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Consulta toda la información necesaria sobre las exposiciones actuales y exposiciones futuras del Museo Guggenheim Bilbao.

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Pasadas

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Alex Reynolds

Charla

Alex Reynolds. Hay una ley, hay una mano, hay una canción

Audioguía

La programación expositiva de la sala Film &amp; Video del Museo Guggenheim Bilbao está dedicada a las prácticas artísticas relacionadas con la imagen en movimiento, dentro del contexto de las artes visuales en el ámbito contemporáneo.
El trabajo de la artista y cineasta Alex Reynolds (Bilbao, 1978) es una constante exploración de nuestros modos de relación y afecto, especialmente en la medida en que estos se manifiestan a través del lenguaje cinematográfico. La artista altera las estructuras narrativas, las instrucciones y los ritmos de producción; juega con las convenciones de la actuación, el relato y también con el papel que el espectador desempeña en ellos, desafiando nuestra percepción más allá de la pantalla y del mundo de las imágenes. Así, transforma los objetos y los acontecimientos en el espacio expositivo, poniendo en suspenso los automatismos de nuestra comprensión.
Esta exposición presenta tres obras recientes de Reynolds que activan, de manera incesante, un triángulo de ideas: la norma, la mano que actúa y la voz que canta. La película Palais, rodada en Bruselas en el interior de la imponente arquitectura del Palacio de Justicia, consiste en un recorrido silencioso por las laberínticas dependencias burocráticas de un edificio del siglo XIX; sensaciones de curiosidad, de humor travieso y una extraña agitación parecen solaparse, mientras seguimos a la cámara a través de un espacio monumental marcado por la iconografía imperial. En esta antesala también se presenta un diapasón que vibra en el aire de manera apenas perceptible. Tradicionalmente utilizado para afinar instrumentos musicales, este objeto ha sido fabricado ex profeso para reproducir exactamente el tono de voz de una persona conocida por la artista, cuyo nombre —Justine— da título a la pieza.
El espacio principal de la galería muestra el filme más reciente de Reynolds, realizada en colaboración con la coreógrafa sueca Alma Söderberg. Coproducida por el Museo Guggenheim Bilbao, La mano que canta construye una red de gestos, voces e imágenes conectados en el tiempo. Estos elementos parecen mimetizarse entre sí, siguiendo una secuencia abierta: desde la extracción de la corteza del alcornoque en Extremadura durante la cosecha anual del corcho hasta el acto de pelar una naranja ante un pequeño fuego, o el de lavar la mano de alguien; desde el temblor de las hojas hasta el de una voz, pasando por el batir de alas de un pájaro en la distancia o, de nuevo, el bucle que se establece entre el canto de la intérprete y los movimientos de la mano. Sobre un tejado, se intercambian palabras en español y en inglés mientras entrevemos el Palacio de Justicia en el horizonte de Bruselas. La resistencia sensorial a la fijeza y a la jerarquía, el interés por la transformación, implicando a todos nuestros sentidos en el proceso, son aspectos clave de esta nueva obra. Libre y a la vez minuciosamente compuesta, La mano que canta propone un juego lírico de correspondencias en el que los cuerpos, el paisaje y la cámara actúan conjuntamente, en completa sintonía.
Curator: Manuel Cirauqui
Alex Reynolds y Alma Söderberg 
La mano que canta, 2021 
Proyección de vídeo, color, sonora (imagen de producción) 
Cortesía de la artista y Galería Marta Cervera 
© Alex Reynolds

La programación expositiva de la sala Film &amp; Video del Museo Guggenheim Bilbao está dedicada a las prácticas artísticas relacionadas con la imagen en

