una selección de obras que singularizan momentos clave de la historia del

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao | Guggenheim Bilbao Museoa

Iberdrola

Cuando la artista sueca Hilma af Klint (1862–1944) comenzó a crear pinturas radicalmente abstractas en 1906, no se parecían a nada que se hubiera visto antes: audaces, coloridas y sin ataduras de referencias reconocibles al mundo físico. Pasaron varios años antes de que otros dieran pasos similares a ella para liberar su propia obra de arte de contenido representativo. Af Klint rara vez exhibió sus pinturas en público y, convencida de que el mundo no estaba listo, llegó a establecer que no se mostraran hasta veinte años después de su muerte.
Sin embargo, su trabajo fue casi invisible hasta 1986, y ha sido en las últimas décadas cuando sus pinturas y obras en papel han recibido la merecida atención. Hilma af Klint ofrecerá en el Museo Guggenheim Bilbao la oportunidad de experimentar en profundidad los logros artísticos de esta gran creadora, centrándose en los años de mayor avance de la artista (1906–20), en los que empezó a producir pinturas no objetivas e increíblemente imaginativas, creando un corpus singular que invita a una reevaluación de la modernidad y su desarrollo.
Salas: segunda planta 
Comisarias: Tracey R. Bashkoff y Lucía Agirre
 
Hilma af Klint 
Grupo VI, Evolución, n.º 16, Serie WUS/Estrella de siete puntas 
(Grupp VI, Evolutionen, nr 16, Serie WUS/Sjustjärnan), 1908 
Óleo sobre lienzo 
102 x 133 cm 
The Hilma af Klint Foundation, Estocolmo HaK 84

Hilma af Klint

Cuando la artista sueca Hilma af Klint (1862–1944) comenzó a crear pinturas radicalmente abstractas en 1906, no se parecían a nada que se hubiera visto

Hilma af Klint | Guggenheim Bilbao Museoa

Mediante un recorrido a través de veinticinco años de su polifacética trayectoria, Paul Pfeiffer. Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad rendirá homenaje al innovador artista Paul Pfeiffer (1966, Honolulu, Hawái; vive en Nueva York), reconocido por su mordacidad y su cuestionamiento de nociones relacionadas con el espectáculo, la pertenencia y la diferencia. Basándose en los grandes eventos deportivos televisados y en el entretenimiento de masas, la obra de Pfeiffer deconstruye nuestra fascinación y obsesión por la cultura de la fama y desvela, a través de una impecable edición de metraje encontrado, cómo se moldea y manipula la conciencia colectiva. Al seguir el itinerario global de la circulación de imágenes, Pfeiffer muestra cómo el deseo, el heroísmo y la devoción forman parte de los mecanismos del arte, la religión, la política y la identidad nacional.
La exposición —que abarca desde sus primeros vídeos fundamentales hasta sus rompedoras obras más recientes, que eliminan las barreras entre los géneros de la fotografía, la instalación y la escultura— sitúa a Pfeiffer como uno de los artistas más influyentes de la actualidad. A sus emblemáticas obras en monitores LCD y proyectores en miniatura, como Fragmentos de la Crucifixión (según Francis Bacon) [Fragments of the Crucifixion (After Francis Bacon),1999], Juan 3,16 (John 3:16, 2000) o la trilogía La larga cuenta (The Long Count, 2000-01), se unen proyecciones de gran escala e instalaciones audiovisuales inmersivas como Los santos (The Saints, 2007), recreación audiovisual de la final de la Copa del Mundo de 1966 entre Inglaterra y Alemania, y Rojo verde azul (Red Green Blue, 2022), su última obra en vídeo. Esta muestra presenta asimismo por primera vez varias nuevas esculturas encargadas para la serie en curso Encarnador (Incarnator), realizada con la colaboración de “encarnadores”, escultores que trabajan en Filipinas, España y México. En este contexto, Pfeiffer retrata al cantante Justin Bieber con la apariencia de Jesucristo, transformándolo en un icono religioso. La producción de estas esculturas vincula las redes mundiales actuales con las rutas comerciales coloniales del siglo XVI.
Esta es la primera retrospectiva de Pfeiffer en EE.UU. y su presentación en el Museo Guggenheim Bilbao constituirá la mayor exposición del artista en Europa.
Salas: 103 y 105 
Sedes: MOCA, Los Ángeles; Museo Guggenheim Bilbao
 
Paul Pfeiffer 
Los cuatro jinetes del Apocalipsis (07) [Four Horsemen of the Apocalypse (07)], 2002 
Impresión digital DuraFlex 121.9 x 152.4 cm 
© Paul Pfeiffer, Bilbao, 2024. 
Cortesía del artista; Paula Cooper Gallery, Nueva York; carlier | gebauer, Berlín/Madrid; Perrotin; y Thomas Dane Gallery, Londres

Paul Pfeiffer. Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad

Mediante un recorrido a través de veinticinco años de su polifacética trayectoria, Paul Pfeiffer. Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad

Paul Pfeiffer. Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad | Guggenheim Bilbao Museoa

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La iniciativa TopARTE del Museo Guggenheim Bilbao se reafirma en su compromiso con las entidades y agentes culturales de nuestro entorno más próximo. El resultado de esta fructífera colaboración es un variado programa multidisciplinar rico en contenidos y formatos, y destinado a todos los públicos.
Así, en el marco de esta iniciativa se presentan en el Museo actividades que abarcan disciplinas tan diversas como la arquitectura, el cine, la danza, el diseño, la gastronomía, la música, la performance o el teatro.

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Exposiciones

Yoshitomo Nara

28.06.2024 - 03.11.2024

Anthony McCall: Fracción de segundo

19.06.2024 - 10.11.2024

Aprendiendo a través del arte

17.06.2024 - 15.09.2024

Martha Jungwirth

07.06.2024 - 22.09.2024

Signos y objetos: Arte Pop de la Colección Guggenheim

16.02.2024 - 15.09.2024

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao

24.01.2023 - 31.12.2024

Exposiciones

futuras

Hilma af Klint

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