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Bilbao y la pintura 

Conferencia

Bilbao y la pintura

Reflexiones compartidas

Paco Durrio, orfebre: modernidad y vanguardia 

Sesión creativa

Visita guiada

IBERDROLA

Imágenes de la exposición en el Museo

BILBAO: PUERTO Y VILLA COMERCIAL

EL MAR Y LA ALDEA

LA DANZA INTERPRETADA EN LA PINTURA

PACO DURRIO: NEXO DE UNIÓN BILBAO-PARÍS

Esta exposición contiene la historia visual de una villa, el Bilbao del siglo XIX, que, a pesar de ser invadida por los franceses y sitiada por los carlistas, y de sufrir varias epidemias de cólera ―desde la primera, en 1834, hasta la cuarta, en 1893―, se consolida económicamente como una gran ciudad, en la que prosperará un número importante de grandes artistas que antes han pasado por París. A través de veintisiete escenas pictóricas, a modo de time-songs o canciones del momento, nos adentramos en la historia de nuestra ciudad. Estos cuadros nos afinan esa capacidad doble de memoria y conocimiento que la gran pintura posibilita.
Comisario: Kosme de Barañano

Esta exposición contiene la historia visual de una villa, el Bilbao del siglo XIX, que, a pesar de ser invadida por los franceses y sitiada por los

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Arte, ciencia y sinestesia 

Vasily Kandinsky nace el 16 de diciembre de 1866 en Moscú, en cuya universidad estudia Derecho y Economía entre 1886 y 1892 e imparte clases tras obtener su licenciatura. En 1896 rechaza un puesto de profesor para viajar a Múnich y estudiar arte con Anton Azbe entre 1897 y 1899 en la Kunstakademie, y posteriormente, en 1900, con Franz von Stuck. Entre 1901 y 1903, Kandinsky enseña en la escuela de arte de La Falange, grupo radicado en Múnich del que había sido cofundador. Una de sus alumnas, Gabriele Münter, será su compañera sentimental hasta 1914. En 1902 tiene lugar la primera exposición de Kandinsky con la Secesión de Berlín y el artista produce sus primeras xilografías. En 1903 y 1904 dan comienzo sus viajes por Italia, Países Bajos y el norte de África, y sus visitas a Rusia. A partir de 1904 expone en el Salón de Otoño de París.

Kandinsky, Vasily

Kandinsky

Charla presentación

Visita virtualmente la exposición con la comisaria Megan Fontanella

Fundación BBVA

Sala 305–306

Los inicios: Múnich

Sala 307

Dominios cósmicos: de Rusia a la Bauhaus

Sala 306

Mundos minúsculos: París

Pionero de la abstracción y reconocido teórico de la estética, Vasily Kandinsky (Moscú, 1866–Neuilly-sur-Seine, Francia, 1944) es uno de los artistas más innovadores de comienzos del siglo XX. Su propósito de liberar a la pintura de sus vínculos con el mundo natural le llevó a descubrir una temática nueva basada únicamente en la “necesidad interior” del artista, cuestión que le acompañaría toda su vida.
Durante las décadas de 1900 y 1910, cuando vivía en Múnich, Kandinsky comenzó a explorar las posibilidades expresivas del color y la composición. Sin embargo, el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914 le obligó a abandonar Alemania. Al regresar a su Moscú natal, el vocabulario pictórico de Kandinsky empezó a reflejar los experimentos de corte utópico de la vanguardia rusa, que otorgaban gran importancia a las formas geométricas con el propósito de establecer un lenguaje estético universal. Posteriormente, Kandinsky se unió como docente a la Bauhaus, la escuela de arte y diseño con la que compartía su convicción de que el arte es capaz de transformar al ser humano y a la sociedad. Nuevamente obligado a abandonar Alemania cuando la Bauhaus fue clausurada bajo la presión de los nazis en 1933, Kandinsky se afincó en las afueras de París, donde la influencia del Surrealismo y las ciencias naturales se hizo patente en el empleo del biomorfismo en su iconografía.
La historia de Kandinsky está íntimamente vinculada, por encima de la de cualquier otro artista, a la de la Solomon R. Guggenheim Foundation, constituida en Nueva York en 1937. Su fundador, el industrial Solomon R. Guggenheim, comenzó a coleccionar obra de Kandinsky en 1929, y llegó a conocer al artista en la Bauhaus de Dessau al año siguiente. Esta exposición presenta obras procedentes de los extensos fondos del pintor que posee la Fundación para ilustrar completamente su trascendental trayectoria.
Curator: Megan Fontanella
Organizada por la Solomon R. Guggenheim Foundation, Nueva York
Vasily Kandinsky 
Líneas negras (Schwarze Linien), diciembre de 1913 
Óleo sobre lienzo, 130,5 × 131,1 cm 
Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, Colección Fundacional Solomon R. Guggenheim, por donación 37.241 
© Vasily Kandinsky, VEGAP, Bilbao 2020

Un constante estado de descubrimiento

INNOVACIÓN EN LA DOCENCIA

ESCRITOS INFLUYENTES

TÉRMINOS CLAVE

Presentación de Megan Fontanella

Introducción del proceso de instalación

Embalaje y transporte de obras de arte

Acondicionamiento de las galerías

El viaje de las obras de Nueva York a Bilbao

Comprobación del estado de las obras

El movimiento de las obras de arte en el interior del Museo

La distribución de las obras de arte o layout

El catálogo

Iluminación

Gráfica

Didaktika

Rueda de prensa

La exposición

#CuentaAtrásKandinsky

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición Kandinsky. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

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Visita Virtual

Pionero de la abstracción y reconocido teórico de la estética, Vasily Kandinsky (Moscú, 1866–Neuilly-sur-Seine, Francia, 1944) es uno de los artistas más

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Lee Krasner

Sobre Lee Krasner

Conversación

Proyección

Entrevistas a Lee Krasner

LK: viviendo en la pintura

Las técnicas de Krasner

Sesión Creativa +18

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“Yo era una mujer, judía, viuda, una pintora fuera de serie, gracias, y un poco demasiado independiente”. Lee Krasner

Artista

Krasner, Lee

Lee Krasner. Color vivo

Disfruta de la presentación de la nueva exposición temporal, Lee Krasner. Color vivo y de la visita guiada on line de la mano de su comisaria, Lucía Agirre.

Presentación y visita guiada on line Lee Krasner. Color Vivo

Sobre Lee Krasner 

Seguros Bilbao

Imágenes de la exposición en el museo

Nace Lee

Dibujo del natural

Pequeñas imágenes

Los escaparates para el Servicio de guerra

Stable Gallery

Profecía

Viajes nocturnos

Serie primaria

Dibujos de la Serie primaria

Palingenesia

Once maneras

Lee Krasner (1908─1984), cuyo nombre original era Lena Krassner, nació en Brooklyn y creció en el seno de una familia de emigrantes rusos, judíos ortodoxos. Con 14 años de edad decidió dedicarse al arte y fue de las primeras creadoras de Nueva York que adoptó un planteamiento totalmente abstracto, convirtiéndose en pionera del Expresionismo Abstracto. En 1942 sus obras se incluyeron en la exposición colectiva French and American Painting y, dado que el único de los artistas incluido en aquella muestra a quien no conocía era Jackson Pollock, Krasner decidió ir a visitar su estudio. A partir de entonces, iniciaron una relación; en 1945 contrajeron matrimonio y se trasladaron a Springs, en Long Island.
A diferencia de muchos de sus contemporáneos, Krasner se negó a crear una “firma inconfundible”, algo que le parecía “rígido y nada vivo”. Al trabajar en ciclos de obras, buscó continuamente nuevos medios para alcanzar una expresión auténtica, incluso en sus épocas más turbulentas, debidas a la inestabilidad emocional de Pollock y a la muerte repentina de este en un accidente de automóvil en 1956. El formidable espíritu de Krasner se percibe a través del conjunto de obras que creó en su estudio a lo largo de más de cincuenta años, y que celebramos en la presente exposición.
Exposición organizada por Barbican Centre, Londres, en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao. Con el apoyo de la Terra Foundation for American Art
Comisarias: Eleanor Nairne y Lucía Agirre
Lee Krasner 
Combate  (Combat), 1965 
Óleo sobre lienzo 
179 × 410,4 cm 
National Gallery of Victoria, Melbourne, Felton Bequest, 1992 (IC1-1992) 
© The Pollock-Krasner Foundation

IN FOCUS

Lee Krasner (1908─1984), cuyo nombre original era Lena Krassner, nació en Brooklyn y creció en el seno de una familia de emigrantes rusos, judíos

Lee Krasner. Color vivo | Guggenheim Bilbao Museoa

“El arte sirvió para comenzar a fomentar un pensamiento alternativo, para visualizar los temas de una nueva manera y, finalmente, abordarlos desde otra perspectiva.”
Elssie Ansareo

Artistas

Ansareo, Elssie

“Intentamos representar con nuestros cuerpos las formas de las montañas y las piedras de nuestro entorno. Experimentamos el paisaje a través de nuestros cuerpos, cambiando la cotidianidad de la clase, empleando dinámicas que requieren de la cooperación y coordinación de unas con otros, de trabajar juntos para crear un paisaje nuevo con nuestros cuerpos”.
Maider López

López, Maider

“El principal objetivo de este taller consistió en que los alumnos se acercaran a la geometría de un modo vivencial, recurriendo a diversos ejemplos de su entorno, propiciando un análisis de objetos cotidianos y su exploración en cuanto a características geométricas se refiere”.

“El arte sirvió como vehículo para experimentar plásticamente con las formas y los objetos. En el planteamiento de este curso tuvo especial interés el trabajo en grupo, para lo cual se diseñaron proyectos en los que los alumnos pudieran trabajar en colectividad”.
Iñaki Gracenea

Gracenea, Iñaki

“Uno de los conceptos básicos del proyecto ha sido que la investigación, la acumulación del trabajo diario, el trabajo de estudio, poco a poco dan con el camino o, mejor dicho, son el camino. El proceso es lo más importante. Otro elemento básico como parte de este proceso de aprendizaje constante es el error”.

“No hay proceso de trabajo, de experimentación, sin error. Incluir el error es muy relevante, porque naturaliza el no saber, ya que el profesor y el artista tampoco tienen por qué saber. El camino se hace así, con dudas y sin saber, investigando y probando”.
“Acostumbrar al alumno a plantear el trabajo en grupo, a que exprese lo que ve y decida o elija sobre lo que quiere hacer, y permitirle que se confunda, le ayuda a desarrollar su propio criterio como una forma de debatir”.
Manu Muniategiandikoetxea

Muniategiandikoetxea, Manu

“Al aterrizar en el colegio Samaniego, me encontré un grupo multicultural, muy joven, inquieto, receptivo y abierto a experimentar. La idea del proyecto estuvo clara desde el principio. El centro, inmerso en el desarrollo colectivo de un proyecto “espacial”, nos había asignado una tarea especial: pertrechar a Noski –así se llama la mascota viajera– de un traje exclusivo para una aventura estratosférica”.

“En esas estábamos cuando todo el proyecto se canceló como consecuencia del confinamiento, y Noski debió permanecer en tierra. Pendiente quedó una segunda tarea no menos emocionante: preparar nuestra propia expedición”.
Ibon Sáenz de Olazagoitia

Sáenz de Olazagoitia, Ibon

“Determinar los materiales, las técnicas, las formas y su ordenamiento según necesidades lleva tiempo. En ocasiones, resulta contraproducente intentar guiar en una sola dirección y, en nuestro caso concreto, no hubiera sido realista. Lo más sentido y productivo es acompañarlos, al menos en mi experiencia; estar juntos y en movimiento termina lentamente definiendo el trayecto y nuestras necesidades”.

“Hemos avanzado despacio y hemos defendido una postura en la manera de hacer que no tiende hacia un fin determinado, sino que, todo lo contrario, permanece abierto, busca sus posibilidades de expresión y, ante todo, permite descubrir y reafirmarse”.
Manu Uranga

Uranga, Manu

Aprende con BBK

SAN GABRIEL, TRÁPAGA 

Visible e invisible

ZAMAKOLA-JUAN DELMAS  

Dibujo, cuerpo, ciudad

SÁNCHEZ MARCOS 

Geometría en el entorno

BUENOS AIRES 

Miradas a la naturaleza

SAMANIEGO 

Un viaje espa(e)cial

BIZARAIN 

Montañas y piedras

El arte como herramienta de aprendizaje 
Dialogar sobre arte y participar en el proceso creativo de la mano de un artista permite a los escolares de Primaria abordar los temas curriculares desde una perspectiva diferente.
Muchos aprenden mejor cuando el aprendizaje es más activo y cuando hay mayores posibilidades de elección. En este programa se hacen preguntas, se despierta la curiosidad, se exploran nuevas ideas inspiradoras y se experimenta la emoción de descubrir.
Cada proyecto es único y está personalizado, ha sido diseñado de forma abierta y redirigido sobre la marcha para ajustarse lo máximo posible a las habilidades e intereses de cada persona. Su desarrollo a menudo implica dar espacio a la improvisación, al juego, la exploración, la investigación, el experimento y el error. El proceso artístico en el que los estudiantes se embarcan les lleva a pensar, valorar, elegir, probar, dudar, divertirse, perderse, bloquearse y, por supuesto, errar, ya que sin error no hay avance.
Y con el final del curso, llega el último paso de este proyecto: el proceso creativo tiene su puesta en escena. Montar y mostrar da otro sentido y otro significado a lo trabajado. La exposición cierra un ciclo en todo proceso artístico, cuando logra llegar a otras personas, el público que percibe y recibe la obra realizada. Los escolares tienen la oportunidad de exponer sus creaciones en el Museo, un acontecimiento que supone una inyección de autoestima y de reconocimiento que difícilmente olvidarán.
Como cada verano, el Espacio de Educación del Museo se llena de obras. En esta ocasión, entre el 26 de junio y el 27 de septiembre el público podrá contemplar las piezas expuestas y disfrutar de los puntos de vista más originales y frescos.

Intercambio Bilbao–New York

El programa

La Historia

El enorme potencial educativo del programa Aprendiendo a través del arte

Los artistas del programa Aprendiendo a través del arte

Aprendiendo a través del arte 2020

El arte como herramienta de aprendizaje Dialogar sobre arte y participar en el proceso creativo de la mano de un artista permite a los escolares de

Aprendiendo a través del arte 2020 | Guggenheim Bilbao Museoa

William Kentridge: 7 fragmentos

Vídeo de la exposición

William Kentridge es una figura de referencia de la historia reciente de la videoinstalación, que en su caso funciona siempre como lugar de cruce entre coreografía y dibujo, gesto, borradura y línea. El predominio del blanco y negro conecta la textura tradicional de la película cinematográfica con las prácticas gráficas: carboncillo, grafito, tinta. En esta instalación de nueve pantallas, Kentridge invoca el genio fundador de Georges Méliès, padre del cine, a la vez que realiza un autorretrato onírico, usando el estudio del dibujante como escenario cósmico y poniendo en escena tanto su cuerpo como su práctica cotidiana. 7 Fragmentos para Georges Méliès, el conjunto de filmaciones que da título a la exposición, va acompañado de otros dos componentes, también realizados en 2003 y titulados, respectivamente, Día por noche (en relación al trabajo de inversión de blancos y negros en el negativo fotográfico) y Viaje a la luna (implícito homenaje a la obra maestra homónima realizada por Méliès en 1902). Esta última pieza sonoriza dramáticamente la totalidad del espacio gracias a la música original de Phillip Miller.
Comisario: Manuel Cirauqui
William Kentridge 
7 fragmentos para Georges Méliès y Día por noche (7 Fragments for Georges Méliès and Day for night), 2003 
Instalación, 8 canales, vídeo HD. Blanco y negro, silencio. 
Colección Fundació Sorigué, Lleida 
© William Kentridge, 2003 
Image courtesy of Lia Rumma Gallery Milan/Naples
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William Kentridge es una figura de referencia de la historia reciente de la videoinstalación, que en su caso funciona siempre como lugar de cruce entre

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Lygia Clark nació en 1920 en Belo Horizonte, Minas Gerais (Brasil), y, a finales de la década de 1940, recibió una formación artística más bien informal en Río de Janeiro con los artistas brasileños Roberto Burle Marx y Zélia Ferreira Salgado. En 1950 viajó a París para continuar su formación con los maestros modernos Fernand Léger y Árpád Szènes. Celebró su primera exposición, titulada L. Clark-Ribeiro, en 1952 en el Institut Endoplastique de París, donde presentó sus primeros experimentos con la abstracción y las formas constructivas en trabajos bidimensionales. A su regreso a Brasil, a finales de ese mismo año, tuvo su primera muestra en solitario, Lygia Clark 1950-1952, en el Ministério da Educação de Río de Janeiro. Reconocida como artista emergente, Clark comenzó a participar en importantes exposiciones colectivas regionales, incluyendo la primera Exposição Nacional de Arte Abstrata (1953) y la Bienal de São Paulo (1953).

En 1954, se unió al colectivo vanguardista denominado Grupo Frente, junto con sus coetáneos Aluísio Carvão, Hélio Oiticica y Lygia Pape, entre otros, y tomó parte en las revolucionarias exposiciones del grupo celebradas hasta 1956. Siguiendo los principios de la abstracción geométrica, su obra de ese periodo optó por una rigurosa representación de formas geométricas, vivos colores y una sensación de orden. También participó en otras exposiciones importantes, tales como el Salão Nacional de Arte Moderna (1956 y 1957), la primera Exposição Nacional de Arte Concreta (1957) y la Bienal de São Paulo (1957). Hacia finales de la década de 1950, las preocupaciones estéticas y filosóficas de Clark confluyeron con las del neoconcretismo, un movimiento artístico brasileño creado en 1959 que rechazaba la naturaleza impersonal y objetiva de la abstracción concreta. Los neoconcretistas concebían sus obras como algo a medio camino entre el arte y la vida, y como experiencias en la esfera pública. Clark, miembro fundador, participó en la Exposição Neoconcreta de 1959, y creó obras tridimensionales que fomentaban la participación activa del espectador en la obra de arte.
Desde 1964 hasta comienzos de la década de 1970, Clark residió en París y creó una serie de obras poco convencionales que discurren paralelas a su prolongado psicoanálisis con el psiquiatra Pierre Fédida, que la llevó a abrazar la idea de una forma de arte terapéutica. Esas investigaciones coincidieron con revolucionarios acontecimientos ocurridos a nivel mundial, tales como los sucesos de Mayo de 1968 en Francia y la aparición de una nueva generación de artistas brasileños implicados en movimientos tales como la Nova Objetividade (nueva objetividad) y Tropicália (tropicalismo). Las obras de Clark pertenecientes a ese periodo incorporan elementos que estimulan el cuerpo a través de los ojos, los oídos y la nariz como una forma de integrar los sentidos sin dar prioridad a lo visual. Su investigación artística en ese periodo se centró en una práctica terapéutica que aspiraba a activar la conciencia subjetiva y corporal. Después de 1978, en los últimos compases de su carrera, Clark se dedicó en exclusiva a su actividad psicoanalítica. Falleció en Río de Janeiro en 1988.

Clark, Lygia

Lygia Clark. La pintura como campo experimental, 1948–1958

Los primeros años, 1948-1952

Abstracción Geométrica, 1953−1956

Variación de la forma: la modulación del espacio, 1957−1958

Pionera de la abstracción, Lygia Clark (Belo Horizonte, Brasil, 1920−Río de Janeiro, Brasil, 1988) fue una artista fundamental de la segunda mitad del siglo XX. La exposición Lygia Clark. La pintura como campo experimental, 1948−1958 ofrece un nuevo análisis de los cruciales años de formación de la artista, el período comprendido entre 1948 y 1958, cuando experimentaba entre la figuración y la abstracción con el fin de articular el poderoso lenguaje visual que definiría las creaciones de su época de madurez. Junto con una relevante representación de su trabajo figurativo inicial, esta muestra reúne pinturas de las principales series que Clark creó en esta temprana época, brindando un panorama esencial de la primera década de su carrera artística.
Al plantearse la pintura como un “campo experimental”, expresión que la artista utilizó en una conferencia clave que dio en 1956, Clark pretendió redefinir el medio ampliando los límites de la pintura tradicional. Se dedicó al arte sin poseer una formación oficial específica, se integró en el ambiente artístico de Río de Janeiro a finales de la década de 1940 y participó en movimientos fundamentales, como el Arte Concreto y la Abstracción Geométrica, a lo largo de la década de 1950. La presente exposición se centra en la evolución de Clark mediante tres secciones estructuradas históricamente: “Los primeros años, 1948−1952”, “Abstracción geométrica, 1953­−1956” y “Variación de la forma: La modulación del espacio, 1957−1958”. Cada bloque presenta las ideas más significativas de Clark y refleja de manera concienzuda su desarrollo artístico a través de una selección de obras.
Esta muestra de las primeras creaciones de Lygia Clark, que coincide con el centenario del nacimiento de la artista, dedica una renovada atención de dimensión internacional a una artista imprescindible del panorama latinoamericano de posguerra. El Museo quiere expresar su agradecimiento a la Asociación cultural Lygia Clark de Río de Janeiro, y a los herederos de la artista por el enorme apoyo que han prestado a esta exposición.
Curator: Geaninne Gutiérrez-Guimarães
Lygia Clark 
El violonchelista (O Violoncelista), 1951 
Óleo sobre lienzo 
105,5 x 81 cm 
Colección particular 
© Courtesy of “The World of Lygia Clark” Cultural Association
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De Europa a Latinoamérica

Más allá de la pintura

El arte como mediador

Entre arte y terapia

Lygia Clark. La pintura como campo experimental, 1948-1958

Pionera de la abstracción, Lygia Clark (Belo Horizonte, Brasil, 1920−Río de Janeiro, Brasil, 1988) fue una artista fundamental de la segunda mitad del

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Richard Artschwager nace en 1923 en Washington D.C y muere en Albany, Nueva York, en 2013. Tras licenciarse en 1948 por la Universidad de Cornell (Nueva York), recibe clases de uno de los artistas precursores de la abstracción, Amédée Ozenfant. A comienzos de los años cincuenta, Artschwager se interesa por la carpintería, y realiza muebles sencillos. Después de la destrucción que sufre su taller como consecuencia de un incendio a finales de esa década, comienza a realizar esculturas empleando materiales industriales de desecho; posteriormente, amplía su práctica a los ámbitos de la pintura, el dibujo, la instalación de ubicación específica y la obra basada en fotografía.

La primera exposición de Artschwager, celebrada en la Art Directions Gallery de Nueva York en 1959, fue seguida por las numerosas muestras individuales que le dedicó el pionero galerista Leo Castelli a partir de 1965. Entre las grandes retrospectivas consagradas a su medio siglo de trayectoria se encuentran Up and Across, celebrada en el Neues Museum de Núremberg (Alemania, 2001), en el Museum für angewandte Kunst (MAK) de Viena (2002), y en el Kunstmuseum Winterthur de Suiza (2003); Painting Then and Now, en el Museum of Contemporary Art, Miami (2003); Up and Down / Back and Forth, en el Deutsche Guggenheim, Berlín (2003); Richard Artschwager!, en el Whitney Museum of American Art de Nueva York (2012).
Artschwager forjó un camino singular en el arte, desde principios de la década de 1950 hasta los inicios del siglo XX, convirtiendo la asimilación visual del espacio y de los objetos cotidianos que lo pueblan en algo extraño, desconocido. En su trabajo, pictórico y escultórico, un tablero anónimo de formica imitando la trama de la madera de nogal es tanto ese objeto en sí como una representación de un plano de madera; una mesa o una silla son a la vez muebles, esculturas e imágenes; y una pintura o una escultura pueden ser una “multi-imagen” o una “naturaleza muerta en tres dimensiones”. Artschwager llevó al primer plano las estructuras de la percepción, en un intento de fusionar el mundo de las imágenes —que se aprehenden a través de los sentidos— y el mundo de los objetos —que se poseen físicamente— en el mismo espacio que ocupamos como observadores.
Foto: Richard Artschwager in his exhibition Gegenwärtig aber ungenau, Georg Kargl BOX, Vienna, 2005.

Artschwager, Richard

Con Germano Celant sobre Richard Artschwager

Richard Artschwager

Signo de exclamación, 2010

Piano grande, 2012

Mujer de pie (Dirne), 1999

Retrato I, 1962

Sin título (Patatas V), 1997

Fechas pendientes de revisión
Esta exposición presenta la trayectoria creativa de Richard Artschwager (Washington, D. C., 1923 – Albany, EE. UU., 2013), artista que trabajó a medio camino entre la pintura y la escultura desarrollando un lenguaje único a partir de materiales nuevos empleados en el ámbito doméstico de su tiempo. El proyecto, concebido por el renombrado curator Germano Celant y coorganizado por el Museo Guggenheim Bilbao y el MART – Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto, comprende casi 70 obras, a las que se une una cuidada selección de materiales de archivo y documentación rara vez exhibidos.
Diseñada como un laberinto abierto que pone de relieve los núcleos principales de la obra de Artschwager, la muestra presenta un amplio repertorio de trabajos que datan de principios de los años sesenta a la primera década del siglo XXI, y que engloban desde las obras tempranas en madera, las estructuras en formica y las pinturas en Celotex hasta las esculturas en pelo de nailon y las “obras de esquina”, pasando por las piezas hechas con crin de caballo y los llamados blps, intervenciones que el artista empezó a realizar a partir de 1968 y a desplegar de manera individual o en serie en interiores específicos o en áreas urbanas. Artschwager, cuya experiencia profesional como carpintero fue clave en los inicios de su carrera, siempre orientó su trabajo hacia la fusión entre la figuración y la abstracción, el diseño y la innovación artística, buscando con ironía la combinación de lo funcional y lo inútil.
A través de sus pinturas y esculturas, Artschwager plantea una vía característica que combina la artesanía y la industrialización, abarcando tanto el espacio como los objetos y seres que lo habitan. El artista representa lugares, escenas de la vida cotidiana y enseres corrientes, como mesas, sillas y armarios, reinterpretándolos por medio de materiales industriales comunes, como la formica, el Celotex, la pintura acrílica o la crin de caballo revestida de caucho. Igualmente, explora la forma geométrica pura, particularmente en sus esculturas, adentrándose en la abstracción y sirviéndose de las figuras macizas para evocar una suerte de ilusionismo pictórico. Estilísticamente, Artschwager mantuvo una ambivalencia deliberada y muy distintiva, desafiando el dogmatismo iconográfico de tendencias que, como el Minimalismo o el Arte Pop, parecían defender un cierto antagonismo entre ellas. Pero, en vez de permitir cualquier conflicto entre opuestos, Artschwager puso en práctica una síntesis que incluyó todos los elementos y posibilidades, por muy distintos que fueran, integrándolos. “Lo que me interesa —afirmó— es sobre todo la línea de demarcación entre las cosas ordinarias y las que reconocemos como objetos de arte.”
La obra de Artschwager continuamente cuestiona la apariencia y la esencia, aventurándose en los terrenos filosóficos de la ontología, la epistemología y la estética con agudeza e inteligencia. Así, nos ofrece una interpretación del mundo que es delicada y realista, humorística y al mismo tiempo monumental.
Richard Artschwager 
Puerta } (Door }), 1983–84 
Acrílico y laca sobre madera y vidrio, metal; dos partes 
207,6 x 165,1 x 24,8 cm 
Collection Kerstin Hiller and Helmut Schmelzer, en préstamo al Neues Museum Nürnberg 
Foto: Annette Kradisch 
© Estate of Richard Artschwager, VEGAP, Bilbao, 2020

IN MEMORIAM

Richard Artschwager, la visión de Germano Celant

Richard Artschwager, las claves

Cómo se organiza una exposición con Carolina Erdocia

Fechas pendientes de revisión Esta exposición presenta la trayectoria creativa de Richard Artschwager (Washington, D. C., 1923 – Albany, EE. UU., 2013),

Richard Artschwager | Guggenheim Bilbao Museoa

18€ Adultos - 9€ Jubilados - 9€ Estudiantes

La iniciativa TopARTE del Museo Guggenheim Bilbao se reafirma en su compromiso con las entidades y agentes culturales de nuestro entorno más próximo. El resultado de esta fructífera colaboración es un variado programa multidisciplinar rico en contenidos y formatos, y destinado a todos los públicos.
Así, en el marco de esta iniciativa se presentan en el Museo actividades que abarcan disciplinas tan diversas como la arquitectura, el cine, la danza, el diseño, la gastronomía, la música, la performance o el teatro.

Exposiciones

Pasadas

Alex Reynolds. Hay una ley, hay una mano, hay una canción

Bilbao y la pintura

Kandinsky

Lee Krasner. Color vivo

Aprendiendo a través del arte 2020

William Kentridge: 7 fragmentos

Lygia Clark. La pintura como campo experimental, 1948-1958

Richard Artschwager

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